El Artista Multimedia

Abuelo, le echamos de menos

2012-01-17T08:25:00.003+01:00

Amigos, nos encontramos en la etapa más lamentable de la historia del Real Zaragoza. Con una situación en liga desastrosa, una plantilla de jugadores mediocre tirando a pobre, un estilo de juego inexistente y, sobre todo, una directiva que no hace más que gastar dinero inútilmente sin conseguir ningún logro deportivo, muchos dicen que el Real Zaragoza está agonizando y a las puertas de la desaparición. Personalmente, y sintiéndolo mucho, yo estoy convencido que acabará siendo así.

¿Quién tiene la culpa de esta situación? En mi opinión la respuesta está más que clara. Tras la muerte de Don Alfonso Solans, en gloria esté, no ha pasado por el club maño un solo presidente que lo ame realmente. Ni su hijo Alfonso Solans Jr., ni el actual propietario de la entidad, el empresario soriano Agapito Iglesias (que inicialmente se puso al político Eduardo Bandrés como escudo para recibir las hostias de los medios de comunicación), han estado a la altura de lo que verdaderamente significa el sentimiento zaragocista y lo único que han hecho es figurar, vender jugadores, despedir entrenadores e incrementar la deuda del club. Por esta razón, en este tiempo aciago para el Real Zaragoza, me gustaría rendir un sentido homenaje al presidente que nos llevó a la gloria deportiva durante los años 90, un presidente que, pese a ser un poco particular, amaba al Real Zaragoza como pocos y, lo más importante, invertía en él como Dios manda. Va por usted, abuelo.

Pica Pic

2012-01-08T12:58:00.009+01:00

Hace algún tiempo me entró la vena nostálgica del abuelo Cebolleta y recomendé en esta sección una página web dedicada a los ordenadores Spectrum, recordando que a través de ellos me inicié en el mundo de la tecnología. Mentí. En realidad, la primera vez que el que escribe accedió a un aparato electrónico provisto de un computador con el cual se podía jugar, fue a través de una de aquellas maquinitas de videojuegos de bolsillo que proliferaron en los primeros años ochenta y que tantos ratos de diversión nos ocasionaron a los niños de mi generación. Precisamente a aquellos pequeños chismes va dedicado el enlace que voy a recomendar a continuación. Se trata de una página llamada “Pica Pic” cuya dirección es la siguiente: http://www.pica-pic.com

“Pica Pic” es una fantástica página web en la que su autor, un tal Hipopotam, ha recopilado, digitalizado y publicado su propia colección de maquinitas de bolsillo. Moviéndonos por la página mediante el uso del menú de la parte inferior de la pantalla, no sólo podremos ver los diferentes modelos de máquina y toda la información sobre la empresa fabricante y el año y lugar de fabricación de cada una de ellas, sino que, lo más sorprendente de todo… ¡También podremos jugar! Sí, el señor Don Hipopotam ha pasado todos los juegos de sus máquinas a “Flash”, de manera que los internautas que visiten la web podrán recordar su infancia jugando y disfrutando de los gráficos y los sonidos originales de aquellos arcaicos videojuegos.

Pero la cosa no queda aquí. Además del factor nostálgico, Hipopotam ha añadido un aliciente más para fomentar las visitas y la participación de los navegantes en su web. Para cada una de las máquinas también ha añadido un “ranking” de puntuaciones obtenidas por los jugadores, de manera que un usuario que desee jugar a los primitivos Donkey Kong, Zelda, Mickey & Donald, Terminator, Dr Slump o a cualquiera de los juegos ofrecidos en la web, estará compitiendo con el resto de usuarios del mundo, quedándose los récords almacenados en una base de datos.

Sin nada más que decir, os dejo que trasteéis un rato en “Pica Pic” y que comprobéis vosotros mismos las maravillas que puede llegar a hacer la gente en su tiempo libre y sin obtener nada a cambio.

Pica Pic: http://www.pica-pic.com

Licenciado Cantinas (Enrique Bunbury) 2011

2011-12-31T17:09:00.005+01:00

Cada vez que Enrique Bunbury publica un nuevo disco es como cuando alguien te hace un regalo por Navidad. Lo mismo puede dar en el clavo y sorprenderte gratamente, como puede ser un mojón mañanero que ni te gusta, ni necesitabas y que una vez recibido jamás vuelves a prestarle atención. En este caso, y siguiendo con el paralelismo Navideño, podríamos decir que “Licenciado Cantinas” es un regalo de tipo mojón, vamos, que después de las dos escuchas de rigor, más que suficientes para escribir esta reseña, dudo que vuelva a escucharlo nunca más. ¿Pero qué tiene “Licenciado Cantinas” para que en mi opinión sea tan infumable? Pues ahora mismo os lo explico.

“Licenciado Cantinas” es, nada más y nada menos, un disco de temas presuntamente clásicos de la música latinoamericana interpretados por Enrique Bunbury y sus muchachos en clave de rock-fusión. Y digo presuntamente porque yo de música latinoamericana conozco tanto como de la pesca del boquerón malagueño en embarcación de jábega, así que no pondré en duda este asunto ni mucho menos. Pero no se trata de un recopilatorio de canciones latinas al uso como pudo ser “El cantante” de Andrés Calamaro, no. Lo “original” de la compilación es que Bunbury ha querido presentarla como un disco conceptual dividido en partes, actos y esas cosas más propias de las óperas que de los discos de hoy en día, al más puro estilo “The Wall” de Pink Floyd. La diferencia es que, mientras que en algunos discos de este tipo como el mencionado “The Wall” o el “Metropolis” de Dream Theater la trama de las historias está más o menos clara desde un principio, en “Licenciado Cantinas” lo único que se intuye es un intento de narrar una historia protagonizada por un borrachuzo apodado Licenciado Cantinas, pero sin llegar a hilvanar del todo una trama argumental clara. No en vano los temas fueron compuestos por gente como Agustín Lara, Atahualpa Yupanqui, Lhasa de Sela o Héctor Lavoe por nombrar sólo unos cuantos, que ni son coetáneos ni tienen nada que ver el uno con el otro.

Por lo que respecta a lo puramente musical, dejando de lado lo estilístico, decir que Enrique Bunbury está en una forma espectacular. Después del tute que se habrá pegado en la vida, es sorprendente lo bien que se conserva en lo que a voz se refiere. Ha debido de firmar un pacto con el diablo porque los años parece que ni pasan en él ni en su garganta. En cuanto a su banda, pues con tres discos al lado de Bunbury y una montonera de conciertos del grupo a sus espaldas, los Santos Inocentes han conseguido sonar impresionantemente bien y hacer que absolutamente nadie se acuerde ya de aquella banda en mi opinión tan flojita llamada El Huracán Ambulante que hace unos años acompañaba al artista aragonés. Sobre todo Jordi Mena y Jorge Rebenaque le dan un toque de clase al sonido que no tenía la anterior formación ni por asomo.

Y alguien podrá decir: “Primero dices que no te gusta el disco y luego hablas bien de Bunbury y sus músicos”. Cuidado. Que el conjunto del disco no me guste y me parezca más aburrido que el hombre invisible haciendo sombras chinescas no quiere decir que no sepa reconocer un buen trabajo de instrumentación y producción como el que se ha hecho en “Licenciado Cantinas”. Lo único que digo es que a mí ni me gusta el estilo del disco, ni la lista de canciones que lo componen y que no hay nada que ni a mí ni a ningún seguidor de Enrique Bunbury con un mínimo de criterio musical (que alguno debe de haber por ahí, digo yo) nos vaya a animar a volverlo a escuchar, lo cual es una pena y más sabiendo de lo que es capaz Bunbury cuando se pone a hacer rock. Eso sí, su público latinoamericano debe estar encantado con este nuevo trabajo, que por otra parte en los últimos diez años parece ser lo único que le importa.

El Artista Multimedia os desa Felices Fiestas y próspero año 2012

2011-12-24T15:50:00.019+01:00

Estimados lectores del blog de El Artista Multimedia:

En unas fechas tan especiales como estas me gustaría dirigirme a todas las personas que durante este año han pasado por este blog, tanto a las que lo han hecho voluntariamente movidas por el interés o la curiosidad por lo que aquí escribo, como a aquellas que andaban buscando por Internet cosas interesantes de verdad y el motor de búsqueda de Google las ha redirigido aquí por error. A todos, millones de gracias, porque con vuestras visitas la aplicación de estadísticas que tengo instalada en el blog y que me informa de cuánta gente va entrando cada día, me ha hecho pensar que vale la pena seguir escribiendo.

Para mí, el 2011 ha sido un año verdaderamente apasionante, un año que empecé con muy mal pie (de hecho lo empecé con el pie roto) pero en el que he tenido la oportunidad de replantearme muchas cosas, de afrontar el día a día de una forma diferente a como lo venía haciendo y, sobre todo, de vivir grandísimas experiencias realmente inolvidables. De entre todos los acontecimientos que he vivido en este 2011 podría destacar mi debut con The Rebel Band en la mítica sala Razzmatazz de Barcelona, mi regreso a Málaga para reencontrarme en la segunda edición del festival Almayate Rock N' Roll Circus con mis amigos Perro Chico y los Perros Calientes y mis amigas Las Luciérnagas, mi visita a la fantástica ciudad de Estocolmo, mi estancia de dos semanas por motivos laborales en los Emiratos Árabes Unidos, y la ocasión que tuve de disfrutar de los conciertos de algunas grandes estrellas del panorama musical internacional como son Roger Waters, Bon Jovi o Jamiroquai.

El haber vivido todos estos acontecimientos y haberme tenido que dedicar a otros asuntos algo menos interesantes pero que también han requerido muchísimo tiempo por mi parte, ha provocado que el blog de El Artista Multimedia haya quedado un poco olvidado de unos meses a esta parte. He de decir que no ha sido algo voluntario ni intencionado y que en el 2012 pretendo dedicarme más a él y recuperar algunas cosas que en el 2011 se me han quedado en el tintero por falta de tiempo material.

Sin nada más que decir, me despido de todos vosotros transmitiéndoos mis mejores deseos para estas fiestas y esperando que sigáis ahí durante el año próximo.

Recibid un cordial saludo de El Artista Multimedia.

Starfield Cabriolet

2011-12-11T12:33:00.007+01:00

Y van tres. Cuando decidí comprarme mi primera guitarra eléctrica quise darme el capricho de que ésta fuera igual o parecida a la Gibson Les Paul Custom negra que usaba uno de mis ídolos musicales, el guitarrista Juan Valdivia de Héroes del Silencio. Como igual no podía ser por motivos económicos (una Gibson Les Paul Custom original ronda los 3.000 Euros), me compré una lo más parecida y de la máxima calidad posible: Una Epiphone Les Paul Custom. A pesar de ser preciosa y de tener un sonido espectacular y bastante fiel al de una Gibson original, la delicadeza de su esmalte (se raya sólo de mirarla) y su exagerado peso (debe andar por los 5 Kilos) hicieron que cuando empecé a ensayar semanalmente me plantease hacerme con otra algo más barata, bastante más ligera y que no me importase demasiado si se llevaba algún hostión en el metro ni maltratarla en el local de ensayo. Fue entonces cuando adquirí mi Squier Bullet-Strat de color verde surf. En la tienda había guitarras de precio similar y seguro que de mejor calidad, pero he de reconocer que el color verde chicle de menta de su cuerpo me hipnotizó completamente desde fuera del escaparate y no pude evitar comprármela. Con ella ensayé durante dos años, grabé una maqueta y toqué en directo en cuatro ocasiones, pero a pesar de llevar el sello Fender en su pala, con el paso del tiempo se fue deteriorando sonando cada vez peor y me vi obligado a volver a recuperar mi Epiphone Les Paul Custom. Después de tocar en directo dos veces con ella y de realizar alguna grabación, acabé nuevamente hasta los huevos de cargarla a la espalda semanalmente y volví a plantearme la adquisición de otra guitarra que me diese la comodidad que me daba la Squier pero que fuese de una calidad algo superior. Fue entonces cuando apareció de la nada mi amigo y maestro Juan Pineda con una Starfield Cabriolet de segunda, tercera o cuarta mano, quién sabe.

Según he podido saber a través de Internet, Starfield Guitars Company nació como empresa subsidiaria de Hoshino Industries. Inicialmente Starfield tenía tres líneas de fabricación: Corea, Japón y Estados Unidos, y en todas ellas la producción era compartida con la casa Ibanez. Las gamas fabricadas en Corea y Japón fueron destinadas a la venta al gran público mientras que la producción de más alta gama realizada con el sello “Made in USA” se ensamblaba, acababa, y distribuía desde la Custom-Shop de Ibanez ubicada en California. Las guitarras y algunos amplificadores de la marca Starfield vieron la luz en los años 70 pero finalmente la empresa tuvo que cerrar entre los años 1994 y 1995 debido a sus bajas ventas ya que nunca consiguió establecer su propio nicho de mercado. A mediados de los 70 Starfield creó una imitación de Les Paul y una guitarra de caja, ambas de gran calidad. Finalmente Starfield cambió de logo y se centró en dos modelos base: La Cabriolet y la Altair. La Cabriolet estaba inspirada en la Fender Telecaster y la Altair era una extraña evolución de la Fender Stratocaster. Ambos modelos estaban equipados con un puente Wilkinson, herrajes de primera calidad y pastillas Seymour Duncan en la mayoría de los casos.

El modelo que me consiguió mi amigo Pi y que podéis apreciar en la siguiente imagen, es una Starfield Cabriolet producida en Japón. No sé de dónde habrá salido, a quién habrá perteniecido, ni la historia que tendrá detrás suyo esta guitarra, lo que sí sé es que, a pesar de estar tuneada y de llevar instalado un extraño hardware de efectos en su interior, ésta suena de maravilla y cumple todas las expectativas de comodidad y ligereza que andaba yo buscando en una guitarra. A ver cuánto me dura o cuándo me canso de ella.

Autor: El Artista Multimedia, al final dará con la buena.

Especial Marco Simoncelli (Paddock GP)

2011-11-05T16:30:00.006+01:00

Mañana hará dos semanas de la trágica muerte del piloto de MotoGP Marco Simoncelli. Han sido catorce días de recuerdos y homenajes por parte de muchos medios de comunicación que han dado lugar a diferentes ediciones y emisiones especiales recordando al piloto italiano del dorsal 58. Entre todos estos tributos me gustaría destacar el que el programa Paddock GP de Televisión Española emitió pocas horas después del fallecimiento de Simoncelli. Se trata de un bonito documental que recuerda en imágenes toda su vida y que refleja con bastante claridad cómo era Marco dentro y fuera de la pista. El documental se ha tratado con el cariño y la admiración que todos los profesionales encargados de las retransmisiones del Mundial de MotoGP de Televisión Española le profesaban al piloto, y lejos de ser morboso o triste, trata de recordar a Marco como él mismo hubiera querido, con una sonrisa en los labios. Si en su día no tuvistéis ocasión de verlo, espero que ahora lo disfrutéis.

Piezas contentas (Suite) 2007

2011-11-03T20:19:00.020+01:00

A lo largo de los años han habido diversos grupos y artistas cuyas carreras musicales han dado un giro de 180 grados en el momento en que han dejado de jugar en la segunda o tercera división del rock para realizar alguna colaboración con Enrique Bunbury. Podríamos hacer una larga lista de gente a la que le ha pasado esto en la que destacarían nombres como Las Novias, Shuarma, Morti, Carlos Ann, Copi Corellano y un largo etcétera de músicos que, sin pretender poner en duda su talento ni sus capacidades artísticas (Dios me libre), nadie tendrá el valor de negarme que sin el paso de Enrique Bunbury por sus vidas hoy en día quizás ni yo ni nadie estaría hablando sobre ellos. El último ejemplo de este tipo de fenómeno es el del grupo barcelonés Suite. Hasta que Bunbury no diera por finalizada su etapa con el Huracán Ambulante y reclutara para su nueva formación a Álvaro Suite y Robert Castellanos, dos miembros del grupo Suite, muy poca gente había oído hablar de ellos a pesar de llevar en activo desde el año 2002. Hoy en día me atrevería a decir que ya son pocos los fans del que fuera líder de Héroes del Silencio que no han investigado sobre las carreras musicales de los nuevos compañeros de viaje de su ídolo y que, por consiguiente, no conocen, han escuchado y son fans a muerte de Suite y de su disco de debut publicado en el año 2007 bajo el título de “Piezas contentas”.

En efecto, yo también he investigado sobre el grupo y he escuchado su trabajo (sino no estaría escribiendo esta reseña), pero quiero dejar claro que no lo he hecho porque me sienta atraído por cualquier cosa que huela o tenga relación con Enrique Bunbury y lo que le rodea. En absoluto. Lo he hecho porque, casualmente, hace unos meses tuve el enorme placer de compartir escenario e incluso amplificador con Robert Gómez, el guitarrista principal de Suite, durante una velada de rock and roll celebrada en la localidad tarraconense de Torredembarra donde su nueva banda, The Leonardos, y la mía, The Rebel Band, tocamos juntos en el mismo local. Durante toda la actuación de The Leonardos quedé tan impresionado con el estilo y la técnica en las seis cuerdas de su guitarrista, que quise conocer sus trabajos discográficos anteriores dando así con este “Piezas contentas” de Suite que a continuación pasaré a reseñar.

Pese a ser el disco de un grupo español que canta en castellano, podríamos decir que “Piezas contentas” es un disco de rock and roll con claras influencias del rock británico de los años setenta. Incluso diría que en determinados fragmentos el disco tiene un acentuado aire glam-rock que claramente recuerda a artistas como David Bowie o los T-Rex de Marc Bolan. Ocurre esto en temas como por ejemplo “Duque detalle”, “Fiebre de amor” o “Virginie”. La verdad es que la voz de Álvaro Suite ayuda bastante a la hora de encontrar este tipo de similitudes, pero no es únicamente la voz lo que recuerda a los sonidos de aquellos tiempo, son también la ambigüedad de las letras, la forma de hacer los coros y las propias melodías de las canciones lo que a cualquier persona mínimamente formada en lo que es la historia del rock de la década de los setenta le hará llegar a esta misma conclusión.

En cuanto a la instrumentación, todos y cada uno de los integrantes de la banda son unos verdaderos maestros en sus respectivos instrumentos. El mismo Álvaro en la guitarra, Robert Castellanos en el bajo, Luis “Animal” Bestard en la batería y muy especialmente el anteriormente mencionado Robert “Revolbert” Gómez en la guitarra principal, conforman una banda impecable que no ocupa en el panorama musical español el lugar que su talento merecería. Desde mi modesta opinión y conociendo diferentes facetas suyas como músico, creo que Robert Gómez es uno de los guitarristas más versátiles de este país. Lo mismo le da interpretar unos “riffs” afilados al más puro estilo Keith Richards, que marcarse unos punteos alienígenas a lo Mike Ronson, que tocar blues como el que lleva a cabo con otra de sus bandas llamada Lone Rhino Club, que tocar punk-rock garajero como el que hace con The Leonardos, porque todos ellos los ejecuta con una grandísima clase.

Es una lástima que “Piezas contentas” no tuviera la campaña promocional ni de distribución que se merece por la calidad de su contenido. Actualmente es un disco que no se encuentra en las tiendas pero que afortunadamente se puede conseguir a través de Internet mediante procedimientos más o menos ortodoxos. Además, puesto que hoy por hoy Álvaro Suite y Robert Castellanos se encuentran inmersos con una dedicación de prácticamente el 100% en su carrera como músicos de apoyo de Enrique Bunbury, es más que probable que en mucho tiempo no volvamos a ver un disco de Suite en el mercado si es que esto se llega a producir alguna vez. Pero es lo que tiene ser un anónimo y que de la noche a la mañana llame a tu puerta una de las máximas estrellas de la música nacional, que como decía el bolero: “Si tú me dices ven lo dejo todo”.

Marco Simoncelli

2011-10-23T19:22:00.016+02:00

Hacía mucho tiempo que no escribía un artículo en la sección “Artistas” de este blog. Habitualmente aquí solía escribir sobre músicos que estuviesen de actualidad, pero ya llevaba días pensando en que la palabra “Artista” abarca tanto que quizás podría empezar a ampliar la sección incorporando también actores, escritores, pintores o personas de cualquier tipo de profesión con cuyo trabajo generen diversión o entusiasmo entre la gente que lo presencia. Lo que no entraba dentro de mis planes era que esta ampliación iba a ser inaugurada con la persona con la que la voy a inaugurar. Esta mañana me disponía a revisar los portales de noticias que visito diariamente y mis páginas en las redes sociales cuando de repente he visto un mensaje en Facebook escrito por Motocuatro en el que decía literalmente: “Marco Simoncelli ha muerto. D.E.P.”. Me ha costado reaccionar unos minutos hasta que he entrado en las páginas de MotoGP, de Motocuatro y de Radio Televisión Española para informarme más a fondo de la noticia. En efecto, Marco Simoncelli había muerto a los veinticuatro años de edad tras sufrir un accidente en el circuito de Sepang cuando se estaba corriendo la segunda vuelta de la carrera de MotoGP del Gran Premio de Malasia. Con el corazón todavía encogido por la noticia y sin creerme aún que jamás volveremos a ver su peluca y su enorme figura sentada en una moto en la parrilla de salida de una carrera, me gustaría rendir un sentido homenaje en este humilde blog al que fue uno de los pilotos más controvertidos, peculiares y auténticos del mundial. Va por ti, Super Sic.

Marco Simoncelli nació el 20 de Enero de 1987 en la localidad italiana de Cattolica. Su lugar de nacimiento, de tradición motera y muy próximo al mítico circuito de Misano, hizo que desde bien pequeño ya se sintiera atraído por las motos. En 1996, con sólo nueve años de edad, empezó a competir en la modalidad de minimotos donde estuvo corriendo hasta el año 2000. Después de conseguir dos títulos consecutivos en el campeonato de Italia, Marco cambió de disciplina dando el salto a las motos de 125c.c. Con un brillante primer año a bordo de una Honda Trophy, en el año 2002 se proclamó Campeón de Europa de 125c.c. y disputó algunas de las últimas carreras del Mundial de la misma categoría. Su talento y su forma de pilotar hizo que muchos le auguraran un prometedor futuro en el mundo del motociclismo.

En el año 2003 Marco Simoncelli disputó su primer Campeonato Mundial de 125c.c al completo a bordo de una Aprillia en las filas del equipo Matteoni Racing. Para ser un piloto debutante, Marco consiguió unos magníficos resultados haciendo que el equipo Rauch Bravo se interesase por él y se hiciera con sus servicios para la siguiente temporada. En 2004, Marco acabó en la undécima posición del Mundial pero consiguió ganar su primera carrera en esta competición, concretamente la del Gran Premio de España disputado en el circuito de Jerez. En el año 2005, en el equipo Nocable.it Race, Marco mejoró los resultados del año anterior volviendo a ganar en Jerez y consiguiendo un segundo puesto en Catalunya y cuatro terceros puestos en Alemania, Chequia, Qatar y Australia. Su quinto puesto en el Mundial le brindó la posibilidad de dar el salto a la categoría de 250c.c. al año siguiente, continuando así con su progresión meteórica.

Durante los años 2006 y 2007, de la mano del equipo Metis Gilera, Simoncelli únicamente consiguió acabar en la décima posición del Mundial dentro de la categoría del cuarto de litro. Ninguna de las dos fueron buenas temporadas para Marco en lo que a resultados se refiere puesto que no logró superar el sexto puesto en ninguna de las carreras. Fue en el año 2008 cuando, tras ganar seis Grandes Premios y hacer tres segundos puestos y tres terceros, Marco Simoncelli consiguió el primer título Mundial de su carrera deportiva, título que no estuvo exento de polémica debido a diversas disputas en la pista con los pilotos españoles Álvaro Bautista y Héctor Barberà. Con la consecución del Campeonato Mundial de Motociclismo de 250c.c., Marco Simoncelli empezó a ser considerado la principal promesa del motociclismo italiano y un digno sucesor de su maestro y amigo Valentino Rossi, pero también empezó a ganarse la fama de piloto agresivo y conflictivo en la pista. El año 2009 fue un buen año en cuanto a victorias y resultados para Marco Simoncelli pero no lo suficiente como para revalidar el título que recayó en Hiroshi Aoyama. Este sería el último año de Simoncelli en 250c.c. antes de incorporarse al equipo San Carlo Gresini Honda para disputar el Campeonato Mundial de Motociclismo en la categoría reina de MotoGP.

El año 2010 fue el año de debut de Marco Simoncelli en la máxima categoría y, a pesar de no conseguir ninguna victoria ni ningún podio en toda la temporada, logró acabar el Mundial en una más que digna octava posición. Su mejor resultado fue un cuarto puesto muy disputado con uno de sus máximos rivales, Adrea Dovizioso, que le arrebató el tercer cajón del podio por sólo 0.06 segundos.

Todo parecía indicar que 2011 iba a ser el año de la definitiva consagración de Marco Simoncelli en MotoGP. La experiencia del año anterior y la espectacular mejora de las motos Honda hacían presagiar una magnífica temporada para el piloto italiano, pero desde un principio todo se giró en su contra. Sus continuas caídas, las polémicas acusaciones de otros pilotos que cuestionaron su forma de pilotar y sus accidentes con pilotos como Dani Pedrosa y Jorge Lorenzo, hicieron que Simoncelli estuviera desde el principio en el punto de mira de todo el mundo, no por sus logros deportivos sino por su peculiar estilo encima de la moto. Hacia la segunda mitad de la temporada las cosas comenzaron a irle mejor deportivamente, consiguiendo su primer podio en el Gran Premio de la República Checa con un tercer puesto y su primer segundo puesto en el Gran Premio de Australia. Pero lamentablemente hoy todo ha acabado para el piloto italiano. A las 16:56 horas de Malasia, Marco Simoncelli fallecía como consecuencia de las heridas sufridas durante el accidente en el que una hora antes se había visto implicado tras caer en la salida de una curva del circuito de Sepang y ser atropellado por el piloto americano Collin Edwards.

Simoncelli era de esos pilotos que no dejan a nadie indiferente. A muchos nos gustaba ver su enorme estampa desgarbada subida a lomos de una moto, saludando a la cámara en la parrilla de salida con los pelos como un boque y haciendo sus plegadas y pasadas imposibles dentro de la pista. Otros siempre han criticado sus adelantamientos, sus frenadas y su estilo de pilotar por ser excesivamente agresivo, o incluso su forma de ser, actuar y comportarse fuera de la pista. Lo que está claro es que hoy, tanto sus detractores como sus seguidores, todos coincidimos en que Marco Simoncelli era demasiado joven para morir y que es una pena enorme que un tipo de veinticuatro años muera de esta forma tan trágica independientemente de su profesión. Desde aquí me gustaría darle mi más sentido pésame a todos sus familiares y amigos.

Descansa en paz Sic.

Página web oficial: http://www.marcosimoncelli.it

¿Qué precio tiene la imbecilidad?

2011-10-09T23:38:00.001+02:00

Son muchos los que piensan que todos los seres humanos somos iguales. ¡Y una mierda! ¿Cómo va a ser igual una persona que se limita a vivir su vida respetando a los demás que una cuyo único objetivo o divertimento es el de dar por el culo a los que le rodean? En la foto que adjunto a continuación tenemos un claro ejemplo. Una tarde como otra cualquiera, me vi sorprendido por un fuerte olor a quemado que entraba en mi habitación. Cuando me asomé a la ventana para ver qué pasaba, enseguida pude observar que de dentro de uno de los contenedores de basura ubicados delante de mi edificio estaba saliendo humo. Gracias a algún vecino más rápido que yo, no tardó en llegar un camión de bomberos y una patrulla de la Guardia Urbana que, con gran rapidez, consiguieron aplacar las llamas que se estaban generando en el interior del contenedor, no sin antes cortar la calle para así evitar posibles males mayores en vehículos y peatones. Por lo visto algún imbécil había tirado una colilla encendida en el contenedor de residuos orgánicos. Un camión de bomberos con cuatro bomberos en su interior, una patrulla de la Guardia Urbana con dos policías, una calle cortada durante media hora y una cisterna de agua vaciada sólo por la gracia de un gilipollas al que le dio por liarla tirando su puto cigarro en un contenedor. ¿Alguien tiene idea de cuánto le puede costar a la ciudadanía todo ese despliegue de medios y todo ese derroche de recursos necesarios sólo porque a un desgraciado le apateciera tirar un cigarro encendido a la basura?... Seguro que mucho más de lo que vale el propio imbécil en cuestión.

Autor: El Artista Multimedia, siempre detrás de los imbéciles.

Cómo destrozar tu propia canción cobrando por ello y sin que se te caiga la cara de vergüenza

2011-10-05T22:42:00.005+02:00

Hace unos días me puse nostálgico recordando que ya hace una veintena de años de la publicación de los álbumes “Use your illusion” de Guns N' Roses. Para celebrar el aniversario de aquellos discos que tanto significan para mí, en el artículo anterior a éste adjunté y reseñé la que es mi canción preferida de aquellos trabajos y posiblemente también del grupo. Me refiero a la obra maestra del hard rock titulada “Estranged”. Pues bien, ayer me enteré de que el pasado fin de semana Axl Rose y sus nuevos compañeros de grupo habían actuado en la edición de este año del festival Rock in Rio celebrado esta vez en Río de Janeiro. Sintiendo curiosidad por la nueva reaparición en público de Axl Rose y por el transcurso de su actuación, me dio por buscar vídeos por Internet y, viendo que precisamente habían incluido “Estranged” en su repertorio, no tardé en comprobar cómo les había salido. Nunca debí haberlo hecho.

Lo que vais a ver a continuación es la forma más triste y más indigna de perpetrar una canción propia que jamás haya visto en toda mi vida de aficionado a la música. Yo creo que ni Pitingo hubiera hecho un destrozo similar. Ya no es porque ni Ron Thal ni DJ Ashba sean Slash, ni porque Tommy Stinson no sea Duff, ni nada relacionado con la nueva formación de los mal llamados Guns N' Roses. Es el propio Axl Rose el causante de semejante catástrofe musical. Bajo mi punto de vista, no me cabe ninguna duda de que si hubieran cogido a un cerdo, le hubieran vestido con la misma ropa, le hubieran puesto un sombreo y le hubieran colocado un micrófono delante hubiera hecho mejor interpretación que la que hizo el amigo Axl Rose el pasado fin de semana en Brasil.

La pregunta es: ¿Por qué cojones no se retirará de una puta vez en lugar de andar por los escenarios del mundo haciendo el ridículo de esta manera y ensuciando el nombre y la historia de la que fue la banda de rock más grande de los años 90?

Estranged (Guns N' Roses)

2011-09-17T20:51:00.008+02:00

Hoy día 17 de Septiembre de 2011 se cumplen veinte años de la publicación de los álbumes “Use your illusion” de Guns N’ Roses, dos discos dobles que fueron editados simultáneamente y cuya escucha podría decir que cambio por completo mi concepción de la música y en parte también mi vida. Hasta aquel momento, con trece años de edad, mis máximos referentes musicales no eran otros que Dire Straits y Michael Jackson. Fue después de escuchar por primera vez a Guns N’ Roses, concretamente el álbum “Use your illusion II”, cuando de repente se abrió ante mí todo el universo del rock and roll y de las grandes bandas de los 70’s, 80’s y 90’s, y cuando definitivamente la música pasó a convertirse en mi principal afición, despertándose en mi el interés por conocer nuevos y viejos grupos de rock, asistir a conciertos y aprender a tocar la guitarra para poder crear mi propia música. Para conmemorar esta efeméride tan especial para mí me gustaría compartir con todos los lectores del blog de El Artista Multimedia la que, tras muchos años de dudas, he acabado considerando mi canción preferida de “Use your illusion”. No es otra que “Estranged”.

En mi opinión, “Estranged” es el tema que mejor refleja las dimensiones de la era “Use your illusion” de Guns N’ Roses. En aquella época todo lo que rodeaba al grupo era gigantesco, descomunal y exagerado. Tanto la duración y el coste de las fases de grabación y producción de los álbumes, como la posterior gira de promoción de estos, como los rodajes realizados para la confección de sus videoclips, todo era de un tamaño desmedido. “Estranged” es un ejemplo claro en forma de canción de toda aquella grandeza intrínseca que se respiraba en el seno de Guns N’ Roses a principios de los años noventa.

Se trata de una preciosa balada de casi diez minutos de duración que cuenta las paranoias depresivas del bueno de Axl Rose, responsable máximo y absoluto de este giro hacia la enormidad que dieron Guns N’ Roses. Escuchándola con detenimiento, en ella diferenciamos claramente tres partes principales que, a modo de inicio, nudo y desenlace, convierten lo que podría haber sido una balada hard rockera normal y corriente en toda una ópera rock de una altísima calidad musical. Además, durante el transcurso del tema, todas estas partes se van enlazando de forma muy sutil mediante una majestuosa instrumentación de pianos, teclados, ritmos de bajo, arpegios, “bendings” cetácicos y solos de guitarra estremecedores que consiguen hacer de “Estranged” una verdadera obra maestra de la música contemporánea.

A pesar de que muchas de las canciones de “Use your illusion” fueron compuestas en la misma época que las incluidas en el álbum de debut del grupo “Appetite for destruction”, cualquiera que escuche ambos discos se dará cuenta de que, en los años que los separan, Guns N' Roses sufrieron un cambio sonoro importante. “Estranged” es también un ejemplo claro de este viraje musical, basado en una importante elaboración lírica, en la duplicación de pistas de guitarra y voz, en la inclusión en las canciones de teclados (e incluso de teclista fijo en la formación oficial) y en la hiperproducción de los temas en el estudio de grabación. Todo esto ha sido siempre muy criticado por los fans de la banda, pero a mí personalmente esta evolución me pareció del todo acertada.

Como es tontería seguir hablando sobre lo que vosotros mismos podéis escuchar, a continuación os dejo que disfrutéis con “Estranged” como yo lo hice hace dos décadas y como desde entonces no me he cansado de hacer por mucho que pasen los años.

Ficha Técnica:
· Título: Estranged
· Álbum: Use your Illusion II
· Año: 1991
· Intérprete: Guns N' Roses
· Autor: Axl Rose

Escucha un fragmento:

“Sabía que la tormenta se estaba acercando y todos mis amigos dijeron que estaba colgado”

En ocasiones veo bares

2011-09-03T20:54:00.005+02:00

En la sección “Enlaces” de este blog me gusta recomendar mis páginas web preferidas, algún portal de referencia sobre cualquier temática, o simplemente lugares de Internet que merezcan la pena ser visitados, ya sea por el contenido que en él se ofrece o por la calidad de su diseño. Pero si además de todo esto el enlace recomendado es el de un proyecto sin ánimo de lucro, realizado con el único objetivo de compartir contenidos o conocimiento con el resto de la comunidad de internautas sin obtener nada a cambio, entonces me satisface doblemente dedicarle un artículo en esta sección. Es el caso de “En ocasiones veo bares”, una página web imprescindible para cualquier residente fijo o visitante esporádico de Barcelona que se precie, cuya dirección es la siguiente: http://www.enocasionesveobares.net

“En ocasiones veo bares” es una guía de bares, bodegas, tabernas y tascas de la ciudad de Barcelona, en la que su autor e ideólogo, Alberto G. Moyano, nos enumera los locales más pintorescos e interesantes de cada distrito de la Ciudad Condal, reseñando para cada uno de ellos todos los detalles y curiosidades que vamos a poder encontrar en su interior. Como literalmente explica en la sección de la web titulada “¿Por qué?”, esta página nace de una idea muy simple: disfrutar de aquellos bares y bodegas de Barcelona en que comer, beber y reír son todo uno; compartir con todos y entre todos otra forma de entender Barcelona, una versión distinta, una versión propia. Se puede decir más alto pero no más claro.

Como cualquiera podrá imaginar, esta página web está en constante actualización ya que podríamos decir que en Barcelona hay casi más bares que ciudadanos; así que es prácticamente obligatorio pasarse por ella regularmente porque nunca se sabe cuando sus administradores habrán añadido la ubicación, la información y las imágenes de un nuevo e interesante bar en el que tomar unas tapas o unas cañas. Pero como no podría ser de otra forma en la era en la que vivimos, “En ocasiones veo bares” también dispone de su espacio en las redes sociales Facebook y Twitter, con lo que es realmente fácil permanecer informado sobre las actualicaciones y reformas que van teniendo lugar en la página web.

A todos los lectores del blog de El Artista Multimedia que se dispongan a salir próximamente por cualquier barrio de Barcelona, les recomiendo que se pasen por esta página web porque, sin lugar a dudas, les va a resultar de mucha utilidad. Sin más, me despido con el grito de guerra de la gente de “En ocasiones veo bares”: ¡Vermut, tapas y rock & roll!

En ocasiones veo bares: http://www.enocasionesveobares.net

Ángel Nieto: 12+1

2011-09-01T00:08:00.001+02:00

Hoy en día cuando hablamos del deporte español todos pensamos en personalidades como Pau Gasol, Rafael Nadal, Íker Casillas, Xavi Hernández, Andrés Iniesta, Alberto Contador, Fernando Alonso o Jorge Lorenzo. Indiscutiblemente todos ellos son grandísimas figuras del deporte que, gracias a sus logros y a sus victorias, desde hace algunos años llevan poniendo a España en el mapa del deporte mundial. Pero hubo un tiempo en el que la cosa no era así. Hasta bien entrados los años sesenta y setenta, el deporte nacional no se comía un rosco en ninguna disciplina y, excepto en el mundo de los toros, hablar de España era hablar de mediocridad y fracaso. La cosa cambió con la llegada de gente como Federico Martín Bahamontes, Pedro Carrasco, Manolo Santana, Severiano Ballesteros o Ángel Nieto. Ellos fueron las primeras estrellas del deporte español y quizás los responsables de que en este país se empezase a tomar en serio el deporte y a fomentar su práctica desde los organismos oficiales.

Precisamente a Ángel Nieto va dedicado el documental que quisiera compartir con los lectores del blog de El Artista Multimedia. “Ángel Nieto: 12+1” es una película documental dirigida por Álvaro Fernández Armero en la que el propio Ángel Nieto y un numeroso grupo de personas de su entorno explican la vida y triunfos del que fuera doce más una veces Campeón del Mundo de Motociclismo. Aunque el documental fue editado en DVD en el año 2005, he querido rescatarlo justo ahora después de ver por televisión el pasado Gran Premio de Indianápolis y comprobar lo tiquismiquis que llegan a ser los pilotos de hoy en día. Que si el asfalto no agarra, que si las gomas se desgastan, que si la moto se mueve, que si los guantes no protegen, que si en Japón hay contaminación... Me gustaría ver a mí a los Casey Stoner, Jorge Lorenzo y Dani Pedrosa de turno corriendo en las condiciones que corría Ángel Nieto allá por los años setenta. Espero que todos los amantes del motociclismo disfruten con este documental.

Live in Gdánsk - 3 Disc Edition (David Gilmour) 2008

2011-08-28T13:35:00.000+02:00

Como ya he comentado alguna que otra vez, me gusta acercarme periódicamente a las grandes superficies comerciales y rebuscar en las estanterías de la sección de música a la caza de posibles ofertas, gangas y baratijas. Si hace un par de meses me topé con el fantástico DVD de Keith Richards y los X-pensive Winos a un precio de los llamados “anti-crisis”, este mes he encontrado este doble CD y DVD de David Gilmour, como bien indica en la pegatina que viene pegada en la portada, voz y guitarra de Pink Floyd. Cuando uno ve a Roger Waters y a David Gilmour (los dos líderes de Pink Floyd) en la actualidad, lo primero que piensa es que el tiempo no ha sido igualmente justo para el uno que para el otro. Mientras que Roger Waters conserva su espesa melena, su constitución atlética y su vitalidad y ganas de cambiar el mundo en cada una de sus intervenciones públicas; David Gilmour parece el típico inglés jubilado que viene a pasar sus vacaciones a Lloret de Mar, calvo y gordo, nada parecido a lo que todos nos imaginamos cuando pensamos en una leyenda del rock. Esta impresión cambia por completo cuando lo escuchamos tocar en directo en este “Live in Gdánsk”, donde queda patente que, independientemente de su físico, la creatividad, el talento y la magnífica forma de tocar en directo del bueno de Gilmour permanecen totalmente intactas.

“Live in Gdánsk” es la grabación en directo del último concierto de la gira “On an island” de David Gilmour celebrado el 26 de Agosto de 2006 en la localidad polaca de Gdánsk. Para esta cita Gilmour contó con un fabuloso elenco de músicos donde destaca la presencia de Rick Wright (teclista y uno de los miembros fundadores de Pink Floyd) en los coros y los teclados, Phil Manzanera (guitarra de Roxy Music y productor de grandes bandas del rock) en la guitarra y Dick Parry (histórico colaborador de Pink Floyd) en el saxofón. Además, también cuenta con Guy Pratt en el bajo, Jon Carin en los teclados, guitarras y coros, Steve Di Stanislao en la batería y, quizás el elemento diferenciador de este concierto que todavía hace más grande y espectacular la puesta en escena del repertorio, la Polish Baltic Philharmonic Orchestra dirigida por Zbigniew Preisner y por Leszek Możdżer en el piano. Si bien es cierto que todos los miembros de la banda son a cual mejor (algunos ya integraron la formación de los conciertos de la última etapa de Pink Floyd sin Roger Waters), es especialmente emotivo ver y escuchar al difunto Rick Wright en la que fuera su última actuación en directo registrada antes de su fallecimiento en 2008, una semana antes de la publicación de este disco.

Centrándonos en la parte audio del “pack”, decir que el “set-list” del concierto es sencillamente inmejorable. Evidentemente es un disco en directo de David Gilmour en solitario y en él interpreta todos los temas de “On an island”, su último disco de estudio, pero el hecho de abrir con “Speak to me”, “Breathe”, “Time” y “Breathe (Reprise)”, los cuatro temas que abren el mítico álbum de Pink Floyd “Dark side of the moon”, con una voz espectacular y unas guitarras “made in Gilmour” que nada tienen que envidiar a las de las grabaciones de los años 70’s de la banda, hacen que inmediatamente el oyente se enganche por completo al disco. A partir de aquí, el primer CD continúa con todos los temas del álbum “On an island” interpretados en directo, entre los cuales destacan momentos como la puesta en escena de “Red sky at night” o “Then I close my eyes” con Gilmour en el saxofón y en el banjo respectivamente. El segundo CD contiene una recopilación de temas de todas las épocas de Pink Floyd como “Shine on you crazy diamond”, “Astronomy domine”, “Fat old sun”, “High hopes”, “Echoes”, “Wish you were here”, “A dreat day for freedom” y “Comfortably numb”.

Por lo que respecta al DVD, tiene el inconveniente de no contener el concierto íntegro. Así pues, pasajes tan importantes dentro del disco como son el inicio del “Dark side of the moon” o los temas “Shine on your crazy diamond” y “Wish you were here” se han quedado inexplicablemente fuera del DVD. Al margen de esto, es realmente asombroso ver como una banda de viejetes como David Gilmour, Rick Wright, Phil Manzanera o Dick Parry pueden llevar a cabo un show como este y enganchar de esa manera a los cincuenta mil espectadores que asistieron al concierto. Visualmente no es que sea algo descomunal porque, ni cuando estaba en Pink Floyd, David Gilmour nunca ha sido de esos artistas que te arman el lío en el escenario, pero la calidad musical y la excelencia en la ejecución de cada una de las piezas es inmejorable.

En mi opinión, semejante repertorio, tan bien interpretado y con una calidad sonora en la grabación tan impecable, convierten a este álbum en el mejor de todos los editados en los últimos años en lo que a material “pinkfloydiano” se refiere. Eso sin olvidar a la Polish Baltic Philharmonic Orchestra, cuya brillante aportación le da un toque de calidad al disco consiguiendo unas atmósferas de lo más especial. Estamos tan acostumbrados al uso de teclados y sintetizadores para conseguir determinados efectos y texturas ambientales, que escuchar las cuerdas de una orquesta filarmónica de verdad en un concierto se agradece en sobremanera. Disco totalmente imprescindible.

Próxima estación: Springfield

2011-08-27T10:52:00.004+02:00

Durante un viaje en el tren regional que va de Barcelona a Zaragoza hay tiempo para todo. En un trayecto que dura cinco horazas de nada (a cuatro Euros la hora, cágate lorito) podemos leer, estudiar, escuchar música, pensar y, a través de las ventanillas, también tenemos la oportunidad de divisar todo tipo de estampas paisajísticas de lo más variadas: Desde los repugnantes polígonos industriales y almacenes de Hospitalet y El Prat de Llobregat, hasta los desérticos secarrales del Bajo Aragón, pasando por la costa tarraconense, el macizo del Garraf o los pueblos de la ribera del Ebro.

Pero si hay algo realmente espeluznante y que pone los pelos como escarpias en este viaje (aparte de que se retrase el tren o de no poder sentarse hasta Tarragona) eso es pasar por Ascó. Ahora que se está hablando tanto de Fukishima y de las catástrofes naturales que puede ocasionar un accidente en una central nuclear, ver la mastodóntica chimenea de la central nuclear de Ascó vomitando humo en las márgenes del río Ebro como si de la ciudad de Springfield de los Simpson se tratase, la verdad es que da auténtico miedo. Para muestra, aquí os adjunto una preciosa fotografía realizada el pasado día 17 de Agosto y así juzgáis vosotros mismos.

Autor: El Artista Multimedia, uno que no piensa ir a correr a Japón.

Sorry (Guns N' Roses)

2011-08-24T20:36:00.018+02:00

Poco después de salir a la venta escribí una reseña en este blog de “Chinese democracy”, el primer y de momento único álbum de la nueva versión de Guns N’ Roses editado en el año 2008. Por aquel entonces puse el disco literalmente a parir porque me hervía la sangre sólo de ver las palabras Guns N’ Roses en un disco dirigido y publicado únicamente por Axl Rose y una cuadrilla de músicos asalariados a cuál más “freak”. Para mí eso no eran Guns N’ Roses (y siguen sin serlo) y, como fan que soy de la banda original, me indigné cuando lo escuché. Con el paso del tiempo fui asimilándolo poco a poco y, sin gustarme demasiado, hasta he llegado a pillarle el punto a alguna que otra canción. Un ejemplo de ello es esta que recomiendo en este artículo.

“Sorry” es uno de los temas que podrían denominarse salvables de “Chinese democracy”. Se trata de una de las baladas del disco y, como ocurre con la mayoría de las canciones, instrumentalmente es bastante compleja. Si nos paramos a escucharla con detenimiento, en “Sorry” se combinan de forma excelente una serie de efectos electrónicos destinados a generar texturas ambientales, unas guitarras acústicas y otras eléctricas con un ligero efecto “flange” en la parte rítmica de la canción, y las clásicas guitarras eléctricas con la ganancia a tope, imprescindibles en cualquier balada de “hard rock” que se precie. No en vano, en su grabación han intervenido tres guitarristas de la talla de Buckethead, Ron “Bumblefoot” Thal y Robin Fink, de los cuales Buckethead se encarga de los solos y Robin Fink de las guitarras acústicas. Por lo que respecta a la voz, aquí Axl Rose apenas hace uso de su famoso falsete desgarrado, utilizando principalmente su registro más grave. Quizás sea este el motivo por el cual “Sorry” es una de las canciones que más me gustan de “Chinese democracy”.

Si nos centramos más en lo que se dice que en lo que se escucha, enseguida nos damos cuenta de que, más que una canción, “Sorry” es una carta, una carta de odio para ser exactos. Sin ser nada del otro mundo líricamente hablando, la letra está cargada de mensajes, reproches y desprecios hacia alguien que, pese a haber llegado a tener una buena amistad con Axl (autor de la letra), le ha hecho mucho daño y le ha decepcionado completamente. Básicamente, lo que viene a decirle Axl al misterioso destinatario de la carta es que en el fondo le da verdadera lástima verlo esforzarse tanto en joderlo, en provocarlo y en malmeter contra él, porque para él en realidad no es más que un desgraciado que no sabe ni dónde tiene la mano derecha y que no le importa a nadie. Que levante la mano el que no piense que esta canción no está dedicada a Slash...

Pues sin más dilación, os dejo que escuchéis “Sorry” de los nuevos Guns N’ Roses, y desde aquí me gustaría dedicársela a todos aquellos que alguna vez en su vida han sufrido en sus carnes una decepción similar a la que expresa Axl Rose en su canción.

Ficha Técnica:
· Título: Sorry
· Álbum: Chinese democracy
· Año: 2008
· Intérprete: Guns N' Roses
· Autor: Axl Rose, Buckethead, Bryan Mantia, Pete Scaturro

Escucha un fragmento:

“Lo siento por ti, no por mí. Tú ahora no sabes ni en quien puedes confiar ni a quien debes creer”

Capitán América: El primer Vengador (Joe Johnston) 2011

2011-08-16T11:49:00.013+02:00

De toda la vida, el verano siempre ha sido una época del año en la que los estrenos cinematográficos han dejado mucho que desear. Al parecer, en los últimos años las grandes compañías de la industria cinematográfica están haciendo lo posible para romper esta norma no escrita. Si el verano pasado fue “Origen” de Christopher Nolan uno de los estrenos de año, este 2011 lo están siendo la última entrega de la saga de Harry Potter, la precuela del Planeta de los Simios y la nueva adaptación al cine de un cómic de Marvel, esta vez dedicada al Capitán América. Sí, vale, los culturetas gafapasta a los que les gusta el cine iraní dirán: “¡Pues vaya lo que consideras tú películas buenas!”. Pues sí, ¿qué pasa? Soy de los que creen que el cine es un entretenimiento y un espectáculo, y como tal, me gusta ver películas que me sorprendan, tanto en lo narrativo como en lo visual. Por lo tanto, y le pese a quien le pese, para mí todo esto que acabo de nombrar son buenas películas y en especial “Capitán América: El primer Vengador” que es de la que voy a hablar a continuación. Lo que sí es cierto es que las películas de superhéroes suelen ser como los melones. Aunque aparentemente todas tengan buena pinta, luego cuando las ves te pueden salir buenas o te pueden salir un pepino. En el caso de “Capitán América: El primer Vengador” hemos tenido suerte y nos ha salido de las buenas.

El film trata sobre el origen del Capitán América, un súpersoldado creado en 1941 en los laboratorios secretos del ejército de los Estados Unidos con el objetivo de luchar contra la invasión nazi. Este súpersoldado no es otro que Steven Rogers, un recluta de condición física lamentable enrolado en el ejército por recomendación del Doctor Emil Erskine, cuya inteligencia, honestidad y vocación por ayudar a su país le hacen ser un perfecto candidato para someterse a la llamada “Operación Renacimiento”. “Operación Renacimiento” es un proyecto liderado por el propio Doctor Emil Erskine y por el multimillonario científico Howard Anthony Stark (padre del futuro Iron Man) consistente en suministrar de forma intravenosa a la persona elegida el llamado “suero del súpersoldado” y posteriormente bombardear su cuerpo con “rayos vita” para convertirlo en una auténtica arma humana. Vamos, lo que hoy en día hacen algunos deportistas para aumentar su rendimiento pero en versión ciencia ficción y para fines militares. Pero como no hay superhéroe que no tenga un archienemigo “freak”, lo que viene siendo un supervillano de toda la vida, el Capitán América no podía ser menos y también tiene el suyo propio. No es otro que Johann Schmidt, un general nazi que debido a su obsesión por el ocultismo y gracias a la ayuda de la ciencia y la tecnología, acaba convirtiéndose en Cráneo Rojo, un ser malvado y monstruoso que, al frente de la organización HYDRA y totalmente al margen de las tropas de Hitler, pretende hacerse con el control del planeta.

Hasta aquí, cualquiera que esté leyendo esta reseña no verá nada especial o que diferencie a esta película de las decenas y decenas que ya existen sobre superhéroes, pero es que hay dos formas de afrontar una adaptación al cine de un cómic: Hacerlo bien y hacerlo mal. En este caso, y como ya he dicho al principio, la adaptación del Capitán América es realmente buena. No es sólo porque la fotografía y la ambientación de la época sean perfectas, consiguiendo transportar al espectador a los años cuarenta con bastante éxito; sino porque además hay una serie de guiños relacionados con los primeros cómics del Capitan América, los diferentes uniformes y escudos que ha llevado el personaje en las viñetas a lo largo de su historia y el uso que el ejército americano hizo de estas revistas para levantar el ánimo de sus tropas durante la Segunda Guerra Mundial, que a todo al que conozca un poco la historia del superhéroe le gustará verlos en pantalla.

En cuanto a los actores, Chris Evans (que ya hiciera de Antorcha Humana en “Los 4 Fantásticos”) es el responsable de encarnar a Steven Rogers y, aunque interpretar a un superhéroe no es excesivamente complicado, lo hace igualmente bien en la faceta de soldado enclenque, como en la de Capitán América o en la de payaso de circo. En cuanto a Johann Schmidt (Cráneo Rojo), el encargado de darle vida es Hugo Weaving, conocido por sus papeles de Elrond en “El Señor de los Anillos” y Mr Smith en “Matrix”. La verdad es que sus características facciones y su brillante forma de trabajar le están haciendo convertirse en uno de los actores más versátiles de Hollywood, tanto que lo mismo le dá hacer de elfo, que de travesti, que de cabronazo. Además, otros actores de papeles más secundarios como Tommy Lee Jones, Hayley Atwell, Dominic Cooper o Stanley Tucci también realizan un gran trabajo en esta película.

“Capitán América: El primer Vengador” no es simplemente una película de mamporros y de efectos especiales, cuyo uso se limita únicamente a lo justo y necesario. Básicamente se trata de una buena película de acción con un transcurso de la trama muy dinámico y divertido que a cualquier amante del género, haya leído cómics del Capitán América o no, seguro que le hace pasar un buen rato.

Motocuatro

2011-08-14T17:27:00.002+02:00

Todos los seguidores del Campeonato del Mundo de Motociclismo tenemos una página web de referencia donde acudimos siempre que queremos informarnos sobre el calendario de Grandes Premios, consultar los horarios de entrenamientos y competiciones, ver datos sobre los pilotos del Mundial e incluso descargarnos fotografías de las carreras a una altísima calidad. Me refiero a la página web oficial del Mundial de MotoGP. Pero si además de toda la información oficial proporcionada por Dorna nos gusta leer la opinión de algunos expertos en este deporte, las crónicas de las carreras o entrevistas a los pilotos entre otras cosas, desde hace un año existe una página en Internet llamada “Motocuatro” que no os podéis perder. La encontraréis en la siguiente dirección: http://www.motocuatro.com

“Motocuatro” es un portal web que tiene el Mundial de MotoGP como tema principal y cuyos contenidos se encargan de coordinar cuatro periodistas deportivos de una gran reputación dentro del mundo del motociclismo como son Emilio Pérez de Rozas, Alberto Gómez, Germán García Casanova y Oriol Puigdemont. Además de toda la información sobre clasificaciones, horarios, circuitos, etc., en “Motocuatro” también encontramos noticias, crónicas, artículos, entrevistas y toda la actualidad relacionada con el Mundial de MotoGP. Pero el plato fuerte de esta página se encuentra en la sección “Opinión”. En ella, los cuatro periodistas nombrados con anterioridad disponen de sus respectivos blogs individuales donde publican periódicamente sus propias opiniones. Así pues, Emilio Perez de Rozas en “Si lees no conduzcas”, Alberto Gómez en “Pasado de vueltas”, Germán García Casanova en “Vuelta rápida” y Oriol Puigdemont en “Por los pianos”, dan cuentas sobre las carreras, los pilotos, la organización o cualquier asunto que tenga que ver con el Mundial de una forma totalmente subjetiva e independiente.

Además de todo esto, el portal se completa con tres secciones adicionales: “Motor”, “Viajes” y “Galería de imágenes”. En la primera de ellas se repasan todas las novedades que puedan aparecer dentro del mercado del motor, no únicamente de motos sino también de coches. La segunda es una pequeña guía turística donde los redactores nos recomiendan determinados destinos para nuestras vacaciones y donde se nos informa sobre concentraciones y rutas moteras que tengan lugar a lo largo de la geografía española. Y la tercera es un álbum de imágenes tomadas por el fotógrafo italiano Mirco Lazzari, las cuales también ilustran algunos contenidos de la web.

El trabajo realizado en “Motocuatro” es excepcional, no sólo por la labor informativa que desempeñan sino también por cómo se presentan los contenidos y por la posibilidad que se ofrece a los lectores de interactuar a través de sus comentarios; así que si te gusta el motociclismo y te gusta estar informado, no dudes en visitar “Motocuatro” porque creo que no te va a defraudar.

Motocuatro: http://www.motocuatro.com

Cosmic girl (Jamiroquai): Barcelona 31/07/2011

2011-08-13T15:55:00.004+02:00

Desde que existe YouTube y todo el mundo puede llevar en su bolsillo una cámara de fotos con capacidad para grabar vídeos de una calidad cada vez mejor, los que disfrutamos asistiendo a conciertos y nos gusta guardar recuerdos de ellos estamos viviendo una verdadera edad de oro. Hoy en día, a las pocas horas de celebrarse un concierto, sabemos que accediendo a Internet vamos a poder volver a disfrutar de los mejores momentos en diferido a modo de “moviola” futbolística. Nada de esto sería posible sin la contribución de gente como RonyGi (autor del vídeo que adjunto a continuación), que se sacrifican de forma altruista registrando con sus cámaras imágenes de las actuaciones para posteriormente compartirlo con la comunidad, en lugar de disfrutar del momento y después visionar lo que han grabado otros, que es lo que hago yo. Desde aquí mi más sincero agradecimiento y mi más profunda admiración a vuestra dedicación.

Dicho esto, de igual forma que hice con el concierto de Bon Jovi, a continuación voy a compartir con todos los lectores del blog de El Artista Multimedia un vídeo que da fe con imágenes de todas las palabras que escribí en la crónica anterior. Así pues, en las imágenes que vais a poder ver a continuación, podéis apreciar el estado de entusiasmo de los espectadores del Poble Espanyol, el tamaño y aspecto del escenario, la profesionalidad de los músicos de Jamiroquai y la más que patente incomodidad en la que se encontraba Jay Kay con sus broncas al técnico de sonido y sus discretos bailes (o más bien paseos) incluidos. Se trata de “Cosmic girl”, uno de mis temas preferidos de la banda británica.

Concierto de Jamiroquai (Poble Espanyol, Barcelona 31/07/2011)

2011-08-11T13:31:00.011+02:00

Cinco mil entusiasmados seguidores asisten a una correcta jornada laboral de Jay Kay y los suyos.

No es fácil para los seguidores españoles de Jamiroquai poder asistir a uno de sus conciertos. A juzgar por los destinos escogidos para actuar durante sus anteriores giras, parece que la banda británica sólo se anime a venir a España para pasar unos días de vacaciones o para tomar el sol en la playa puesto que, al margen del festival Rock in Rio celebrado en Madrid en Julio del año 2008, las últimas veces que Jamiroquai ha pisado España ha sido para tocar en lugares como Roses (un bonito pueblo costero de Gerona) o Gran Canaria. Para la actual gira de presentación de su nuevo disco “Rock dust light star” no parece haber cambiado mucho su criterio de selección de lugares ya que Barcelona, Málaga e Ibiza han sido los únicos puntos de la piel de toro en los que se ha tenido el privilegio de presenciar uno de los directos del grupo.

Dado lo difíciles que son de ver en directo, no tardaron en agotarse las cinco mil entradas que salieron a la venta para su concierto del pasado 31 de Agosto en Barcelona. El lugar elegido fue el singular Poble Espanyol, una especie de museo de arquitectura al aire libre ubicado en la montaña de Montjuic, por cuyas calles pueden encontrarse fieles reproducciones de algunos de los edificios más característicos de la geografía española, y cuya plaza central alberga durante las noches de verano conciertos de grandes estrellas del panorama musical internacional. Al público, que ya se agolpaba en la plaza una hora antes de comenzar el show, se le notaba entusiasmado y expectante, como emocionado por poder ver finalmente a una gran banda que ya lleva veinte años de carrera a sus espaldas. Lamentablemente este entusiasmo no fue del todo correspondido por el grupo.

Con la luz del sol todavía ocultándose en el horizonte, la banda formada esta vez por Paul Turner en el bajo, Rob Harris en la guitarra, Matt Johnson en los teclados, Derrick McKenzie en la batería y Sola Akingbola en las percusiones, subían al escenario acompañados por un trío de coristas negras y un trío de metales. Al cabo de unos instantes era Jay Kay, líder, vocalista y único componente de la banda original que queda en la formación, el que subía al escenario vestido con un sombrero de ala ancha y un chaquetón de flecos de estilo andino, bebiendo algo en un típico tazón de cerámica de desayuno. Entre que el escenario era relativamente pequeño para los doce músicos que componían la formación y la calma con la que estos ocuparon sus posiciones, cualquiera ya pudo intuir desde el primer momento que aquella noche no se iba a poder presenciar un espectáculo de Jamiroquai como el que podemos ver registrado en el DVD “Live in Verona”. Pero todo hay que decirlo; a Jay Kay se le ha diagnosticado recientemente una hernia discal de la que deberá operarse a finales de verano y la cual le ha obligado a cancelar tres conciertos de su gira, el último de ellos el que iba a tener lugar cuatro días antes en Bayona. Así pues, es más que probable que este contratiempo le condicionara a él, y por consiguiente a todo el grupo, a la hora de afrontar el concierto de Barcelona con mayor o menor entrega. El caso es que, tras un lapso de tiempo de preparación sobre las tablas y un breve “Buenas noches”, el grupo inició su actuación con el tema homónimo que abre su último disco de estudio titulado “Rock dust light star”.

A decir verdad, la calidad del sonido no era nada buena que digamos. Si bien es cierto que un escenario pequeño en medio de una plaza rodeada de edificios no es el entorno ideal para celebrar un concierto en unas buenas condiciones acústicas, los técnicos de sonido tampoco tuvieron su día. Desde el primer momento y hasta prácticamente el final del concierto, Jay Kay no dejó de dirigirse a la mesa de control indicando con gestos y señales poco amistosas que le subieran el volumen de la batería, de los teclados, de la guitarra, de las coristas y de todo en general, produciéndose en varias ocasiones incluso acoples de sonidos, algo verdaderamente imperdonable en un concierto de un artista de talla internacional. Aún así, parecía como si al único que le importasen estos problemas técnicos fuese al propio Jay Kay porque el público no dejó de botar, cantar y bailar desde el principio con temas como “Main vein”, “Canned heat”, “Little L”, “Cosmic girl”, “Alright”, “Hey Floyd” o “Feels just like it should” por nombrar sólo unos cuantos.

A medida que iba avanzando el concierto los problemas de sonido se fueron solucionando, pero el grupo siguió sin conectar demasiado con el público aunque el público sí con el grupo. En toda la noche no se produjo ni una sola vez la típica interacción entre “frontman” y público, la típica presentación de las canciones, ni ese tipo de cosas típicas que ocurren en todos los conciertos. El grupo se limitaba a tocar los temas, Jay Kay se limitaba a cantarlos sin moverse demasiado para lo que es él con algún que otro esporádico “Thank you” o “Gracias”, y el público se limitaba a cantar y a bailar todo lo que le echasen mientras en la pantalla trasera (único elemento visual del escenario además de la chaqueta de Jay Kay) se proyectaban imágenes de robots, bólidos, sistemas planetarios, helicópteros y hasta las pirámides de Egipto. Los momentos más especiales del concierto tuvieron lugar con la puesta en escena de una versión de diez minutos de “Love foolosophy” que comenzó con aires de “bossa nova”, con la versión más guitarrera de “Travelin’ without moving” en la que pudimos disfrutar de una flauta travesera y unas trompetas espectaculares, y con el mítico “Deeper underground” perteneciente a la banda sonora de la película Godzilla y con el cual se tiñó de humo y luces verdes el escenario y la plaza del Poble Espanyol.

Tras este tema el grupo se retiraba a los camerinos para aparecer al cabo de unos instantes nuevamente en el escenario y llevar a cabo el “bis” obligatorio. En este caso fue “White knuckle ride”, un tema perteneciente al último disco de Jamiroquai y en cuya puesta en escena Jay Kay pareció más animado de lo que había estado durante el resto del concierto, como celebrando que éste se terminaba. Tanto es así que incluso llego a pedir a ciertos seguidores de las primeras filas que le lanzasen discos y rotuladores que ellos mismos traían para devolvérselos convenientemente autografiados. Finalizado este “bis” de un único tema, el grupo se despedía de Barcelona y las luces de los focos de la plaza del Poble Espanyol se encendían dando por finalizada la actuación de Jamiroquai apenas dos horas después de su inicio.

La sensación que me quedó una vez terminado el concierto es que Jamiroquai habían venido a tocar a Barcelona sin muchas ganas de hacerlo, obligados por un contrato. Como tal, vinieron, hicieron su trabajo y se fueron sin más. Pese a ser todos unos grandísimos músicos, haber desplegado un “set-list” repleto de grandes éxitos de su carrera y haberlo hecho de una forma fantástica musicalmente hablando, en ningún momento me llegaron a transmitir emoción ni ninguna sensación especial porque en ningún momento me pareció que estuvieran sintiendo ellos mismos lo que hacían, simplemente estaban trabajando delante de cinco mil personas y eso se notó.

Museu del Rock

2011-08-06T21:22:00.018+02:00

El día 30 de Marzo de este año fue presentado el “Museu del Rock” de Barcelona del que tantos años llevaba hablando el periodista y crítico musical catalán Jordi Tarda, impulsor del proyecto y posiblemente una de las personas que más años lleva metido en todo el mundillo del coleccionismo y el fetichismo musical de este país. Ubicado en la antigua plaza de toros de Las Arenas, la cual ha sido convertida en un gran centro comercial, el “Museu del Rock” de Barcelona es el primer museo de España dedicado a la música rock y, desde el día de su apertura hasta hoy, ya han sido miles las personas que se han acercado a visitar los dos mil metros cuadrados de los que dispone el recinto. Jordi Tardà, conocido entre otras muchas cosas por haber sido durante años el responsable de la “Fira del Disc” de Barcelona, ha estado trabajando en este proyecto desde el año 2004 hasta que finalmente ha conseguido que abra sus puertas al público. Teniéndolo tan cerca de casa como lo tengo y siendo un apasionado del rock como soy, el pasado día 5 de Agosto quise aprovechar una de esas tardes de vacaciones en las que no apetece hacer absolutamente nada para acercarme a conocer en primera persona qué es eso que tanto esfuerzo ha costado conseguir llamado “Museu del Rock”.

A grandes rasgos, el “Museu del Rock” es algo así como una recopilación de más de quinientas piezas de coleccionista relacionadas con el mundo del rock que se encuentran distribuidas a lo largo de una amplia área expositiva. Dicha área está formada por cinco salas de exposición y tres zonas avitrinadas permanentes ubicadas a ambos lados de un pasillo central en el que, nada más entrar, uno se encuentra con un “pinball” de Elton John y otro de The Rolling Stones custodiados por un muñeco tamaño “hobbit” de Bruce Springsteen.

Las zonas permanentes consisten en una serie de vitrinas temáticas dedicadas a las décadas de los 60’s, 70’s, 80’s, 90’s y 2000. En ellas, además de pósters, CD’s y vinilos originales firmados por sus autores y una amplia variedad de guitarras firmadas por gente como todos los miembros de Queen, todos los miembros de The Rolling Stones, Mark Knopfler de Dire Straits, Slash de Guns N’ Roses, Joe Perry de Aerosmith o Paul McArtney y Ringo Starr de The Beatles; el visitante puede encontrar artículos tan variopintos y curiosos como una cazadora tejana de Eric Clapton, un balón de fútbol de Rod Stewart, unas botas Puma de Brian May, una chistera firmada por todos los miembros de Guns N’ Roses, un chaleco lleno de mierda usado por Lemmy Kilmister, una chaqueta de Michael Jackson, algunos manuscritos de Tina Turner o una espada firmada por Manowar.

En cuanto a las cinco salas de exposición, cuatro de ellas son de temática fija y la otra alberga exposiciones temporales que varían en función de los diferentes acontecimientos, eventos o aniversarios que vayan teniendo lugar durante el año. En esta ocasión, y con motivo de su paso por Barcelona, la sala de exposiciones temporales estaba dedicada a la carrera de Bon Jovi.

La primera de las salas de exposición permanente se encuentra justo a la entrada del museo y está dedicada a los orígenes del rock and roll. Allí podemos ver todo tipo de memorabilia, fotografías, carteles e incluso discos de piedra de artistas como Elvis Presley, Chuck Berry o Buddy Holly por nombrar sólo unos cuantos. La siguiente sala permanente está dedicada a The Beatles y, además de algunos LP’s originales, diferentes discos de oro del grupo y multitud de pósters e imágenes del grupo, como elementos principales encontramos dibujos originales de John Lennon, un pelo de Pete Best (primer batería de la banda de Liverpool), una americana de Ringo Starr, postales escritas por Lennon desde Almería y hasta un documento de Yoko Ono en el que, desde Mallorca, se redacta un contrato con un equipo de detectives privados de Barcelona... ¿¿?? La siguiente sala permanente es la dedicada a The Rolling Stones. En ella podemos ver desde la típica carta de presentación de un grupo solicitando audición manuscrita por Brian Jones, hasta una baldosa de la piscina en la que se ahogó el propio Brian Jones, pasando por un cuadro pintado por Ron Wood, el típico anillo de calavera de Keith Richards, la tarjeta de crédito de Mick Jagger o diferentes camisas y chaquetas usadas por los miembros del grupo en algunas de sus giras. La última de las salas es la dedicada al rock nacional en la que se nos ofrece la posibilidad de ver diferentes prendas de vestir de los Sirex, Los Salvajes, Carlos Segarra de Los Rebeldes, Loquillo, Mikel Erentxun o Esteve Fortuny de la Companyia Elèctrica Dharma; un cuadro pintado por Manolo García; un bajo original de Aurelio Morata de Los Rebeldes; y discos, fotos y pósters de diferentes artistas españoles en general y catalanes en particular.

Una vez visitada la zona de exposición del museo, a través de un largo pasillo con las paredes repletas de pósters y caricaturas de diferentes artistas internacionales, se accede al salón de actos del recinto. De jueves a domingo el “Museu del Rock” ofrece al visitante la posibilidad (previo pago obligatorio de 4 Euros adicionales al precio habitual de la entrada) de asistir a un concierto de una hora de duración de algún grupo de versiones. Durante mi visita fue la banda residente Rock Story Band la que amenizó la tarde con una actuación basada en la interpretación de un puñado de clásicos del rock and roll internacional alternados con breves explicaciones de algunas anécdotas o algún dato histórico relacionado con el tema o grupo versionado. La verdad es que su cantante me dejó impresionado por la cantidad de registros vocales que era capaz de conseguir.

Y ahora la pregunta del millón que todo el mundo me hace: ¿Vale la pena pagar 9 Euros por visitar el “Museu del Rock” de Barcelona? Sin ningún lugar a dudas y sin tener que pensárlemo demasiado la respuesta es un no rotundo. Pero ni 9 Euros ni 5 Euros. En mi opinión, son muy pocos los artículos expuestos en el museo que realmente llamen la atención, y demasiados los “modelos similares”, “fieles reproducciones” o incluso fotocopias de documentos originales. Creo que una guitarra, una foto o un disco autografiado tienen gracia o interés para la persona a la cual se lo han firmado, pero de ahí a que este tipo de artículos se conviertan en piezas de museo, me parece excesivo y desmedido. Personalmente considero que las obras más importantes de los músicos son sus discos y sus conciertos más que sus chaquetas, sus fotos firmadas o sus pelos.

Museu del Rock
http://www.museudelrock.com
Gran Via de les Corts Catalanes, Nº 373-385
Metro: Espanya

I'll sleep when I'm dead (Bon Jovi): Barcelona 27/07/2011

2011-08-05T15:49:00.011+02:00

Ya puedo soltar todas las parrafadas que quiera y con todo el lujo de detalles que mi memoria me permita, que si alguien no ha estado allí, es casi imposible imaginarse todo lo que en la crónica de un concierto se explica. Sí, lo que voy a decir es un topicazo de aquí te espero, pero una imagen vale más que mil palabras, y la verdad es que YouTube ayuda mucho a hacer cierto este famoso refrán español.

Para demostrarlo, a continuación adjunto un vídeo doméstico grabado con una cámara de fotos durante el concierto de Bon Jovi celebrado el pasado día 27 de Julio en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona. Aunque no sea el momento más emocionante de la noche ni el mejor tema del grupo, sí que es el vídeo en el que mejor se ve a la banda de todos los que he encontrado y, sin duda, en el que mejor se plasman todos los aspectos del concierto, tanto el estado de forma del grupo como al ambiente que se respiraba en el estadio. Desde aquí me gustaría dar las gracias a Héctor Arenos (al cual no conozco de nada) por grabarlo y por publicarlo en su canal YouTube.

Concierto de Bon Jovi (Estadi Olímpic Lluís Companys, Barcelona 27/07/2011)

2011-08-02T20:29:00.009+02:00

La legendaria banda de New Jersey obsequia a Barcelona con tres horas de “rock de estadio” a la antigua usanza

Durante los meses previos al inicio de la gira europea de Bon Jovi hubo momentos de nerviosismo entre todos los que habíamos adquirido nuestra localidad para alguno de sus conciertos. Las alarmas saltaron cuando el guitarrista Richie Sambora decidía abandonar la gira americana tras el concierto celebrado el día 26 de Marzo en la ciudad canadiense de Vancouver para someterse a un tratamiento de desintoxicación por sus problemas con el alcohol. A pesar de dicho contratiempo, el grupo prosiguió con la gira sin él, contando con la colaboración del guitarrista Phil “X” Xenidis (que ha trabajado con Triumph, Alice Cooper, Rob Zombie o Daughty) desde el día 30 de Abril en New Orleans hasta el final de ésta. La idea de asistir a un concierto de Bon Jovi y no poder ver a Richi Sambora en la guitarra principal resultaba cuanto menos decepcionante, así que muchos anduvimos pendientes de Internet para seguir el transcurso de los acontecimientos. Por suerte, y para tranquilidad de sus fans del viejo mundo, Richie Sambora salió a tiempo de la clínica para iniciar el día 8 de Junio en Zagreb la gira europea del grupo, así que íbamos a poder verlo también en Barcelona.

Las puertas del Estadi Olímpic Lluís Companys se abrieron sobre las 18:00 h. pero no fue hasta las 20:00 h. aproximadamente que empezaron a actuar los teloneros, un par de bandas totalmente anónimas llamadas The Monomes y The Rebels que pasaron más que desapercibidas para las casi 45.000 personas que paulatinamente iban llegando al estadio para presenciar la actuación de Bon Jovi, los cuales no actuaban en la capital catalana desde el año 2008. Pese a ser la última semana del mes de Julio, la temperatura ambiente era agradable en la cima de la montaña de Montjuic y la espera no se hizo demasiado pesada teniendo en cuenta que el concierto estaba previsto que diese comienzo a las 21:45 h.

Para lo que son las estrellas del rock, Bon Jovi fueron realmente puntuales. Marcaban las 22:00 h. cuando las luces se apagaron y, mientras los músicos iban ocupando sus lugares, en la pantalla gigante de forma semicircular ubicada en el fondo del escenario comenzaron a proyectarse imágenes de planetas, constelaciones y esferas doradas en movimiento que acabarían conformando el que se ha convertido en el símbolo del grupo: un puñal alado atravesando un corazón. En ese mismo instante Jon Bon Jovi, ataviado con una casaca militar roja y pantalones de cuero al más puro estilo Policía Montada del Canadá, hacía su aparición en el escenario para entonar las primeras notas del clásico de los 80’s “Raise your hands”. Sin apenas interrupción, el grupo atacó “You give love a bad name”, otro tema publicado en “Slippery when wet”, el tercer álbum de la carrera de Bon Jovi editado en 1986 y que ha sido considerado en múltiples ocasiones como uno de los mejores discos de la década de los 80’s. Después de este momento de catarsis, con todo el público catalán en el bolsillo (catalán y no catalán, porque la verdad es que entre toda la audiencia había una gran cantidad de fans procedentes de toda Europa como suele ocurrir cuando en Barcelona se celebra un macroconcierto en los meses de verano), el grupo acometía otro éxito de finales de los 80’s, el tema “Born to be my baby” perteneciente al álbum “New Jersey”. Tras él, el grupo respiraría un poco dando las buenas noches a Barcelona por su asistencia.

Fue una sensacional forma de comenzar un concierto de una gira de promoción de un disco de grandes éxitos de la banda. Semejantes tres himnos no dejaron indiferente a nadie y la respuesta del público fue de entrega total desde el principio, pero cualquiera con un punto de vista mínimamente objetivo vería enseguida que el escenario era espectacular; que la banda, complementada con Bobby Bandiera en la guitarra rítmica y Hugh John McDonald en el bajo, sonaba increíble; que Richie Sambora estaba musicalmente en plena forma; y que Tico Torres y David Bryan siguen en su línea de profesionalidad y excelencia a la que nos tienen acostumbrados; pero también que Jon Bon Jovi es una sombra de lo que en su día fue. Hubo momentos, sobre todo en “You give love a bad name”, en los que, a través de las pantallas, se le podía ver pasándolo realmente mal para cantar el estribillo, hasta el punto de que se le desfiguraba la cara completamente del esfuerzo cuando intentaba llegar a las notas más agudas. Pero hay que entender que estos temas se compusieron y grabaron cuando el bueno de Jon tenía veinticinco o veintiséis años y que ahora tiene cincuenta, por lo que es lógico y normal que le cueste llegar. A pesar de todo, con su actitud, su entrega, su presencia y su esfuerzo consiguió salvar con creces estas limitaciones vocales, no llegando a desafinar ni a cometer ningún error en todo el concierto. Sólo por eso ya es digno de alabanza.

A continuación Jon Bon Jovi empuñaba su guitarra acústica negra de la marca Takamine para iniciar junto al resto de la banda la interpretación de “We were born to follow”, un tema publicado en el último disco de estudio de la discografía grupo titulado “The circle”. Durante ella, y al más puro estilo U2 o Roger Waters, a través de las pantallas del escenario se fueron alternando mensajes y slogans pacifistas con imágenes de personajes históricos tan dispares como el presidente Barack Obama, el pintor Pablo Picasso, los músicos Jimi Hendrix, Bob Dylan y John Lennon, o los líderes políticos asesinados Martin Luther King y John Fritgerald Kennedy, todo ello bajo el clásico filtro de trazado tricolor en rojo, blanco y azul que el propio Obama puso de moda durante su campaña electoral. Tras este momento moralista y americanista, los siguientes temas en sonar dentro del repertorio fueron “I believe”, “It’s my life”, “In these arms” y “Just older”, alternando de esta forma dos temas del álbum “Keep the faith” editado en 1993 con dos temas del álbum “Crush” editado en el año 2003.

Antes de llegar al ecuador del concierto fueron “We got it goin' on” y “Captain Crash & The beauty Queen from Mars” las canciones que interpretó el grupo, dos canciones relativamente recientes pero no por ello menos coreadas por el público. Tras ellas se dio paso a otro clásico de finales de los 80’s como es “Bad medicine” que se convirtió en una “suite” larguísima durante la cual Jon Bon Jovi presentó a cada uno de los miembros de la banda intercalando durante las presentaciones fragmentos de clásicos del rock de ayer y hoy como el “Not fade away” de Buddy Holly, el “Bad case of loving you” de Robert Palmer o el “Vertigo” de U2.

Y como en todo macroconcierto de una gran banda del rock internacional que se precie, en esta ocasión tampoco pudo faltar el mini escenario ubicado al otro extremo de una larga pasarela que salía de la parte frontal del escenario. En ella fueron interpretadas de una forma más próxima al público algunas de las canciones más íntimas del repertorio como “Bed of roses”, cuyo estribillo fue cantado en castellano por el propio Jon Bon Jovi; una rareza como “Santa Fe”, extraída del álbum en solitario de Jon Bon Jovi titulado “Blaze of Glory” publicado en 1990 y en la que le acompañaron Bobby Bandiera en la guitarra acústica y David Bryan en el acordeón; “Diamond ring”, con un Richie Sambora empuñando una guitarra acústica de doble mástil preciosa a la vez que hacía unos coros sobrecogedores; y la siempre emocionante “I’ll be there for you”.

Después de este momento tierno y romanticón tan característico de las dos últimas décadas de la carrera musical de Bon Jovi y que tanto han criticado los ex-seguidores más intransigentes del grupo, el concierto prosiguió en el escenario principal con algunos temas pertenecientes a diferentes épocas de la banda. “Who says you can't go home”, “I'll sleep when I'm dead”, “Someday I'll be Saturday night”, “Have a nice day” y el recordado himno de los 90’s “Keep the faith”, con Jon Bon Jovi agitando las marcas, Richie Sambora espectacular en la Gibson Les Paul y unos efectos pirotécnicos creados por ordenador a través de las pantallas, hicieron saltar de nuevo a todos los asistentes al evento y pusieron fin de forma apoteósica a la primera parte de éste.

Pero a pesar de que el grupo se despidiera del público y se retirara a los camerinos, todos sabíamos que aún quedaba mucha tela que cortar, aunque alguno seguro que no se imaginaba que iba a quedar tanta. La recta final del concierto inició de forma bastante tranquila con “Something to believe in” y continuó con “Hey God”, dos temas del álbum “These days” publicado en 1995 que, mi entender, fueron un poco de relleno. Tras ellos llegó uno de los momentos más esperados de la noche, la puesta en escena de “Wanted dead or alive”, durante la cual Richie Sambora hizo alarde de su magnífica voz cantando en solitario algunos fragmentos del tema; y el aclamadísimo “Livin’ on a prayer” iniciado “a cappella” por Jon Bon Jovi y cuyos estribillos fueron cantados por el público asistente por motivos obvios. Con estas dos canciones del álbum “Slippery when wet”, posiblemente dos de los temas principales de la carrera de Bon Jovi, el grupo decía adiós a Barcelona de forma aparentemente definitiva. Finalmente o fue así. Debido a la insistencia del público coreando los clásicos cánticos futboleros de “Oé, oé, oé” que a las grandes estrellas (sobre todo las americanas) tanto les gusta, los miembros del grupo, situados ya en la parte frontal del escenario para hacer la típica reverencia con la que todos los artistas dicen adiós, se miraron de forma cómplice y conversaron unos instantes para acabar decidiendo volver a sus posiciones para interpretar uno de los temas más solicitados de la noche y, por qué no decirlo, uno de mis preferidos de los de New Jersey: “Always”.

Nuevamente parecía que la noche había terminado pero los incombustibles cánticos del público hicieron replantearse otra vez la despedida al grupo y, con evidentes muestras de entusiasmo por parte de Tico Torres, Bobby Bandiera y del propio Jon Bon Jovi, los músicos volvieron otra vez a sus correspondientes lugares para poner un brillante colofón interpretando “I love this town”, un bonito guiño de la banda hacia una Barcelona que les mostró su cariño y su admiración durante las tres horas que duró el show.

Pasados ya algunos días y habiendo ya asimilado por completo el concierto, todavía me meo más en la cara de todos aquellos imbéciles que se me mofaron de mí cuando se enteraron de que iba a ir a ver a Bon Jovi en directo. Creo que la profesionalidad, el buen hacer encima de un escenario y la calidad musical del grupo está muy por encima de toda la fama de ñoños y grupo de quinceañeras que se han labrado a lo largo de los años. Evidentemente, y no diré que no, el público mayoritario de Bon Jovi es un público femenino, pero creo que cualquiera que se considere un amante del rock y de los grandes conciertos que se hacían a mediados de los 80’s y principios de los 90’s, debería haber asistido porque ya no hay ni creo que haya jamás grupos como los de aquella generación. O si no que alguien me diga qué grupillo de los que ahora van de estrellas son capaces de pegarse tres horas de concierto seguidas y de meter a 45.000 personas en todo un Estado Olímpico de Barcelona.

Live in Chicago (Guns N' Roses) 2006

2011-07-31T12:20:00.007+02:00

No sé cómo a según que distribuidoras no se les cae la cara de vergüenza con los productos que sacan al mercado. Cuando alguien compra un DVD en directo que no aparece en la videografía oficial del grupo en cuestión, más o menos ya se puede imaginar que la calidad no va a ser la misma que la de un producto con licencia, pero es que este “Live in Chicago” de Guns N' Roses es todo un catálogo de despropósitos que a continuación y muy gustosamente voy a enumerar.

En primer lugar, nada más verlo y antes de quitarle el precinto, a cualquier seguidor del grupo mínimamente observador ya le rechinarán los dientes. Resulta que el DVD es un concierto de Guns N' Roses registrado el 9 de Abril de 1992 en el Rosemont Horizon de Chicago, vamos, en plena gira “Use your Illusion”. Pues bien, en la carátula aparece una foto del grupo con Duff McKagan, Slash, Axl Rose... ¡Steven Adler e Izzy Stradlin'! ¿Me puede alguien explicar a qué mente privilegiada se le ha ocurrido elegir de entre los millones de fotos de Guns N' Roses que habrá, una foto en la que aprecen dos miembros del grupo que ya no estaban en ese momento en la formación? Es que alguien que no se fije mucho y no se pare a leer la letra pequeña de la parte trasera de la carátula, puede ver la caja con el título “Guns N' Roses: Live in Chicago” sobre una foto de los Guns N' Roses originales, y seguro que lo primero que piensa es que se trata de un concierto de las primeras giras del grupo. De acuerdo, sólo se trata de un papel, pero no cuesta nada hacer la misma edición sin semejante anacronismo.

Si nos olvidamos de este detalle de presentación y ponemos el DVD a reproducir, entonces ya el cabreo se multiplica por diez cuando comprobamos la lamentable calidad del contenido. Ignoro el motivo por el cual fueron grabadas las imágenes, aunque supongo que sería para ser emitidas por televisión, o incluso es posible que sean las imágenes que durante el concierto se proyectaban en las pantallas del escenario; pero viéndolas, lo que queda claro es que proceden de una cinta VHS. El audio, dentro de lo que cabe, es bastante bueno salvo un ligero zumbido que se escucha de fondo, pero las imágenes son indignantes. No sólo es que se vean borrosas por la antigüedad y deterioro de estas, ya que el concierto tuvo lugar en 1992 pero el DVD se editó en 2006, es que además al pasarlas a formato digital aún han perdido más calidad y en según qué momentos hasta se ven los clásicos cuadraditos de las imágenes pixeladas. Además, así como va avanzando el concierto de vez en cuando van apareciendo en la parte inferior izquierda de la pantalla las palabras “MONO” e “HIFI” típicas de las televisiones antiguas.

En cuanto al concierto de Guns N' Roses contenido en este paupérrimo DVD, pues, en primer lugar, decir que no está completo sino que han cortado por dónde les ha dado la gana y que faltan temas tan imprescindibles en su repertorio como “Sweet child o' mine” o “Paradise City” por nombrar sólo un par de ellos. Lo mejor de todo, y único motivo por el cual vale la pena este DVD si es que existe alguno, es que contiene la interpretación íntegra del tema “Coma”, de 9:34 minutos de duración, algo no muy habitual en los conciertos de Guns N' Roses de aquella época.

En definitiva, una auténtica joya este “Live in Chicago”, un DVD editado por la compañía argentina Masterplan, cuyas iniciales “MP” que aparecen en la parte superior izquierda de la pantalla bien podrían significar “Mierda Pinchaenunpalo”.

Ladies and Gentlemen: The Rolling Stones (The Rolling Stones) 2010

2011-07-24T18:44:00.004+02:00

Lo mejor de hacerse mayor es que para tu cumpleaños la gente que te quiere y te conoce bien te hace regalos realmente cojonudos. Mi cumpleaños fue el pasado día 12 de este mes (gracias, a buenas horas mangas verdes) y con motivo de éste, mi hermano, quizás la persona del mundo que mejor me conoce, me regaló este “Ladies and Gentlemen: The Rolling Stones”. Hay tanto material audiovisual de Sus Satánicas Majestades en el mercado que me resulta verdaderamente difícil hacerme con todo como a mí me gustaría, así que este regalo me hizo especial ilusión porque más tarde o más temprano iba a acabar comprándomelo.

“Ladies and Gentlemen: The Rolling Stones” es una recopilación de temas en directo registrados en cuatro actuaciones de los Stones llevadas a cabo en Houston (Texas) durante la gira americana de promoción del álbum “Exile on Main St.” celebrada en año 1972. Cada uno de los temas que aparecen en el “set-list” fue grabado en una de aquellas cuatro actuaciones, pero el montaje audiovisual se hizo de tal forma que, si no fuera porque la vestimenta de los músicos va cambiando entre canción y canción, uno no se daría ni cuenta ya que la sensación que se tiene al escucharlos es la de estar presenciando un concierto íntegro.

La versión original, producida por Rollin Binzer y Marshall Chess a partir de las imágenes filmadas por Bob Freeze y Steve Gebhardt de Butterfly Films, fue proyectada en cines a modo de documental durante el año 1974. No fue hasta el pasado año 2010 que, de la mano de Eagle Rock Entertainment, estas fueron reeditas en formato DVD. El sonido de esta nueva reedición es realmente espectacular. No es el típico sonido espeso y sucio de algunas grabaciones antiguas que se suelen ver por ahí, sino todo lo contrario. Hay tanta claridad en el audio que sin demasiado esfuerzo por parte del espectador es posible apreciar a la perfección todos los matices de todos los instrumentos que están sonando. Con respecto a las imágenes, también remasterizadas para esta nueva edición, tienen una gran calidad pero pecan se ser demasiado oscuras, lo cual no es de extrañar debido a que los sistemas de iluminación de los conciertos de aquella época no eran los mismos que los que se utilizan ahora.

Para el que escribe y para la mayor parte de la crítica, aquella fue la mejor etapa de la historia de The Rolling Stones y así lo demuestran en este documento. A un Mick Jagger y un Keith Richards en su máximo esplendor creativo y expresivo, se les unen la por aquel entonces todavía inspirada sección rítmica compuesta por Charly Watts y Bill Wyman; el que yo considero mejor guitarrista que jamás haya pasado por la formación: Mick Tylor; la brillante sección de vientos compuesta por Bobby Keys en el saxo y Jim Price en la trompeta y los trombones; además de Nicky Hopkins en el piano. Es una pena que las imágenes se centren excesivamente en la figura de Mick Jagger y que por consiguiente no haya demasiadas imágenes generales de grupo, pero aún así, “Ladies and Gentlemen: The Rolling Stones” es una verdadera joya para cualquier amante de los Stones que se precie.

Aprende a tocar “Rocket Queen” con Steven Adler

2011-07-20T22:21:00.004+02:00

Después de leerme la biografía de Slash me puse a buscar por YouTube todas aquellas actuaciones televisivas, entregas de premios y conciertos míticos de Guns N' Roses de los cuales habla en su libro y que en su día me fue imposible ver debido a la ausencia de Internet. Todos sabemos lo que tiene YouTube, que empiezas a buscar algo, una cosa te lleva a la otra y acabas viendo cosas asombrosas que nunca se te habría ocurrido buscar, y eso fue lo que me pasó ayer. De casualidad, saltando de vídeo en vídeo, fui a parar a una serie de entrevistas bastante recientes a Steven Adler, primer batería de Guns N' Roses que fue explusado del grupo por su adicción a las drogas (gran hipocresía, vive Dios), y me entristeció profundamente ver el estado físico en el que se encuentra. Afortunadamente el pobre hombre se encuentra limpio desde hace un tiempo debido a diversos programas de desintoxicación a los que se ha sometido, pero se nota que los abusos le han pasado factura y actualmente sufre una parálisis facial que le impide vocalizar bien debido a algún que otro infarto cerebral que ha sufrido.

Pero no todo fueron imágenes desagradables en mis hallazgos YouTuberos de ayer, también de casualidad encontré el vídeo que adjunto a continuación. Se trata de una entrañable “master class” del bueno de Steven Adler en la que nos enseña a todos cómo se toca la batería del tema “Rocket Queen”. La grabación fue realizada el pasado año 2010 y en ella Steven, sin perder su característica sonrisa, nos demuestra que todavía sigue en forma para el rock and roll. Espero que disfrutéis viéndolo lo mismo que se le ve disfrutar a él sentado en el taburete de la batería con dos baquetas entre las manos.

Slash (Slash y Anthony Bozza) 2007

2011-07-18T21:04:00.004+02:00

Habitualmente, cuando alguien lee la biografía de un artista al cual admira lo que pretende es profundizar en su vida fuera de los escenarios y conocer un poco más al ser humano que hay detrás del personaje popular. Posiblemente Slash sea el primer músico al cual he admirado de verdad. Su sonido de guitarra hard rockero con esas claras influencias del blues, sumado a su icónica imagen de pelo lanoso, gafas de sol, chistera con remaches calada hasta las cejas y guitarra Gibson Les Paul colgada al hombro, me hipnotizaron por completo desde el primer momento en que lo ví, hasta el punto de, no sólo tener toda su discografía oficial en versión original sino, además, haber llegado a tener durante años pósters con su imagen colgados en mi habitación e incluso una reproducción en miniatura con su figura. Slash ha sido y será por siempre mi principal ídolo musical y el músico que consiguió que yo mismo sintiera atracción e ilusión por aprender a tocar la guitarra, así que cuando me hice con la edición en castellano de este libro, más que leérmelo lo devoré en un tiempo récord. Lejos de mitificar todavía más al personaje, leyéndolo llegué a la conclusión de que, a pesar de ser toda una institución en la historia del rock, como persona Slash no es otra cosa más que un completo imbécil que si no ha conseguido ser diez veces más de lo que actualmente es, sin duda ha sido por su estupidez. Sí, ya, en ningún momento he dado por supuesto que Slash sea un digno merecedor de un Premio Nobel de Física o algo por el estilo, pero creo que el hecho de llevar toda la vida en esto de la música y únicamente haber conseguido grabar diez discos con cara y ojos en casi treinta años (al margen de colaboraciones esporádicas con otros artistas) es un claro indicador de que algo pasa.

Como en la misma portada indica, el libro ha sido escrito por Slash en primera persona con la ayuda de Anthony Bozza, un escritor y periodista neoyorquino que al parecer ha mantenido largas charlas y entrevistas con el propio Slash, tras las cuales ha transcrito de forma fiel las palabras del músico para dejarlas plasmadas en este libro. Sintetizando mucho, podríamos decir que la biografía de Slash se divide en tres grandes bloques: El primero sería el correspondiente a la infancia, adolescencia y vida familiar de Saul Hudson antes de convertirse en Slash. El segundo y principal correspondería a lo que es el inicio, nudo y desenlace de la historia de Guns N’ Roses, la banda con la que alcanzó la fama internacional. Y el bloque final y quizás más aburrido es el dedicado a la etapa de Slash colaborando con todo el mundo y liderando o co-liderando diferentes proyectos musicales de éxito relativo como Slash’s Snakepit y Velvet Revolver, así como a la reciente formación de su propia familia.

El primero de estos bloques es fundamental para ponerse un poco en situación y entender cómo un niño de familia acomodada puede llegar a convertirse en un personaje como Slash, tanto para lo bueno como para lo malo. Hijo de padre pintor y madre diseñadora, ambos de vida bohemia y con amistades de dudosa reputación, su personalidad sufrió un cambio radical en el momento en que ambos se divorcian y por el bien de su estabilidad se vieron obligados a mandarlo a vivir con su abuela materna en Los Ángeles. Allí, muy pronto se convertiría en un pandillero, un ladrón y en un auténtico gamberro que pasaba más tiempo pateándose la ciudad a lomos de su bicicleta con el único fin de perpetrar todo tipo de fechorías, que estudiando. Vamos, una especie de Tom Sawyer urbano y ochenteno cuya vida cambiaría por completo en el momento en que comienzó a tocar la guitarra y a montar sus primeras bandas de rock.

Si esta primera parte es interesante y hasta cierto punto “cómica” por la forma como Slash explica los acontecimientos, la parte más atractiva del libro para cualquier fan de Guns N’ Roses es aquella en la que Slash cuenta, bajo su particular punto de vista, la historia del grupo desde el principio hasta el final de sus días. Se trata de una narración sobre los inicios, el crecimiento, el despegue, la trayectoria y la decadencia de Guns N’ Roses contada por primera vez en casi treinta años en primera persona. Más o menos es la historia que todos los fans ya habíamos leído en diferentes revistas y publicaciones pero explicada con todo lujo de detalles por uno de sus protagonistas, adornada además con decenas de anécdotas y dejando alguna que otra eterna duda sobre ciertos aspectos de la banda totalmente aclarada.

Pero hablar de Slash es imposible sin hablar de ese co-protagonista que ha compartido con él el noventa por ciento de su vida. No me refiero ni a Axl Rose, ni a Duff, ni a su abuela, ni ninguno de sus padres, ni a sus serpientes, ni a sus esposas o novias. Me refiero a la droga. La biografía de Slash no es sólo la biografía de un músico, es también la biografía de un drogadicto. Slash se enganchó a la heroína a la edad de diecinueve años y desde entonces hasta hace relativamente poco su consumo, no sólo de esta substancia sino también de otras como la cocaína, el alcohol, sus famosas “speed balls” y otros tipos de cócteles tóxicos (todo ello en cantidades astronómicas), ha sido continuado, llegando a marcar su vida por completo. Si bien es cierto que mientras estuvo en Guns N’ Roses las drogas nunca le impidieron realizar su trabajo a la perfección, tanto encima del escenario como en los estudios de grabación, la impresión que me queda es que si no fuera por su extrema adicción a ellas durante tantos años quizás Guns N’ Roses nunca hubieran acabado de la forma que acabaron y, por supuesto, jamás se habría dejado engatusar por Axl Rose (cuya paranoia se llega incluso a comprender viendo con qué clase de elementos compartía banda) en el momento en que le fueron arrebatados legalmente los derechos sobre el nombre y la marca Guns N’ Roses. Han sido diversos los procesos de desintoxicación a los que se ha sometido a lo largo de los años y alguno que otro los amigos que por culpa de las drogas se le han quedado por el camino, pero su inmadurez, su inconsciencia y la estupidez de la que hablaba al principio, le han hecho volver a consumir de nuevo todas las veces que lo había conseguido dejar. Según cuenta, esto fue así hasta el momento en que le llegó la paternidad.

Resumiendo, la biografía de Slash es la historia de una estrella de la música pero también es la historia de un superviviente, de una víctima fácil del ambiente de excesos que rodeaba al rock en Los Ángeles a principios de los años ochenta, que si no fuera por los medios económicos de los que ha dispuesto, quizás este libro jamás podría haberse escrito de la forma en la que se ha hecho, como una autobiografía. Salvando mucho las distancias, la vida de Slash me ha recordado un poco a la vida de Keith Richards, con la diferencia de que Keith Richards vivió en una época de total desconocimiento sobre el asunto de las drogas, excusa que en el caso de Slash no sirve. Lo que me sorprende es que alguien que durante tantos años fue un yonki profesional tenga tan buena memoria y recuerde tan bien tantos aspectos de su vida.

Almayate Rock & Roll Circus II

2011-07-17T15:57:00.003+02:00

El pasado día 23 de Junio, con motivo de la celebración de la Noche de San Juan, tuvo lugar en la localidad malagueña de Almayate la segunda edición del festival musical alternativo que en su momento fue bautizado como “Almayate Rock & Roll Circus”. Al igual que el año pasado, el evento se llevó a cabo en el ya mítico Raymond's Palace y en él los asistentes pudieron disfrutar de las actuaciones de la nueva versión del legendario grupo malagueño Zoe, del debut del grupo Sesen Tones, de la segunda actuación de la carrera del grupo femenino Las Luciérnagas y de los siempre espectaculares Perro Chico y los Perros Calientes. En esta ocasión únicamente asisití como espectador y no actué en directo con mi actual banda como sí hice en la primera edición del festival celebrada en Carnaval del 2010, pero aún así, fue una magnífica jornada de disfrute musical y de convivecia con mis amigos músicos malagueños.

Como resumen de aquel día de rock, sol y buen rollo en el Raymond's Palace, a continuación os adjunto una imagen muy representativa del lugar: Los perros del Boris jugando y peleándose. Espero tener la oportunidad de repertir la experiencia el año próximo y volver a compartir una noche similar con aquella gente malagueña a la que tanto aprecio y admiro.

Autor: El Artista Multimedia, fan incondicional de Perro Chico.

1993 Boston Grand Cru Concert (Keith Richards & The X-pensive Winos) 2010

2011-07-09T19:26:00.008+02:00

Cuando en 1985 Mick Jagger, haciendo caso a los cantos de sirena que le animaban a iniciar una carrera en solitario del nivel de la de Michael Jackson, decidió dejar en “stand-by” la andadura de The Rolling Stones, el rebote que pilló Keith Richards fue descomunal. A diferencia de Mick Jagger, Keith Richards siempre ha sentido que The Rolling Stones es lo más importante en su vida artística, y semejante plantón de su co-lider, co-compositor y vocalista (aunque fuese temporal) le sentó como un tiro. En 1987, como respuesta a tal desprecio y ante la imposibilidad de esperar sin hacer nada hasta que a Mick Jagger le apeteciese volver con The Rolling Stones, Keith no tuvo más remedio que reclutar una nueva banda e iniciar así su propia carrera en solitario. El resultado fue una excepcional formación denominada The X-pensive Winos con la que, a diferencia de Mick Jagger el cual se comió literalmente los cagaos, Kith Richards consiguió registrar un par de discos muy aclamados por la crítica (“Talk is cheap” 1988 y “Main offender” 1991) y volver así a la carretera llevando a cabo conciertos que fueron una auténtica exaltación del rock and roll.

Ahora que Mick Jagger anda inmerso en su nuevo proyecto al margen de los Stones llamado Super Heavy y compuesto por él mismo, la cantante británica de soul Joss Stone, el ex-Eurorythmics Dave Stewart, el hijo de Bob Marley Damien Marley y el compositor A.R. Rahman; han vuelto a oírse rumores sobre el hipotético regreso de The X-pensive Winos después de haber acabado relativamente mal a medidados de los noventa por motivos económicos. El caso es que hace unos días, buceando por las estanterías de mi tienda de discos habitual, encontré a un precio bastante asequible este “1993 Boston Grand Cru Concert” de Keith Richards con The X-pensive Winos, así que como me hice con él y ya lo he visionado, a continuación procederé a desgranar su contenido.

Como su propio nombre indica, “1993 Boston Grand Cru Concert” es la grabación íntegra del concierto de Keith Richards con The X-pensive Winos registrada en el Orpheum Theater de Boston en 13 de Febrero de 1993 durante su gira promocional de “Main offender”. En aquella ocasión la formación estaba compuesta por Steve Jordan en la batería, Waddy Wachtel en la guitarra, Bobby Keys en el saxofón, Ivan Maville en los teclados, Jerome Smith en el bajo, además de Sarah Dash y Babi Floyd en los coros; y el repertorio que desplegaron estuvo basado en los grandes hits de los dos álbumes del grupo como “Take it so hard”, “Eileen”, “999” o “Words of wonder” entre otros, dos clásicos de The Rolling Stones como los míticos “Gimme shelter” y “Happy”, y una versión del “Somethin' else” de Eddie Cochran. Durante todo el show se puede ver a un Keith Richards enérgico, sonriente, completamente en forma, aparentemente sobrio y en todo momento en su sitio y con unas ganas de tocar rock and roll arrolladoras. Con cada una de sus características patadas al aire y cada levantamiento de pierna da la sensación de estar diciendo: “¡Chúpate esa, Mick!”

Además de la clase, la voz, el estilo y los bailes de Keith Richards, en este DVD también hay lugar para deleitarse con el espectacular estilo de tocar la batería de Steve Jordan consistente en coger la baqueta del Charles por la mitad y golpear la caja con tal ímpetu que parece mentira que no raje el parche, con las cualidades vocales de Babi Floyd, con la fuerza con la que Jerome Smith pica las cuerdas del bajo y con la versatilidad musical de Ivan Maville que tan pronto toca el teclado, como agarra el bajo, como se cuelga la guitarra para acompañar.

Musicalmente “1993 Boston Grand Cru Concert” es un documento excepcional, aunque la grabación de las imágenes deja un poco que desear. Parece ser que el concierto fue registrado para la televisión y se nota que al editarlo en DVD diecisiete años después no han invertido ni un céntimo en su remasterización. Aún así, todos aquellos admiradores del maestro no pueden perdérselo porque se trata de un perfecto tutorial sobre cómo se ha de interpretar rock and roll encima de un escenario.

Próximo 10 de Junio: Concierto de The Rebel Band en el bar La Oficina de Torredembarra

2011-05-25T00:10:00.003+02:00

Estimados lectores del blog de El Artista Multimedia:

Me pongo en contacto de nuevo con vosotros para comunicaros que el próximo día 10 de Junio de 2011, The Rebel Band traspasamos los límites fronterizos de Barcelona para debutar en directo en tierras tarraconenses. La actuación tendrá lugar en el bar La Oficina de la localidad de Torredembarra (Paseo Miramar Nº 151, frente a Estación de Renfe) y comenzará sobre las 20:00 h. Nuevamente en esta ocasión The Rebel Band tampoco estará sola y tendrá el honor de compartir escenario con el grupo local The Leonardos.

Para estar al corriente de toda la actualidad sobre The Rebel Band puedes visitar periódicamente sus espacios de Facebook, Google+ o su Twitter a los cuales podrás acceder a través de su página web oficial todavía en construcción:

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Próximo 15 de Abril: Concierto de The Rebel Band en la sala Be Good de Barcelona

2011-04-12T21:47:00.005+02:00

Estimados lectores del blog de El Artista Multimedia:

Una vez más me gustaría anunciaros el próximo concierto de mi grupo The Rebel Band. La cita tendrá lugar el viernes día 15 de Abril a las 21:00 h. en la sala Be Good de Barcelona (C/Sancho de Ávila Nº78), y en esta ocasión The Rebel Band compartirá escenario con los grupos catalanes The Generation y My Generation Club.

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Un ladrillo más en el muro (Informe Semanal)

2011-04-10T10:49:00.010+02:00

El pasado día 29 de Marzo tuve la enorme fortuna de asistir en el Palau Sant Jordi de Barcelona a un acontecimiento histórico que para mí será inolvidable. Me refiero al concierto de Roger Waters enmarcado dentro de su gira de conmemoración del trigésimo aniversario de la primera puesta en escena del espectáculo de Pink Floyd “The Wall”. Si hace treinta años la embergadura del montaje y los medios técnicos únicamente permitieron que el espectáculo pudiera verse en cuatro ciudades, en esta ocasión el autor e ideólogo del concepto de “The Wall”, Roger Waters, está llevando a todos los rincones del planeta una revisión adaptada a los tiempos en los que vivimos de su montaje original. Como amante que soy de la música de Pink Floyd, y más habiendo anunciado Roger Waters su inminente retirada definitiva de los escenarios, no podía perderme la ocasión de presenciar en directo este espectáculo musical, mezcla de ópera, arte multimedia y concierto de rock.

Aprovechando la llegada del muro a España, el programa de Televisión Española “Informe Semanal” emitió el pasado sábado 26 de Marzo el siguiente reportaje documental titulado “Un ladrillo más en el muro” en el que diferentes testimonios, e incluso el propio Roger Waters, hablan sobre la importancia de “The Wall” y de Pink Floyd dentro la historia del rock y sobre el mensaje intrínseco de las letras del disco y de su actual puesta en escena.

Nubes negras (El enchufado del carcelero)

2011-04-02T20:13:00.012+02:00

Me hubiera gustado volver a nombrar en este blog a El enchufado del carcelero por motivos muy diferentes a los que lo voy a hacer, pero no me ha sido posible. El pasado sábado día 5 de Marzo, los que de alguna u otra forma estamos vinculados a las actividades artísticas y culturales que tienen lugar en el Bajo Aragón histórico y en la comarca del Bajo Martín en particular, recibimos la triste noticia del fallecimiento de Eloy Salvador, entre otras muchas cosas, bajista de la formación hijarana El enchufado del carcelero cuya música ya recomendé hace algún tiempo. Desde aquí me gustaría rendir un sentido homenaje a alguien que nunca llegué a conocer en persona pero del cual seguí su activa participación en cualquier movimiento musical o cultural que tuviera lugar en su tierra que también es la mía.

Eloy Salvador, conocido por todos como “El Abuelo”, se fue a los 57 años de edad víctima de un cáncer contra el cual luchó mientras tuvo fuerzas, pero nos dejó como herencia un importante legado cultural y todo un ejemplo que seguir. “El Abuelo” fue un hombre polifacético que no sólo militó en El enchufado del carcelero, también colaboró en el grupo Ácido Folklórico, escribió en el blog del colectivo de opinión independiente “Cierzo y niebla”, colaboró junto a un grupo de poetas turolenses con el “Colectivo Sollavientos”, mantuvo su propio blog titulado “El Abuelo del copón” y además, nunca le dolieron prendas a la hora de promover y reivindicar la cultura en su Híjar natal y en la comarca del Bajo Martín en general de una forma totalmente altruista. Me cuentan que Eloy era una tipo inconformista, crítico e irónico a la vez que solidario, comprometido, con sentido del humor y, en definitiva, una buena persona que amaba a su pueblo y que luchaba por conseguir lo mejor para su gente.

Desde este humilde blog me gustaría rendirle un pequeño homenaje póstumo a Eloy dedicándole su propia canción “Nubes negras”, un tema realmente sobrecogedor que fue registrado en el disco “Siempre a tu lado” de El enchufado del carcelero editado en el año 2007. Aprovecho también la ocasión para mandarles un abrazo muy fuerte a todos los miembros de El enchufado del carcelero. Que el espíritu de “El Abuelo” no nos abandone nunca.

Ficha Técnica:
· Título: Nubes negras
· Álbum: Siempre a tu lado
· Año: 2007
· Intérprete: El Enchufado del Carcelero
· Autor: El Enchufado del Carcelero

Escucha un fragmento:

“Suena una campana en lo alto de la colina”

Porque yo tengo una banda de rock and roll

2011-03-19T00:13:00.003+01:00

Como muestra de lo comentado en el anterior artículo, a continuación os adjunto un vídeo correspondiente a un fragmento del concierto que The Rebel Band ofrecimos el pasado día 19 de Febrero de 2011 en la sala Razzmatazz 3 de Barcelona. No es que sea una maravilla de vídeo, ni que el sonido sea excepcional, y posiblemente nuestra versión del tema “Ritmo de Garaje” de Loquillo y Trogloditas no sea la mejor adaptación de un tema de Loquillo del mundo mundial, pero es más que suficiente para mostrar lo que somos The Rebel Band cuando nos subimos a un escenario: Una banda de rock and roll.

El debut de The Rebel Band

2011-03-13T10:36:00.009+01:00

Después de casi dos años y medio militando en Miércoles bien junto a mis compañeros Archi, Jose, Carlos y Octavi, el pasado mes de Octubre, pocos días después de nuestra actuación en el festival “Zafán Rock” de La Puebla de Híjar, finalmente el grupo dijo adiós definitivamente. Mientras duró, fue una bonita etapa de ensayos, conciertos, viajes, cenas y diversión conjunta durante la cual todos tuvimos la oportunidad de conocernos mutuamente y de aprender los unos de los otros. Pero como en todos los aspectos de la vida, las etapas se cierran y se abren otras nuevas, y en mi caso así ha sido. Enganchado como estoy a esto de la música y viendo venir el final de Miércoles bien, en Julio del 2010 me anticipé a lo que podía suceder en el futuro (y que finalmente sucedió) incorporándome al grupo que ensayaba en el local de al lado: The Rebel Band. Formado por Sandra en la guitarra y voz, y por tres miembros del grupo Jack Gasolina (Gali en el bajo y voz, Pi en la guitarra y Luismi en la batería), The Rebel Band basaban su repertorio en versiones de temas clásicos de bandas legendarias del rock and roll nacional e internacional como son The Ramones, U2, Loquillo y Trogloditas, Los Rebeldes y Fito & Fitipaldis entre otros. Gracias a lo fácil que me lo pusieron mis nuevos compañeros y a lo atractivo que me resultaba el repertorio y el estilo musical del grupo, no tardé demasiado en adaptarme a mi nueva faceta como guitarrista rítmico en una banda de rock and roll.

El pasado día 19 de Febrero The Rebel Band tuvo el honor de debutar en directo en una de las mejores salas de conciertos para aforo relativamente reducido de Barcelona: Razzmatazz-3. Aquella noche tuvimos la ocasión de compartir escenario con los grupos Daños y Perjuicios y Sin Previsión, y allí se dieron cita cerca de trescientos amigos e incondicionales de los tres grupos a los que no les importó compartir con nosotros este momento tan importante a pesar de los 8 Euros de la entrada. La foto adjunta a continuación pertenece a uno de los instantes de aquel concierto de debut de The Rebel Band en el cual tan bien nos lo pasamos y donde tan buenas sensaciones tuvimos todos de cara al futuro inmediato del grupo.

Autor: Marta Núñez, nuestra Jose Girl particular.

Comarca del Bajo Martín, Teruel (Aragón Televisión)

2011-03-04T08:58:00.005+01:00

El Bajo Martín es una comarca aragonesa situada al norte de la provincia de Teruel (España) y recibe su nombre del río Martín, que la atraviesa en su curso bajo, y en cuyas orillas se encuentran la mayoría de las localidades que conforman la comarca: Albalate del Arzobispo, Azaila, Castelnou, Híjar, Jatiel, La Puebla de Híjar, Samper de Calanda, Urrea de Gaén y Vinaceite. La comarca es conocida por estar formada por algunos de los lugares que componen la Ruta del Tambor y Bombo y entre su patrimonio artístico destaca el palacio arzobispal en Albalate del Arzobispo, el Santuario de la Virgen de Arcos, así como las pinturas rupestres del Parque Cultural del Río Martín situadas en los abrigos de Los Chaparros en Los Estrechos (Albalate del Arzobispo), el yacimiento del Cabezo de Alcalá cerca de Azaila, los restos de la villa romana de la Loma del Regadío en Urrea de Gaén, las ruinas del Castillo-Palacio de los Duques de Híjar y la Iglesia de Santa María la Mayor en Híjar.

Como muchos de los lectores del blog de El Artista Multimedia sabrán, el que escribe se siente profundamente arraigado a estas tierras, y este arraigo alcanza su máxima expresión a medida que se van acercando las fechas de la Semana Santa. Es por eso que me gustaría compartir con todos este documental emitido en la cadena regional Aragón Televisión en el que podréis conocer un poco más la historia, las tradiciones y los paisajes de toda esta comarca.

Próximo 19 de Febrero: Concierto de The Rebel Band en la sala Razzmatazz-3 de Barcelona

2011-02-12T17:43:00.007+01:00

Estimados lectores del blog de El Artista Multimedia:

Tengo el enorme placer de anunciaros que el próximo sábado día 19 de Febrero a las 20:00 h. tendrá lugar el debut en directo del nuevo grupo de rock & roll de El Artista Multimedia: The Rebel Band. La cita será en la mítica sala Razzmatazz-3 de Barcelona (C/Pamplona Nº88) donde The Rebel Band compartirá escenario con los grupos catalanes Sin Previsión y Daños y Perjuicios.

The Rebel Band se fundó en el año 2010 y, tras varias entradas y salidas de diferentes músicos en el grupo, la formación definitiva está compuesta por José “Gali” Galipienso en la voz y en el bajo, Sandra Isach en la voz y guitarra, Juan “Pi” Pineda en la guitarra, Luismi “Válvulas” Fernández en la batería y Rubén “El Artista Multimedia” Salvador en la guitarra y coros.

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El Equipo A (Joe Carnahan) 2010

2011-02-06T14:47:00.005+01:00

De unos años a esta parte estamos viviendo un “boom” en lo que a producción y emisión de series televisivas se refiere. Cada vez son más, de temas más variados y con guiones más elaborados las series que se estrenan en televisión, contando todas ellas con innumerables seguidores cuya adicción les hace totalmente incapaces de perderse un solo episodio, llegando incluso a perder horas de sueño por presenciar el estreno mundial de alguno de ellos. Pese a que hay personas que ven absolutamente todas las series habidas y por haber, yo personalmente sólo he sido capaz de seguir “Perdidos”, “Prison Break” y “Deadwood” (por simple curiosidad y sin perder excesivamente el culo, todo sea dicho) y con ellas tengo más que suficiente para saber que, por mucho que el despliegue de medios económicos y el nivel argumental de todas estas nuevas series sea cada vez mayor, entre ellas y las que se estrenaron en la década de los ochenta no hay color. ¿O es que alguien va a intentar compararme “El Equipo A”, “El coche fantástico”, “V” o “El Gran Héroe Americano” con “Perdidos”, “Prison Break”, “The Walking Dead” o “House”? Por favor, eso sería como comparar el jamón de Jabugo con la mortadela de olivas. Después de muchos años de especulaciones y comentarios en foros de Internet, el pasado verano pudimos asistir al estreno del tan esperado “remake” en versión cinematográfica de una de las series más grandes de la historia y la que posiblemente más haya marcado mi infancia y la de muchas otras personas de mi generación: El Equipo A... ¿El resultado?... Sigue leyendo.

Lo primero que tengo que decir como absoluto entendido y purista de El Equipo A que soy, es que este mal llamado Equipo A del año 2010 no es El Equipo A. Sí, sus protagonistas son cuatro veteranos de guerra americanos llamados John “Hannibal” Smith, Templeton Peck “Fénix”, Murdock y M.A. Baracus que son acusados de un delito que no han cometido y que dicen frases como “Me encanta que los planes salgan bien”, “¡Yo no subo a un avión!” y “¡Cállate, loco!”, pero desde el minuto uno todo cruje de manera descomunal. Y no es sólo porque obviamente Liam Neeson, Bradley Cooper, Charlto Copley y Quinton “Rampage” Jackson no sean George Peppard, Dirk Benedict, Dwight Schultz y Mr. T, sino porque incomprensiblemente el iluminado de Joe Carnahan ha variado determinados aspectos totalmente invariables en la historia de El Equipo A. De acuerdo, si quieres puedes hacer que no sean veteranos de la Guerra del Vietnam sino veteranos de la Guerra del Golfo, pero hay cosas que no puedes cambiar si quieres que la película se llame El Equipo A como, por ejemplo, hacer que algunos de los miembros del equipo sean completos desconocidos entre sí o, lo más intolerable, degradar al Sargento Baracus a Cabo Baracus. ¡Por el amor de Dios, eso sí que es digno de salir a la calle a manifestarse!

Independientemente de los purismos, El Equipo A es la clásica película de acción americana con altas dosis de tiros, cañonazos, explosiones y efectos especiales, de esas que te hacen pasar un rato distraído delante de la pantalla, pero poco más. Hay escenas verdaderamente espectaculares y atractivas para la vista, pero que nadie espere un peliculón. Lo que está claro es que, si en lugar de ser un “remake” de El Equipo A hubiera llevado otro nombre y sus personajes no hubieran sido los que son, esta película no hubiera tenido ni la más mínima repercusión mediática y ahora mismo ni yo (que escribo hasta de la mierda más gorda que pasa por mis ojos) estaría escribiendo sobre ella.

En cuanto al trabajo de los actores, hay que decir que todos ellos interpretan bastante dignamente las personalidades de los personajes a los que encarnan. Era difícil hacer creíble a un Hannibal Smith que no fuera George Peppard, a un M.A Baracus que no fuera Mr. T, a un Fénix que no fuera Dirk Benedict o a un Murdock que no fuera Dwight Schultz, pero, dejando al margen la desgracia de guión que les han escrito, Liam Neeson, Quinton “Rampage” Jackson, Bradley Cooper y Charlto Copley lo han conseguido y con bastante éxito.

En definitiva, podríamos resumir El Equipo A como una película de acción entretenida pero bastante normal, con unos buenos actores interpretando a unos personajes entrañables que forman parte de la historia de la televisión. Como adaptación de la serie, una puta mierda.

En este año 2011... ¡Todos con “La Roja”!

2011-01-17T20:58:00.011+01:00

El año 2010 será recordado durante toda la vida por ser el año de la consecución del Mundial de fútbol por parte de “La Roja”. Pues bien, este año 2011 no puede ser menos y “La Roja” ha de llevarse no un Mundial sino dos. Sí, ya sé que los Mundiales de fútbol se celebran cada cuatro años y que es imposible ganar dos Mundiales de fútbol en un mismo año, pero... ¿Quién está hablando aquí de fútbol? Este año 2011, con la lección aprendida después de la cagada estrepitosa del año pasado llevada a cabo por el equipo Ferrari de Fernando Alonso y con el fichaje de Valentino Rossi por el equipo Ducati, el espíritu de “La Roja” volverá a resurgir y estoy convencido de que tanto Alonso como Rossi se alzarán nuevamente con los mundiales de Fórmula 1 y Moto GP respectivamente. Y alguno pensará: “¡Pero si Valentino Rossi no es español, es italiano! ¿Qué pasa con Jorge Lorenzo?”... ¡¡¡¡Baaaaaaaah!!!... ¡¡¡A Jorge Lorenzo que le den por culo!!!... ¡¡¡Yo soy de “La Roja”!!!

Autor: MotoGP.

Enrique Bunbury (Bio Channel)

2011-01-10T17:04:00.010+01:00

Aprovechando la finalización de la última gira de Enrique Bunbury comentada en mi anterior crónica del concierto del Gran Teatre del Liceu, me gustaría rescatar para todos los lectores del blog el siguiente documental sobre su carrera musical en solitario. En él, el propio Enrique, el periodista Juanjo Ordás y algunos compañeros de profesión y de fatigas como Loquillo, Nacho Vegas, Pedro Andreu, Raphael o Santi Rex, hablan largo y tendido sobre su trayectoria, sus discos y sus cualidades como músico, cantante y compositor de canciones. Este documental fue emitido por el canal Bio Channel y recientemente ha sido publicado en el canal oficial de YouTube de Enrique Bunbury, del cual han sido extraídos cada uno de los siguientes cuatro fragmentos.

Concierto de Enrique Bunbury (Gran Teatre del Liceu, Barcelona) 08/12/2010

2011-01-05T11:58:00.006+01:00

Enrique Bunbury roza la excelencia ante su público catalán y un montón de gilipollas

Estaba convencido de que ya no iba a ver a Enrique Bunbury en su gira “Las Consecuencias Tour” a su paso por Barcelona. La verdad es que su concierto no despertó en mí demasiado interés cuando, meses atrás, fue anunciada su celebración para el día 10 de Diciembre en el Gran Teatre del Liceu como despedida y cierre de su gira internacional. “Las consecuencias”, el álbum que Bunbury venía a presentar en esta gira, no me acabó de convencer cuando fue publicado, pero como Bunbury es de esos artistas que nunca defraudan en directo y que siempre dan lo mejor de sí cuando se suben a un escenario, no sabía si animarme a comprar una entrada o no. Cuando los medios de comunicación publicaron la noticia de que las entradas se habían agotado en pocas horas, automáticamente me olvidé por completo del concierto dando por hecho que ya no iba a asistir a “Las Consecuancias Tour”. Fue durante el mes de Septiembre cuando recibí la llamada de mi prima Marta para decirme que, al agotarse las entradas del día 10 de Diciembre, se había anunciado un segundo concierto de Bunbury en Barcelona para el día 8 de Diciembre, también en el Liceu, así que si me hacía gracia ir a verlo ella me invitaba. Como no podía ser de otra forma, acepté gustosamente la invitación, así que sin comerlo ni beberlo el pasado día 8 de Diciembre me planté en el Gran Teatre del Liceu para presenciar el penúltimo concierto de la gira “Las Consecuencias Tour” del incombustible Enrique Bunbury.

Debido a mis problemas de movilidad comentados en artículos anteriores, llegué al Gran Teatre del Liceu con bastante antelación y, todavía con las luces principales encendidas, desde mi posición pude divisar la presencia de Pep Blay, autor de la biografía autorizada de Bunbury “Enrique Bunbury. Lo demás es silencio”, así como una importante cantidad de lo que ha dado en denominarse “Gilibunburys”, esa variedad de homo sapiens similar al homo sapiens común que padece una extraña y severa alteración en sus facultades mentales. Los “Gilibunburys” son seres que se encuentran tan mimetizados con Enrique Bunbury y tan imbuidos por la forma de vestir, gesticular y comportarse de su gurú, que definitivamente han acabado viviendo en un plano diferente y totalmente alejado de lo que comúnmente se conoce como realidad, dentro del cual ellos mismos creen ser Enrique Bunbury y, lo más asombroso, que ellos mismos son los que se encuentran actuando en el escenario y no el propio Enrique Bunbury en persona. Este comportamiento enseguida se pondría de manifiesto el pasado día 8 de Diciembre cuando, tras dos anuncios de prohibición del uso de cámaras fotográficas y de vídeo, las luces del Gran Teatre del Liceu se apagaron para dar comienzo al show.

Como viene siendo habitual en todas las actuaciones que tienen lugar en el Liceu, el inicio del concierto fue estrictamente puntual. Sobre las 21:00 horas, Álvaro Suite, Jordi Mena, Robert Castellanos, Ramón Gacías y Jorge Rebenaque, los denominados “Santos Inocentes”, ocupaban sus posiciones para que, segundos más tarde, con sombrero de ala y traje negro con adornos pokerísticos en rojo, apareciera Enrique Bunbury de detrás de un haz de luces blancas subido encima de una plataforma situada en la parte central del escenario como si del Espíritu Santo se tratase. Con el público totalmente enloquecido, incluso yo diría que en exceso para el ambiente tranquilo y de exquisitez sonora del que se podía disfrutar en semejante entorno, Bunbury y los suyos interpretaron un primer set de temas compuesto por “Las consecuencias”, “Ella me dijo que no”, “De todo el mundo”, “Frente a frente” y “Los habitantes”, todos ellos extraídos de su último trabajo discográfico “Las consecuencias”.

Transcurrido este primer bloque de temas íntimos de su último disco, el concierto dio un giro para pasar a convertirse a partir de ese momento en una recopilación de grandes éxitos de ayer y hoy de Enrique Bunbury. Y es que los trece años de carrera en solitario que ya lleva a sus espaldas Enrique Bunbury han dado para que su repertorio esté plagado de temas que ya podrían considerarse clásicos del pop-rock español. Así pues, los siguientes temas en sonar fueron prácticamente uno de cada una de sus etapas: “Enganchado a ti”, la nueva versión de “El extranjero” con Jordi Mena tocando el banjo, el tema compuesto para Raphael que posteriormente fuera grabado por Bunbury “Desmejorado”, la versión pseudo-funky de “Alicia expulsada al País de las Maravillas” y el tema en cuyo videoclip hinchan a hostias a Enrique Bunbury “Hay muy poca gente”.

Llegados a este punto, Enrique quiso hacer un guiño a sus orígenes interpretando el tema “Senda” de Héroes del Silencio, tema que sería de los más aclamados de toda la noche y que serviría como homenaje al mítico álbum “Senderos de traición” que cumple veintiún años desde su publicación. Después de la catarsis generada en el Liceu tras la canción de los definitivamente extintos Héroes del Silencio, el ritmo del concierto fue decreciendo paulatinamente con temas como “Que tengas suertecita” (uno de los pocos de “El viaje a ninguna parte” en sonar en este concierto), “Sólo si me perdonas” y “Sácame” de aquí”. Tras este momento de relajación, el ambiente volvería a caldearse de nuevo con “Sí” que vendría seguido de la nueva adaptación de “Infinito”, más rockera y con mucho más peso de las guitarras eléctricas en su sonido que la versión original. Ambas canciones fueron interpretadas sin apenas separación entre la una y la otra, prácticamente a modo de “medley”.

Enrique agradeció al Gran Teatre del Liceu la cesión de sus instalaciones para la celebración de un concierto de rock and roll por tercera vez en su carrera, y para ello interpretó su versión de “Apuesta por el rock and roll”, tema compuesto por los músicos aragoneses Mauricio Aznar y Gabriel Sopeña. Tras este clásico de la banda Más birras, Bunbury y los Santos Inocentes abandonarían el escenario para regresar al cabo de pocos minutos a realizar un mini “bis” compuesto por “El rescate”, la pesadísima “El hombre delgado que no flaqueará jamás” y la versión hard-rockera de “Lady Blue”. Tras ellas, los músicos volverían a retirarse. A decir verdad no entendí muy bien este “bis” tan corto ya que estos tres temas bien podrían haberse repartido en dos bloques de canciones algo más extensos y así no tener que interrumpir la actuación en dos ocasiones.

Tras un breve descanso el concierto inició su recta final con toda la banda subida en la plataforma central del escenario interpretando la siempre emotiva “Canto… el mismo dolor” con un magnífico Jordi Mena en la guitarra española. Tras ella vendría “Porque las cosas cambian” y, como brillante colofón, el tema que viene siendo habitual en los cierres de los conciertos de Enrique Bunbury: “Al final”

Una vez más, Enrique Bunbury alcanzó la perfección en su actuación de Barcelona del pasado día 8 de Diciembre. Su profesionalidad, su talento interpretativo y su cada vez mejor voz se multiplicaron por diez en un entorno de la calidad del Gran Teatre del Liceu. Si bien es cierto que Enrique Bunbury en directo siempre roza la excelencia, toque en el Liceu, en el Palau Sant Jordi, en La Romareda o en el párking del circuito Ricardo Tormo de Cheste, el Gran Teatre del Liceu es un lugar en el que la música en directo se disfruta de una forma muy especial debido, tanto a las propiedades acústicas del lugar como a la majestuosidad del recinto en sí. Eso siempre y cuando una manada de gilipollas sin vacunar como lo son muchos de los seguidores de Bunbury no estropee la magia que allí se crea a base de gritos estúpidos interrumpiendo al propio artista en sus presentaciones, cantos desafinados y movimientos espasmódicos en la butaca de delante. Parece ser que hay gente que no entiende el concepto “teatro” y el concepto “butaca”, y es que hay gente a la que lo mismo le da estar en el Liceu, que en Bikini, que en Razzmatazz o que en la discomóvil de La Puebla de Híjar, porque definitivamente la gilipollez no entiende de música.

Feliz Modernidad

2010-12-21T22:08:00.003+01:00

Entre tanto derroche consumista y tanta campaña publicitaria en torno a ella, seguro que a más de uno se le ha olvidado el verdadero motivo de la celebración de la Navidad. La Navidad comenzó a celebrarse en Constantinopla a medidados del siglo IV, concretamente en el año 379, y no es otra cosa que la conmemoración del nacimiento de Nuestro Señor Jesucristo. Debido a la pluralidad cultural, étnica y religiosa que empieza a haber en los países de tradición históricamente cristiana, es probable que dentro de no mucho tiempo toda la historia de la anunciación del Arcángel Gabriel a la Virgen María, del nacimiento del niño Jesús en un humilde establo de Belén y del viaje de los Reyes Magos de Oriente guiados por una estrella fugaz, deje de ser explicada en las escuelas para acabar siendo olvidada por completo.

Pero de todos aquellos que habéis crecido en mi generación y que todavía recordáis aquellos pasajes navideños que tantas veces nos habrán explicado en casa y en el colegio cuando se aproximaban estas fechas, ¿alguno se ha preguntado alguna vez cómo hubiera sido la historia si en lugar de tener lugar hace más de dos mil años hubiera transcurrido en la actualidad? Pues por lo visto en la empresa portuguesa Excentric sí se lo han planteado y por ello han confeccionado el siguiente vídeo donde se recrea con todo lujo de detalles la historia de la Natividad de Jesús si ésta tuviera lugar en plena era digital.

El Caganer

2010-12-19T15:09:00.026+01:00

Ya ha llegado la Navidad. En estos días tan señalados, las calles se llenan de luces, los niños ensayan sus representaciones en el colegio, la gente hace cola en las administraciones de Lotería, las empresas celebran sus cenas de hermandad y Televisión Española anuncia el especial de Raphael para el día de Noche Buena. Como cada año, durante las próximas dos semanas quien más quien menos decorará su casa con todo tipo de adornos e imaginería relacionada con la Navidad. Así pues, los abetos engalanados con bolas brillantes, bombillas intermitentes y estrellas purpurinoides, se entremezclarán en hermosa sintonía con tiras de espumillón colgando de las estanterías, con muñecos de Papá Noel trepando por los balcones y, cómo no, con los eternos Belenes en los que el niño Jesús, San José, la Virgen María, e infinidad de animales, pastorcillos y otros personajes, formarán en nuestros hogares preciosos dioramas navideños.

Hablando de Belenes, estas Navidades quisiera prestar especial atención a un personaje que podemos encontrar en la mayoría de Belenes de mi Cataluña natal. Me estoy refiriendo al Caganer. Básicamente, el Caganer es una figura del Belén originaria del siglo XVII que representa a un tío cagando. En efecto, en Cataluña, además del niño Jesús, San José, la Virgen María, la mula y el buey, también ponemos a un tío vestido con el traje típico catalán (camisa blanca, chaleco, faja y barretina) con los pantalones bajados, en cuclillas y cagando como si se acabara el mundo. Los no catalanes se preguntarán: ¿Pero por qué? Pues dicen que el Caganer es un símbolo de prosperidad y de buena suerte para el año entrante puesto que con sus heces ayuda a fertilizar la tierra, pero a mí que no me jodan que el Caganer es simple y llanamente un tío cagando y punto.

Como imagino que alguno de los miles de millones de lectores que siguen el blog de El Artista Multimedia no sabrán de qué narices estoy hablando, a continuación adjunto una fotografía de este elemento “Punk-Rock-Navideño” tan característico de las tierras catalanas, tomada por mi hermano directamente de nuestro particular Belén familiar. Porque una imagen vale más que mil palabras.

Autor: Daniel, catalán de pura cepa.

Bienvenidos - Un tributo a Miguel Ríos (V.V.A.A.) 2009

2010-12-08T12:33:00.010+01:00

Si en Estados Unidos existe la dicotomía entre los que piensan que el Rey del Rock es Elvis Presley y los que piensan que lo es Chuck Berry, en España lo tenemos bastante más claro puesto que nuestro particular Rey del Rock es indiscutiblemente y sin ningún lugar a dudas Miguel Ríos. Ha habido algunos grupos y artistas que han hecho mucho por el rock and roll de este país como han podido ser Tequila!, Loquillo y Trogloditas, Héroes del Silencio o algunos otros, pero si tuviéramos que remontarnos al origen de todo seguramente llegaríamos al año 1962 cuando un joven Mike Rivers grabó en su Granada natal una primera maqueta tras la cual viajaría a Madrid para registrar su primer EP y comenzar así una larga carrera musical de la que saldrían temas tan legendarios como “Popotitos”, “El rock de la cárcel”, “El río”, “Vuelvo a Granada”, “El himno de la alegría” o “Bienvenidos”. Durante este año 2010, con sesenta y seis años de edad y tras cuarenta y ocho años de carrera, Miguel Ríos ha llevado a cabo una gira de despedida previa a su retirada definitiva de los escenarios, pero antes, veintitrés artistas españoles procedentes de distintas generaciones y distintos géneros musicales grabaron “Bienvenidos - Un tributo a Miguel Ríos”, un merecido disco homenaje al que sin duda es el padre musical de muchos de ellos y compañero de fatigas de otros tantos.

Entre los que se mueren, los que se retiran y los que siguen vivos pero cuyos homenajes son rentabilísimos para las compañías discográficas, en los últimos meses están llegando a nuestros oídos un sin fin de discos tributo, no siempre de la mejor calidad musical que uno puede llegar a esperar. No es ejemplo de esto último “Bienvenidos - Un tributo a Miguel Ríos”, un disco en el que lo más granado de la música española ha dejado su rúbrica personal interpretando algunas de las muchas canciones que componen el repertorio de Miguel Ríos. Se echan de menos algunos temas como “El himno de la alegría” o “Bienvenidos” sin ir más lejos, pero quizás nadie se haya querido atrever ni siquiera a tocar un acorde de estos iconos musicales por miedo a las posibles críticas. Aún así, temas como “Santa Lucía”, “El río”, “Año 2000”, “Directo al corazón” o “El blues del autobús” sí que han sido versionados de una forma más que decente alejándose bastante de las versiones originales pero sin ocasionar el típico rechine de dientes que uno sufre cuando escucha a alguien destrozar una canción.

En este disco hay dos grupos de artistas claramente diferenciados: Los compañeros y los discípulos de Miguel Ríos. En el primer grupo podemos encontrar a gente como Joan Manel Serrat, Ana Belén, Víctor Manuel, Joaquín Sabina, Rosendo o Javier Rubial, artistas que sin ser coetáneos ni haber compartido género musical con el homenajeado (aunque en algunos casos sí escenario), han convivido con él durante muchos años en el panorama musical español y han querido unirse al disco como muestra de reconocimiento de la carrera de su compañero. En el grupo de los discípulos tenemos a gente como Loquillo, Bunbury, M-Clan, Pereza, Revólver, Amaral, Mikel Erentxun, Celtas Cortos, Jorge Salan, Quique González, Los Secretos, Seguridad Social, Iván Ferreiro, Chambao, Javier Ojeda, Rebeca Jiménez y hasta los mismísimos Mojinos Escozíos. Dando un repaso rápido a todos estos nombres uno puede pensar que están absolutamente todos los que tienen que estar, aunque quizás yo eche en falta a gente como Jaime Urrutia, Fito & Fitipaldis o Dani Martín de El Canto del Loco, este último no porque me gustaría que estuviese sino porque últimamente no se pierde ni un disco tributo. Debido a su origen andaluz tampoco hubiera estado mal una representación del flamenco en este disco con la presencia de José Mercé, Enrique Morente o en un estilo menos clásico la de Raimundo Amador por poner algún ejemplo, pero claro, entonces ya no sería suficiente con un disco doble.

En general “Bienvenidos - Un tributo a Miguel Ríos” es un disco que sin esperar demasiado de él a mí me ha gustado y con cuya escucha he disfrutado mucho. Evidentemente siempre hay canciones a las que les sienta mejor que a otras un lavado de cara o directamente una cirujía plásticomusical, pero esto ya es cuestión de gustos y depende de cada oyente, así que recomiendo a todos los lectores del blog que se hagan con él y juzguen por ellos mismos.

Big City Nights

2010-12-03T10:26:00.009+01:00

He llegado a la conclusión de que en esta vida es mejor no hacer planes e ir haciendo las cosas día a día y según van viniendo. Llevaba desde el mes de Marzo con una carga de trabajo brutal y estaba deseando acabar el proyecto en el que estaba trabajando y que llegara el puente de la Constitución para pegarme nueve días de descanso y aprovechar para asistir a una serie de eventos a los cuales tenía muchas ganas de ir: La fiesta de despedida de una amiga que se va a vivir a Nueva York, el concierto de Bunbury en el Liceo y el concierto de Fito & Fitipaldis en el Palau Sant Jordi. El fin de semana pasado, pocas horas más tarde de acabar el proyecto que me ha mantenido tan ocupado y estresado durante los últimos ocho meses, ¡clack!, me rompí el pie de la manera mas tonta posible, así que aquí estoy descansando del trabajo como quería, sí, pero casi sin poderme mover más allá de la cama al baño y del baño al cuarto de estar. En esta situación, no me queda otra que resignarme y despedirme de todos mis planes con la única preocupación ahora de que esto se me cure de la mejor manera posible y de empezar a trabajar cuanto antes mejor.

El vídeo que adjunto a continuación no sé muy bien lo que es. Creo que es una especie de corto dirigido por Spike Jonze en el que el dúo techno parisino Daft Punk pone la música. En él, un pobre perro humanoide con la pierna escayolada va caminando por la calle portando un radiocassette en el que no para de sonar el tema “Da Funk” y al cual no paran de pasarle putadas. No entiendo muy bien el significado real del vídeo porque creo que no lo tiene, pero al verme por primera vez en mi vida con la pierna escayolada he recordado este clásico de los 90 y me ha hecho gracia ponerlo aquí.

Alan Boguslavsky

2010-12-01T11:19:00.016+01:00

Son varios los artículos que he dedicado en los últimos meses a la banda logroñesa Marcalma, una banda que inició su andadura musical en el año 2008 con Edu Sánchez en la voz, teclados y guitarra rítmica, Dan Díez en la guitarra principal, Salva Honrubia en el bajo y David Sierra en la batería. Los pasados meses de Octubre y Noviembre Marcalma fueron noticia al ser anunciadas su actual gira española y la reciente reestructuración de la formación incorporándose a ella Paco Tánker en la batería y el mexicano Alan Boguslavsky en la guitarra rítmica. Alan alcanzó la fama internacional tras su paso por Héroes del Silencio como guitarrista de apoyo durante los últimos años del grupo antes de su disolución, pero ¿qué había hecho Alan Boguslavsky antes de pasar por Héroes del Silencio y qué fue de él hasta su entrada en Marcalma? A continuación intentaré despejar estas dudas.

Alan Boguslavsky nació el 18 de Mayo de 1965 en Los Ángeles (California) pero pasó toda su vida en Ciudad de México. Sus primeras lecciones de guitarra las recibe de un primo suyo que le enseña a tocar los temas “Hotel California” de The Eagles y “Wish you were here” de Pink Floyd, pero cuando realmente aprende a tocar la guitarra es durante un viaje que emprende por Europa sin más equipaje que una mochila y una guitarra, durante el cual se ve obligado a aprender a tocar muchas canciones para poder ganarse la vida.

Cuando Alan regresa a México después de su aventura europea monta su primer grupo, una banda de rock llamada El Huitlacoche con los que llega a grabar un disco que saldría publicado mucho más tarde de su grabación, concretamente en el año 1993. Más tarde abandona El Huitlacoche y se une al grupo mexicano Kenny y los Eléctricos. En 1991, en una fiesta en casa de Kenny (la vocalista de su grupo), Alan conoce a Pedro Andreu (batería de Héroes del Silencio) y a Pito (por aquel entonces manager de Héroes del Silencio), los cuales le invitan a asistir a un concierto del grupo que se encontraba promocionando el disco “Senderos de traición” por tierras mexicanas.

Tras la grabación de “El espíritu del vino” en el año 1993, Héroes del Silencio deciden buscar un guitarrista de apoyo para los conciertos debido a que en el nuevo disco Juan Valdivia había introducido muchas guitarras y un único guitarrista en los directos no iba a ser suficiente. La única condición que se plantean Héroes del Silencio a la hora de elegir al nuevo músico que iba a acompañar al grupo en su siguiente gira era que éste no fuera ni de Zaragoza (por el trastorno que le supondría a un chico de Zaragoza unirse al grupo), ni de Madrid (por la gran rivalidad que hubo siempre entre Héroes del Silencio y el panorama musical madrileño). Es entonces cuando Alan recibe una llamada de Héroes del Silencio desde Londres pidiéndole que se incorpore cuanto antes a los ensayos de la gira “El camino del exceso” sin haberlo escuchado tocar antes ni haber pasado previamente por ninguna prueba musical.

Alan debuta en directo con Héroes del Silencio el 29 de Septiembre de 1993 en la ciudad de Cascais (Portugal) y desde entonces ya no abandonaría el grupo hasta su disolución en el año 1996. Durante su estancia en Héroes del Silencio Alan participa en toda la gira “El camino del exceso”, en la grabación de “Avalancha”, el siguiente álbum del grupo publicado en 1995, y en las consiguientes giras promocionales del disco durante los años 1995 y 1996. Alan siempre reconoció no ser parte del grupo pero sentirse uno más cuando tocaba con ellos.

Una vez disueltos Héroes del Silencio, en 1997 Alan Boguslavsky es reclutado por Enrique Bunbury para acompañarle como guitarrista principal en su nuevo proyecto musical compartiendo formación con otros músicos como Copi Corellano (teclados), Ramón Gacías (batería) y Del Morán (bajo). Alan participa en la grabación y composición de los temas del primer álbum en solitario de Bunbury titulado “Radical Sonora” cuya gira de promoción le lleva a tocar por toda España y algunos países de Europa y América Latina. En 1998, una vez finalizada la gira, Alan inicia el proyecto Bogusflow junto a Copi y Ramón Gacías, un proyecto de rock cuyas composiciones y letras en inglés recuerdan a artistas americanos de la talla de Jeff Buckley, Ben Harper o P.J. Harvey entre otros. Con Bogusflow Alan debuta como líder de una formación ejerciendo las labores de compositor, vocalista y guitarrista, y llega a grabar un disco homónimo y a salir de gira por diferentes ciudades españolas. Lamentablemente Bogusflow no tiene continuidad y la formación se disuelve en el año 1999 cuando Enrique Bunbury inicia la grabación de “Pequeño”, su segundo disco en solitario, para el cual vuelve a contar con Copi y Ramón Gacías pero esta vez no con Alan.

Después de unos años de inactividad, en el año 2001 Alan Boguslavsky vuelve a soprender a sus seguidores con la publicación de “The art of waiting”, su primer disco totalmente en solitario. “The art of waiting” es un disco acústico grabado de forma autónoma en el estudio doméstico del propio Alan, el cual está compuesto por diez temas muy íntimos en los que su voz y sus guitarras son los únicos protagonistas. Según palabras del propio Alan, “The art of waiting” es un simple manifiesto de existencia, la fotografía de un momento, un instante capturado y presente.

En 2003 Alan une sus fuerzas a las del zaragozano Alfonso Casanovas y juntos crean un nuevo proyecto musical llamado E.B.A. con el que graban el disco titulado “Explendid Behaviour Arrival”, un disco que no tuvo demasiada repercusión mediática pero que posiblemente sea el proyecto de más calidad musical de toda la carrera de Alan Boguslavsky en solitario. Podría decirse que “Explendid Behaviour Arrival” es un disco que oscila entre el pop, el rock y el folk estadounidense, muy similar en estilo al desarrollado por Alan años atrás con Bogusflow pero en el que también se mezclan ligeramente estilos como el reggae o el funky.

Tras pasar algún tiempo dedicado a colaborar y a producir a jóvenes artistas zaragozanos, en el año 2005 Alan decide dejar la ciudad de Zaragoza en la que llevaba instalado desde su incorporación a Héroes del Silencio y vuelve a México donde continúa realizando labores de producción y grabación para músicos noveles mexicanos. Allí también aprovecha para publicar el disco “Flautas Lakotas”, un disco de meditación compuesto por seis temas interpretados con flautas indias que fue grabado por Alan en el año 1998 tras la disolución de Héroes del Silencio pero que hasta entonces no pudo ser publicado. En el año 2006 Héroes del Silencio anuncian su regreso a los escenarios para realizar una gira de once conciertos pero esta vez deciden no contar con Alan como guitarrista de apoyo siendo Gonzalo Valdivia (hermano de Juan Valdivia) su substituto.

En el año 2008 Alan Boguslavsky funda una nueva banda llamada Los Milky Brothers junto a Francisco Familiar (voz y guitarra), Gustavo Lozano (bajo), Antonio Hérnandez (guitarra) y Carlos Borunda (batería), todos ellos veteranos músicos de la escena rock mexicana componentes o ex-componentes de bandas de la talla de Dildo, el Huitlacoche, Kenny y Los Eléctricos, Forceps, Branda, Gato Madre, Yama o Estrambóticos entre otros. Los Milky Brothers es una banda de puro rock and roll que nace sin más pretensiones que la de tocar para ellos mismos pero que su energía, su garra y su puesta en escena les lleva incluso a telonar a los mismísimos Deep Purple. Un año después de su fundación y con no pocas dificultades por parte de las casas discográficas, Los Milky Brothers consiguen publicar su primer EP titulado “Su lechita y a dormir”, un EP que contiene únicamente cuatro temas, tres de los cuales pertenecen al disco “Explendid Behaviour Arrival” del proyecto E.B.A. que años atrás liderase Alan.

El pasado mes de Octubre Alan Boguslavsky entró a formar parte del grupo Marcalma con el cual actualmente se encuentra de gira por algunas capitales españolas. En los próximos meses Marcalma desembarcarán en México para iniciar la gira por el país de Alan. Esperemos que el nuevo proyecto de este polifacético artista y de todos sus compañeros de formación sea un auténtico éxito que, a juzgar por la calidad musical de todos los componentes del grupo, no me cabe ninguna duda de que lo será.

Páginas web oficiales:
http://www.myspace.com/alanboguslavsky
http://www.myspace.com/marcalma
http://www.myspace.com/losmilkybrothers

Próximo día 2 de Diciembre en Málaga, concierto de presentación del nuevo disco de Perro Chico y Los Perros Calientes

2010-11-24T19:42:00.006+01:00

El próximo Jueves día 2 de Diciembre, la banda malagueña Perro Chico y Los Perros Calientes tendrá el placer de presentar en directo su nuevo trabajo discográfico titulado “Desde Málaga con amor”. El evento tendrá lugar en la sala La Caja Blanca de la ciudad de Málaga (Av/ Editor Ángel Caffarena Nº8) y dará comienzo sobre las 21:00 horas.

En la actualidad Perro Chico y Los Perros Calientes son: Perro Chico (guitarra, voz y coros), Perro Viejo (guitarra, voz y coros), Perro Nene (guitarra y coros), Perro Chihuahua (viola, xilófono, percusión y coros), Perro Toy (bajo, teclados, efectos y coros), Perro Sax (saxofón, flauta y coros), Perro Trilero (saxofón, coros y prestidigitación), Perro Peluca (batería, percusión y coros), Perro Casanova (batería, percusión y coros), Perra Dálmata 102 (gogó, flauta y coros) y Perra Dálmata 103 (gogó, parkour y coros).

Para estar al corriente de toda la actualidad sobre Perro Chico y Los Perros Calientes puedes visitar periódicamente su página web oficial a través del siguiente enlace:

· Página web: http://www.perrochicocaliente.com

The heroin diaries (Sixx: AM) 2009

2010-11-21T15:02:00.013+01:00

Nikki Sixx es el bajista y compositor principal de una de las bandas más importantes del glam rock americano de la década de los ochenta: Mötley Crüe. Cualquiera que conozca un poco la trayectoria de Mötley Crüe sabrá que la banda siempre estuvo rodeada de escándalos, de peleas, de sexo, de alcohol y de drogas, como tantas otras bandas de rock de aquella época. El 23 de Diciembre de 1987 Nikki Sixx sufrió una sobredosis de heroína en el cuarto de baño de su casa de la cual consiguió salir con vida gracias a dos inyecciones de adrenalina que le fueron administradas directamente en el corazón por el personal sanitario del centro de salud donde fue ingresado tras haber sido dado por muerto. Después de recuperarse de aquel “incidente”, Nikki Sixx y el resto de los Mötley Crüe decidieron someterse a una cura de desintoxicación y rehabilitarse de sus adicciones. En el año 2007 el propio Nikki Sixx publicó “The heroin diaries: A year in the life of a shattered rock star”, un libro en el que explica su vida durante toda aquella etapa de excesos y consumo desmesurado de estupefacientes. El libro, no sé hasta qué punto real o de ficción porque cualquiera que sepa algo del tema aunque sea de oídas sabrá que durante un periodo de adicción a las drogas tan grande las cualidades mentales de uno no están como para recordar las experiencias vividas y mucho menos para escribir un diario, fue complementado en 2009 con su propia banda sonora, “The heroin diaries soundtrack”, un disco grabado por el grupo Sixx: AM formado por el propio Nixxi Sixx, el guitarrista DJ Ashba y el productor reciclado a cantante James Michael. El libro no me lo he leído ni creo que lo haga, pero el disco sí que lo he escuchado y a continuación procedo a descuartizarlo.

“The heroin diaries soundtrack” pretende ser una especie de ópera rock con el tema del infierno de las drogas y de la vida después de la muerte como telón de fondo, transmitiendo todo él un mensaje de ánimo para alejarse de las dorgas y seguir adelante, mensaje que tiene su punto álgido en el single titulado: “Live is beautiful”… Sí, habéis leído bien, “Live is beautiful”, no había otra frase más arquetípica para ponerla como título del single de un disco así que “Live is beautiful”.

El estilo musical de “The heroin diaries soundtrack” es el resultado de meter en un robot de cocina el hard rock americano de toda la vida, con un poco de heavy instrumental, una pizca de metal industrial y altas dosis de baladitas rockeras babosas con ritmos de guitarra acústica y piano; todo ello aderezado con lecturas del propio diario por parte de Nikki Sixx, una serie de violines y clavicordios enlatados y una batería de efectos de todo tipo como voces de niños, una mujer picando a la puerta del water, sonidos de radio de ambulancia, campanillas, cascabeles, respiraciones aceleradas y todo un cúmulo de sonidos que intentan transmitir sensaciones angustiosas e inquietantes.

A cualquiera que haya escuchado “Metropolis Part. II: Scenes from a memory” de Dream Theater todo esto que estoy diciendo le resultará bastante familiar. Y es que a mi entender la forma en la que ha sido concebido y grabado “The heroin diaries soundtrack” es una burda y pésima copia de la obra maestra de los Dream Theater con la diferencia de que “Metropolis Part. II”, como buena ópera rock, mantenía una línea durante todo el disco dando la sensación de ser todo él una obra única e indivisible, cosa que no han sabido conseguir con este “The heroin diaries soundtrack”.

A mí personalmente todo el disco me parece (además de una mierda pinchada en un palo) un producto artificial y sumamente comercial, empezando por las propias canciones, para mi gusto totalmente carentes de alma, y acabando por la banda. Sixx: AM está compuesta por el guitarrista DJ Ashba (actualmente en los nuevos Guns N’ Roses), cuya imagen parece que haya sido diseñada para que Bandai haga muñequitos con él, y por el cantante James Michael, un tío que se ha dedicado toda la vida a escribir canciones y a grabar discos para otros pero que Nikki lo ha metido ahí a cantar supongo que como parte de una estrategia para que el cantante no tenga más protagonismo que él mismo en todo este proyecto. Total, que mucho cuero, mucho maquillaje, mucha laca, mucho tatuaje, mucha melancolía y mucha posturita y estética goticodecadente, pero poca, muy poca chicha musical.

La isla de las iguanas (Héroes del Silencio)

2010-11-17T21:28:00.006+01:00

Estoy convencido de que hace ocho o diez años muchos fans de Héroes del Silencio hubieran pagado un dineral o incluso se hubieran dado de hostias por conseguir una copia de esta grabación. Gracias a Internet y a YouTube, en los últimos tiempos están viendo la luz una serie de vídeos y grabaciones del grupo aragonés que están haciendo las delicias de todos aquellos seguidores que nos gusta deborar cualquier material de ellos independientemente de su calidad.

El vídeo que adjunto en este artículo es simplemente una actuación televisiva de Héroes del Silencio haciendo un “playback” lamentable en un plató de Televisión Española Aragón grabada allá por 1985 o 1986. Lo curioso de este vídeo es ver a unos jovencísimos Juan Valdivia, Joaquín Cardiel y Pedro Andreu con gesto tímido haciendo como que tocan sin cables ni nada, y a un joven a la vez que ridículo Enrique Bunbury que en aquella época tenía menos gracia que el retrato robot de Mazinger Z. Merecen especial atención el corte de pelo y las vestimentas de Joaquín Cardiel y Enrique Bunbury, y sobre todo la altura a la que lleva colgada la guitarra el propio Enrique, que más que el guitarrista rítmico de un grupo de pop español parece el del medio de Los Panchos.

Espero que disfrutéis de “La isla de las iguanas”, aunque a juzgar por cómo se mueve, la iguana más que en la isla parece que se haya metido en el calzoncillo de Enrique Bunbury.

Próximo día 16 de Noviembre: Concierto de Marcalma en Madrid

2010-11-13T18:08:00.003+01:00

Continúa la gira española de Marcalma con un nuevo concierto. Esta vez la cita tendrá lugar el día 16 de Noviembre en la sala Charada de Madrid. La actuación dará comienzo a las 21:30 horas.

Para escuchar todo el repertorio de Marcalma, saber más sobre el grupo y estar al corriente de todas las noticias, puedes acceder a su MySpece, a su Facebook y a su Twitter a través de las siguientes direcciones:

· MySpace: http://www.myspace.com/marcalma
· Facebook: http://www.facebook.com/marcalma
· Twitter: http://www.twitter.com/marcalma

Adiós Yamaha... ¡Hola Ducati!

2010-11-09T22:21:00.001+01:00

El pasado día 7 de Noviembre, y tras una temporada no demasiado buena para él, Valentino Rossi decía adiós a la escudería Yamaha en la que tantas satisfacciones y tantos domingos de emoción y maestría nos ha regalado a todos sus aficionados. Desde su llegada al equipo japonés en el año 2004 han sido cuatro los Campeonatos del Mundo de la máxima categoría que ha logrado, convirtiendo en competitiva a una marca que en absoluto lo era. Al finalizar su carrera del pasado Gran Premio de la Comunidad Valenciana 2010, Valentino se despedía públicamente de Yamaha tras haber anunciado meses atrás su paso al equipo italiano Ducati.

Esta misma mañana Valentino ha podido probar su nueva moto en el circuito Ricardo Tormo de la localidad valenciana de Cheste, una moto en la que no han podido lucir los colores de Ducati por permanecer todavía en vigor el contrato que vincula a Rossi con Yamaha. Para todos los amantes del Maradona del motociclismo, aquí va una imagen de estos primeros instantes de Rossi en Ducati que prometen ser los primeros de una nueva época gloriosa para el piloto de Urbino.

Autor: MotoGP.

IV Edición del Zafán Rock (La Puebla de Híjar, Teruel 02/10/2010)

2010-11-06T23:26:00.023+01:00

Miércoles bien regresa a los escenarios en tierras aragonesas

La Puebla de Híjar es una localidad turolense de aproximadamente mil habitantes situada a unos 78 kilómetros de la ciudad de Zaragoza, capital de la comunidad autónoma de Aragón. Pese a ser una población relativamente pequeña, son diversos los eventos ocio-culturales que tienen lugar en ella a lo largo del año. Además de pertenecer a la Ruta del Tambor y Bombo y de tener una de las Semanas Santas más importantes tanto de Aragón como de España, en La Puebla de Híjar también son de gran importancia otros acontecimientos como por ejemplo las fiestas patronales de Agosto, la celebración del día del Pilar, la semana cultural que tiene lugar durante el puente de la Constitución, la romería de San Isidro y en los últimos años el “Zafán Rock”.

El “Zafán Rock” es un festival de rock promovido y organizado por la Asociación Cultural “La Damiana”, un colectivo juvenil de la localidad responsable de la organización de esta y otras actividades culturales, musicales y deportivas. En él, una noche al año se celebra toda una exaltación del rock con la actuación en directo de grupos venidos de diferentes puntos de Aragón. El pasado día 2 de Octubre tuvo lugar la cuarta edición del “Zafán Rock” y en ella intervinieron el grupo de Belchite 20 de Kopas, el grupo de Alcañiz Skandalo Públiko y los propios Miércoles bien que, pese a ser de Barcelona, fueron invitados a participar en el evento debido a la estrecha relación que su guitarrista Rubén mantiene con La Puebla de Híjar.

Que el grupo estuviera disuelto desde su último concierto del día de Sant Joan en Barcelona y que Jose, guitarrista principal y compositor del grupo, se encontrase residiendo definitivamente en Bélgica, no fueron motivos suficientes para impedir que Miércoles bien al completo y una decena de incondicionales seguidores que ya acompañaron al grupo cuando actuaron en Málaga el pasado mes de Febrero, se desplazasen a La Puebla de Híjar para estar presentes en el “Zafán Rock”, produciéndose así el reencuentro de la banda y su regreso a los escenarios después de tres meses y medio. Así pues, tras ensayar una única vez con Jose el día antes del concierto, Miércoles bien llegaron a La Puebla de Híjar el mismo 2 de Octubre sobre las 19:00 horas de la tarde, y allí encontraron a Marcos, Natxo, Adrián y a toda la gente de la Asociación Cultural “La Damiana” acabando de montar en la Casa de Cultura “El Granero” el espectacular equipo de luz y sonido que iba a ser utilizado por todos los grupos participantes en el festival.

Después de las pruebas de sonido y de unos breves ensayos generales, todos los grupos fueron invitados a cenar por parte de la organización del evento y sobre las 00:15 horas se dio inicio a la cuarta edición del “Zafán Rock” con la actuación de Miércoles bien. En esta ocasión el grupo no tuvo tiempo de preparar ningún tema especial como sí ocurrió en el concierto de Málaga, ni ninguna “performance” como ya hicieran en la sala Distrito Cinco de Barcelona; de manera que Miércoles bien repitió el mismo repertorio que ya desplegaran en su último concierto de la sala Alfa de Barcelona con el tema “So lonely” de The Police incluido. Durante toda la actuación el grupo sonó bien y se sintió cómodo encima del escenario. No podía ser de otra forma debido a la enorme calidad del equipo y a la gran labor de los dos técnicos de sonido venidos de Alcañiz para la ocasión.

Fue una lástima que al principio del concierto no hubiera tanta gente entre el público como sí la hubo a partir de la segunda mitad de éste, pero al tocar en primer lugar era algo previsible puesto que en un festival de estas características el público no es puntual como pueda serlo en cualquier concierto de un grupo consagrado. Aún así, a medida que el grupo iba interpretando los diferentes temas clásicos que componen su repertorio, la frialdad inicial del público asistente se fue convirtiendo en entrega, y al final de la actuación todo fueron felicitaciones para Miércoles bien, tanto por la puesta en escena como por la propia elección de cada uno de los temas.

El siguiente grupo en subir al escenario fueron los belchitanos 20 de kopas, una banda que el mes anterior había celebrado el vigésimo aniversario de su fundación. A lo largo de sus veinte años de carrera, 20 de kopas ha ido renovando sus componentes en diferentes ocasiones, manteniéndose fijos en la formación los dos guitarristas Donato Ordovás y Alberto Serrano. Las dos décadas de andadura musical de Donato y Alberto sumadas a la frescura y desparpajo sobre el escenario de su joven vocalista Gloria Morella y a la contundencia en las bases rítmicas de Óscar Gutiérrez en la batería y Fernando “Lolo” Artigas en el bajo, hicieron que la actuación que 20 de kopas ofreció en el “Zafán Rock”, una actuación en la que el grupo llevó a escena un repertorio de puro hard rock basado en los temas de su último disco “La vida no me da”, estuviera cargada de energía y resultara musicalmente impecable.

El último grupo en intervenir fue Skandalo Públiko, un grupo de ska venido desde Alcañiz en cuya formación, además del quinteto clásico de voz, dos guitarras, bajo y batería, destaca la presencia de una sección de vientos compuesta por trombón de varas y trompeta. A pesar de la juventud de todos los miembros de la banda, Skandalo Públiko es un grupo con muchas tablas encima del escenario y su actuación fue un claro reflejo de que se trata de una banda con un amplísimo historial de conciertos a sus espaldas. En su actuación del “Zafán Rock”, Skandalo Públiko alternaron temas propios de su maqueta “Sentimientos alcoholizados” con otros temas clásicos del punk-rock estatal. Como broche final del festival, Adrián Pina, vocalista del grupo local Spinaes, y Marcos Repullés, organizador principal del “Zafán Rock” y guitarrista de los grupos El enchufado del carcelero, Itxuquera y Spinaes, se subieron al escenario para interpretar un par de temas con los propios Skandalo Públiko.

Tras finalizar los conciertos, la fiesta en la Casa de Cultura “El Granero” se prolongó hasta altas horas de la madrugada con una sesión de temas clásicos del punk y del rock internacional seleccionados y mezclados por DJ Roberto y DJ Pedro.

La noche del “Zafán Rock” y el fin de semana en general fue toda una experiencia para los miembros de Miércoles bien y otra muesca musical más a recordar y de la que aprender para Archi, Rubén, Jose, Carlos y Octavi. ¿Cuál será la próxima?

ZX Spectrum

2010-11-02T20:57:00.009+01:00

Hace bastante tiempo, casi al principio de este blog, ya recomendé “World of Spectrum”, una página web dedicada al apasionante y entrañable mundo de los ordenadores Spectrum. En “World of Spectrum” todos los aficionados y nostálgicos de aquellos primeros ordenadores domésticos podían encontrar infinidad de información sobre sus especificaciones tecnologicas y sobre todos los juegos que se llegaron a editar para ellos. Uno de los principales atractivos de aquella página web era la posibilidad de descargar un software y unos ficheros especiales con los que era posible emular los míticos juegos de Spectrum en los ordenadores actuales. Con la página web que voy a recomendar a continuación esto ya no es necesario puesto que en ella se permite jugar directamente a cualquiera de aquellos juegos sin necesidad de descargar nada en nuestras máquinas, directamente en Internet. La página de la que estoy hablando se llama “ZX Spectrum” y su dirección es la siguiente: http://www.zxspectrum.net

“ZX Spectrum” es muy fácil de presentar. Se trata de una página web en la que únicamente se puede hacer una cosa: Jugar a los juegos de Spectrum. Con una estética muy sencilla, simulando los colores originales de los ordenadores Spectrum (negro con letras blancas y un arco iris en la esquina), la página está compuesta por un menú en el que aparecen todos los juegos ordenados alfabética y cronológicamente por fecha de edición, y una ventana con un applet de Java incrustado en el cual se carga el juego que seleccionemos en el menú sin tener que esperar aquellos largos minutos. Además, al lado de menú, podemos encontrar una lista en la que aparecen los cien juegos a los que más veces se ha jugado de toda la web.

Por poner un único “pero” a “ZX Spectrum”, quizás diría que se echa en falta un sistema de búsqueda de los juegos un poco más amigable, ya que si no sabemos en qué año salió al mercado el juego que estamos buscando es bastante difícil de encontrar a menos que utilicemos las teclas Ctrl+F. Un par de combos de selección por nombre de juego y por año de edición no estarían nada mal.

En esta página, a diferencia de “World of Spectrum”, no hay información, manuales, enlaces, foros ni absolutamente nada además de los juegos. Únicamente hay una pequeña ventana de mensajes donde los visitantes y jugadores pueden dejar breves comentarios o consultas, pero nada más.

ZX Spectrum: http://www.zxspectrum.net

Keith Richards. Biografía desautorizada (Victor Bockris) 2009

2010-10-31T10:55:00.004+01:00

Justo la semana en la que Keith Richards anunciaba la publicación de sus memorias en un libro que llevará por título “Life”, voy yo y me termino su biografía no autorizada escrita por Victor Bockris. A decir verdad, y después de leer la autobiografía de Pink Floyd escrita por el propio Nick Mason, casi que prefiero haber conocido a fondo la vida de Keith Richards a través de un libro escrito por un especialista biógrafo de artistas como es Victor Bockris (porque Bockris ya ha escrito sobre Lou Reed, Andy Warhol, Blondie o Patty Smith entre otros) que no hacerlo mediante un libro plagado de comentarios chistosos, socarrones, falsas modestias (si en este caso las hay), omisiones de información o directamente mentiras como imagino que lo estarán las memorias del bueno de Richards. Pero como seguramente “Life” también caerá, pues ya volveré aquí para contarlo en su momento.

Publicado en 1998, ampliado en 2002, pero editado por primera vez en castellano a finales del pasado año 2009, “Keith Richards. Biografía desautorizada” narra la vida, obra y milagros (porque el que siga vivo es un verdadero milagro) de Keith Richards, el guitarrista de los Rolling Stones y posiblemente uno de los músicos, compositores y artistas más importantes del pasado siglo XX. Desde el momento de su nacimiento en plena Segunda Guerra Mundial hasta su última actuación antes de ser publicado el libro, concretamente la ofrecida junto a Mick Jagger el 21 de Octubre de 2001 en Nueva York con motivo del atentado del 11-S, en el libro se explican con todo lujo de detalle absolutamente todos los aspectos de la vida de Keith Richards sin dejarse nada en el tintero.

A diferencia de otras biografías, en este caso me ha gustado mucho la objetividad con la que Bockris trata la vida del personaje. Independientemente de ser fan de los Rolling Stones y admirador de Keith Richards, como imagino que la mayoría de los jóvenes que crecieron en los 60's y 70's, Bockris basa su redacción en entrevistas y declaraciones de Keith Richards y de distintos personajes de su entorno realizadas a lo largo de su trayectoria en otros medios de comunicación. El libro está lleno de citas, reflexiones y confesiones del propio Keith, de sus parejas sentimentales Anita Pallenberg y Patty Hansen, de sus compañeros de grupo, de su madre, de sus compañeros de juergas, y la verdad es que algunas de ellas son de lo más suculentas.

Como admirador que soy de la música de los Rolling Stones y del estilo de Keith Richards en particular, “Keith Richards. Biografía desautorizada” me ha encantado y su lectura no se me ha hecho para nada pesada como sí me ha ocurrido en otros casos. Además de para repasar la carrera de los Stones y todos y cada uno de sus trabajos discográficos, este libro me ha servido para descubrir y profundizar en ciertos capítulos de la vida de Keith que no conocía o que conocía de forma muy vaga como puede ser su infancia en plena postguerra, su relación de amor odio con Brian Jones y Mick Jagger, su etapa de absoluta dependencia a la heroína, sus posteriores procesos de desintoxicación, su faceta como padre de familia y, sobre todo, su forma de componer y de trabajar en el estudio, en el escenario y en el water...

En términos generales, leyendo “Keith Richards. Biografía desautorizada” uno se queda con la idea de que Keith Richards es un verdadero genio que cambió la forma de entender e interpretar la música, pero también todo un romántico con un alma realmente frágil, que a pesar de haberla intentado ocultar tras su aspecto de bárbaro y a base de drogas y alcohol, nunca ha podido conseguirlo del todo porque sus composiciones le han acabado delatando. ¿Cuántas veces más tendrá que ser ampliada esta biografía? Tratándose de Keith Richards eso nunca se sabe.

Nice boys don't play rock & roll

2010-10-22T23:35:00.006+02:00

Durante todo el mes de Octubre la nueva banda de Axl Rose se encuentra de gira por Europa y, sin ir más lejos, ahora mismo estarán actuando en el Pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza y mañana lo harán en el Pavelló Olímpic de Badalona. Lamentablemente me ha sido imposible asistir a ninguno de los dos coniciertos, y es que, a pesar de que eso no son Guns N' Roses ni se le parecen, a mí personalmente me hacía ilusión ver en directo a uno de mis ídolos de juventud cantando todos los clásicos de mi banda preferida antes de que le dé un arrechucho de esos que les dan a las estrellas del rock y sin comerlo ni beberlo hinque el pico y ya no lo pueda ver más.

Para sorpresa de todos los fans del grupo, durante el concierto que ofrecieron Axl Rose y su banda el pasado 14 de Octubre en Londres, Duff McKagan, uno de los miembros fundadores y bajista original de Guns N' Roses, se subió al escenario para interpretar algunos temas como “Patience”, “Knockin' on Heavens Door”, “You could be mine” y esta versión del grupo Rose Tatoo que Guns N' Roses publicaran en su primer EP “Live ?!*@ like a suicide”: “Nice boys”. Atención a la impresionante voz de Axl y al espectacular estado de forma de Duff. Del aspecto de Axl no voy a decir absolutamente nada.

El próximo mes de Noviembre comienza la gira española de Marcalma

2010-10-16T17:32:00.008+02:00

Hace mucho tiempo que os vengo hablando de Marcalma, un grupo de rock nacido en Logroño que estoy convencido de que está llamado a convertirse en uno de los grupos revelación del panorama musical español. A los miembros fundadores del grupo que en 2008 iniciaran el proyecto Marcalma (Salva Honrubia en el bajo, Eduardo Sánchez en la voz y teclados, y Dan Díez en la guitarra principal), recientemente se les han unido dos grandísimos músicos como son el batería Paco Tanker y el guitarrista mexicano Alan Boguslavsky conocido, entre otros proyectos, por haber acompañado a los legendarios Héroes del Silencio entre los años 1993 y 1996.

Marcalma estarán actuando el 4 de Noviembre en la sala Modus de Logroño, el 5 de Noviembre en la sala Arena Rock de Zaragoza y el 6 de Noviembre en el Túnel Festival de Santander. Si tienes ocasión de acudir a alguna de estas citas, desde aquí te aconsejo que no dejes escapar la oportunidad de ver y escuchar en directo a un elenco de músicos realmente espectacular.

Para escuchar todo el repertorio de Marcalma, saber más sobre el grupo y estar al corriente de todas las noticias, puedes acceder a su MySpece, a su Facebook y a su Twitter a través de las siguientes direcciones:

· MySpace: http://www.myspace.com/marcalma
· Facebook: http://www.facebook.com/marcalma
· Twitter: http://www.twitter.com/marcalma

Próximo día 02 de Octubre de 2010, concierto de Miércoles bien en el festival “Zafán Rock”

2010-09-29T00:16:00.002+02:00

El próximo sábado día 2 de Octubre, Miércoles bien volverán a los escenarios para actuar en la IV edición del festival “Zafán Rock” que cada año se celebra en la localidad turolense de La Puebla de Híjar: www.lapuebladehijar.com

El evento, organizado por la Asociación Cultural “La Damiana”, tendrá lugar en la Casa de Cultura “El Granero” y dará comienzo sobre las 23:30 h. Miércoles bien serán los encargados de abrir el festival, y en él compartirán escenario con los grupos 20 de kopas (Belchite) y Skandalo Públiko (Alcañiz). Una vez acabados los conciertos, DJ Roberto amenizará la velada con un repertorio basado en clásicos del punk y del rock.

Escucha a los grupos que actuarán en el “Zafán Rock” a través de MySpace:

· Miércoles bien: www.myspace.com/miercolesbien
· 20 de kopas: www.myspace.com/20dekopas
· Skandalo Públiko: www.myspace.com/skandalopubliko

Moto GP - Gran Premio de Aragón 2010 (Motorland, Alcañiz)

2010-09-24T20:27:00.076+02:00

El pasado fin de semana tuvo lugar un acontecimiento deportivo que será recordado durante mucho tiempo en la Comunidad Autónoma de Aragón en general y en la provincia de Teruel en particular. Me estoy refiriendo a la celebración del Gran Premio de Aragón de Moto GP llevado a cabo durante los días 17, 18 y 19 de Septiembre de 2010 en el circuito de velocidad de Motorland Aragón situado en Alcañiz. Como muchos de los que me conocen ya sabrán, soy un gran aficionado al motociclismo, fan de Valentino Rossi y antifan de Jorge Lorenzo para más señas, además de un asiduo visitante de la localidad turolense de La Puebla de Híjar, situada a 40 Kilómetros de distancia de Alcañiz. Con todas estas premisas era de esperar que el que escribe asistiera a un evento de semejante magnitud, y por supuesto que así lo hice. A continuación voy a proceder a explicar la experiencia y los aspectos más significativos de aquel fin de semana de ruido de motores, olor a asfalto, sol abrasador y kilómetros de retenciones en tierras bajoaragonesas con motivo del Gran Premio de Aragón de Moto GP.

• Motorland Aragón (Alcañiz)

Desde siempre, Alcañiz y las tierras del Bajo Aragón Histórico han tenido una enorme tradición en lo que a la práctica y organización de competiciones deportivas relacionadas con el mundo del motor se refiere. El paso del rally Baja Aragón (rebautizado recientemente como Baja España Aragón) por aquellas tierras y las míticas carreras por el circuito urbano de Alcañiz celebradas desde 1965, han hecho mantener viva esta afición entre sus gentes a lo largo de los años. Es por ello que a nadie que conozca la zona le extrañó ni lo más mínimo que en su momento se proyectara en Alcañiz la construcción, no de un simple circuito de velocidad sino de toda una ciudad del motor a la cual se le ha dado el nombre de Motorland Aragón.

Motorland Aragón son básicamente 350 hectáreas dedicadas exclusivamente al mundo del motor, en las cuales se ofrecen múltiples instalaciones y servicios. Además de los diferentes circuitos dedicados a diversas disciplinas deportivas relacionadas con el motor, en Motorland también hay espacio para la tecnología, la investigación y el desarrollo; así como un área reservada para la cultura y el ocio familiar. Todo en Motorland es completamente nuevo, moderno y está tecnológicamente a la última (por algo fue el primer circuito en el que se pensó cuando el Gran Premio de Hungría tuvo que suspenderse). Todo excepto los accesos.

Una de las batallas políticas más antiguas de Aragón como son las pésimas condiciones de las carreteras turolenses, acabaron pasando factura a los asistentes al Gran Premio de Moto GP de Alcañiz como era de esperar. Las retenciones, los desvíos y los continuos controles de la Guardia Civil por unas pobres carreteras de un único carril, hicieron que las entradas y las salidas del circuito fueran más largas y pesadas de lo normal. Quizás la presencia del Rey y de diferentes autoridades políticas con motivo de la inauguración del circuito también tuviera algo que ver, pero ese fue el único punto negativo de todo el fin de semana. Por todo lo demás, la organización del evento fue perfecta y todo apunta a que acabará repitiéndose el próximo año 2011.

• El ambiente

A lo largo de los años he tenido ocasión de asistir a diferentes acontecimientos multitudinarios como son finales de fútbol, grandes festivales y conciertos de rock, mañanas de Agosto en la playa de Casteldefells, etc., pero nunca había podido estar en una carrera de motociclismo ni en un circuito de velocidad. Durante el domingo día 19 de Septiembre, en Motorland Aragón se dieron cita más de 70.000 personas para presenciar las carreras de 125 c.c., Moto 2 y Moto GP. A pesar de la enorme cantidad de gente allí presente, he de decir que en ningún momento tuve sensación de agobio o aglomeración y que el ambiente que se respiró durante todo el fin de semana fue un ambiente sano y deportivo, propio de personas civilizadas. Sí, en un evento de estas características todos los asistentes tienen los mismos intereses y todo el mundo acude con el único objetivo de pasarlo bien y disfrutar de un espectáculo, pero lo mismo ocurre en un concierto de Metallica o en una final de Copa del Rey entre Real Zaragoza y Real Madrid, y la sensación que se tiene es de estar en constante peligro. Además, la rivalidad entre seguidores de Jorge Lorenzo, Dani Pedrosa y Valentino Rossi puede que sea una de las rivalidades más sanas y deportivas que haya habido jamás. Unos se ríen de los otros y los otros de los unos, pero todo se hace desde la cordialidad, el buen rollo y la deportividad, compartiendo grada sin ningún tipo de conflicto.

• 125 c.c.

Aunque parezca extraño, la carrera de 125 c.c. fue la más emocionante de todo el Gran Premio de Aragón. Durante los entrenamientos clasificatorios de la jornada del sábado, Marc Márquez había hecho unos tiempos espectaculares y parecía que iba a ponerle las cosas difíciles a Nico Terol en sus propósitos de arrebatarle el liderato del mundial. Pues nada más lejos de la realidad. A pesar de salir desde la Pole Position, todo se fue al traste para Marc Márquez cuando el piloto suizo Randy Krummenacher le embistió por detrás durante la primera vuelta, haciéndole caer y obligándole a abandonar la carrera. Con Marc Márquez fuera de pista, la batalla por el primer escalón del pódium se produjo entre el piloto catalán Pol Espargaró y el valenciano Nico Terol, la cual acabó decantándose por Espargaró. A pesar de su segundo puesto en este Gran Premio de Aragón, Nico Terol consiguió colocarse líder del mundial con un margen de únicamente seis puntos sobre Marc Marquez a falta de cinco grandes premios.

• Moto 2

Tras la muerte de Shoya Tomizawa en la anterior carrera de esta categoría, en el instante de la salida de Moto 2 todo el mundo tenía el corazón en un puño recordando lo ocurrido en Misano. Como viene siendo habitual (aunque esta vez con mucha más fortuna para todos ellos), en esta ocasión también hubo pilotos que se fueron al suelo durante la primera vuelta, entre ellos Fonsi Nieto, lo cual es del todo normal porque somos muchos los que opinamos que corren demasiados pilotos en esta categoría. La carrera estuvo dominada desde el principio por el italiano Andrea Iannone, al cual le siguieron muy de cerca el español Julián Simón que acabó en segundo puesto y el húngaro Gabor Talmacsi que fue tercero. Pero la verdadera proeza de esta carrera la llevó a cabo el líder destacado del mundial Toni Elías. Después de unos malos entrenamientos, de hacer unos tiempos realmente altos para él, de salir desde la tercera línea de la parrilla y de llegar a colocarse en décimo sexta posición, Toni Elías realizó una impresionante remontada acabando finalmente cuarta lugar. Verdaderamente era espectacular ver desde la grada cómo en cada vuelta Toni Elías pasaba antes y cómo éste iba dejando atrás al resto de pilotos vuelta a vuelta. Por algo es el líder del mundial con setenta y seis puntos de diferencia sobre el segundo clasificado Julián Simón.

• Moto GP

Lamentablemente, la carrera de la categoría reina fue la más aburrida de las tres que se disputaron en el Gran Premio de Aragón. El australiano Casey Stoner salió desde la primera posición de la parrilla y, a excepción de una mínima lucha al inicio de la carrera con Jorge Lorenzo y Dani Pedrosa, que salieron segundo y tercero respectivamente, ya no abandonó este puesto hasta el final de la misma. Sólo Dani Pedrosa parecía que podría hacerle frente ya que vuelta a vuelta iba recortándole distancia, pero como casi siempre, Pedrosa cometió un extraño error el cual provocó que permaneciera en la segunda posición hasta el final. Por lo que respecta al tercer puesto, durante toda la carrera Jorge Lorenzo y Nicky Hayden mantuvieron una lucha dominada en todo momento por el piloto mallorquín. No fue hasta las últimas vueltas que Hayden empezó a recortar distancia con Lorenzo, consiguiendo adelantarle en los últimos metros de la recta de llegada a meta. El cuarto puesto de Lorenzo en el Gran Premio de Aragón supuso una enorme decepción para él mismo, para toda la legión de seguidores que ocupaban las gradas de Motorland, pero (lo siento) una pequeña gran alegría para mí. En cuanto a Valentino Rossi, decir que no hizo gran cosa en Alcañiz. En los entrenamientos del día anterior consiguió unos tiempos lamentables y durante la carrera sólo pudo quedar en séptima posición. Lo único bueno que hizo durante todo el fin de semana fue ganar una dura pugna por la séptima plaza con su amigo Marco Simoncelli.

Después del Gran Premio de Aragón, Jorge Lorenzo permanece líder del mundial a cincuenta y seis puntos de Dani Pedrosa, matemáticamente únicos dos aspirantes al título de Campeón del Mundo de Moto GP 2010. Visto lo visto, posiblemente el vigente campeón Valentino Rossi sea el piloto con más ganas de que se acabe el mundial de una vez para dejar el equipo Yamaha y empezar su nueva etapa en Ducati.

A pesar de no ir en moto sino en coche, de no disfrutar del ambiente motero de la zona de acampada por alojarme en mi casa, de las largas colas y desvíos en las carreteras pasando por los preciosos aunque innecesarios pueblos de la Ruta del Tambor y el Bombo, y de que Valentino Rossi no hiciera gran cosa ni durante los entrenamientos ni durante la carrera, la verdad es que asistir a un Gran Premio de Moto GP celebrado en mi tierra durante la inauguración de un circuito de la categoría del de Motorland Aragón, fue toda una experiencia y un enorme orgullo para un aragonés de corazón como yo.

Páginas web:
http://www.motogp.com
http://www.motorlandaragon.com

Bar La Tapadera

2010-09-24T13:10:00.016+02:00

En general, a todos nos hace especial ilusión recordar tiempos pasados y cuando vemos algún personaje famoso, algún objeto o algún icono perteneciente a nuestra generación, es muy habitual que nos entre una especie de sentimiento de añoranza y melancolía al acordarnos de los días que se fueron y que ya no volverán. Esto suele ser así para todo el mundo excepto para aquellos que crecimos y nos criamos en la década de los 80's. A nosotros, ver un personaje de cine, de televisión, un juguete, una prenda de vestir o un grupo musical de aquella época no nos provoca un sentimiento triste sino todo lo contrario, nos provoca la risa. Y es que, todo hay que decirlo, aquella década fue crucial para nuestras vidas y determinante para nuestra forma de ser, pero probablemente fuera la época más extrema, hortera, loca y entrañablemente horrible de la historia de la humanidad. Para todos aquellos a los que nos gusta recordar películas, series televisivas y símbolos ochentosos, existe un bar en Barcelona llamado La Tapadera que no podemos dejar de visitar.

Ubicado en las entrañas del barrio de Sants de Barcelona, La Tapadera es un bar cuya ambientación, decoración, mobiliario y música de fondo está claramente inspirada en los años 80. En las coloridas paredes del local, los carteles promocionales de películas como Tron, Teen Wolf o D.A.R.Y.L. comparten espacio con dibujos de personajes tan míticos como Superman, M.A del Equipo A, Luke Skywalker y Darth Vader de La Guerra de las Galaxias, E.T., Robert Smith del grupo The Cure, Diana de la serie V, o el alero de los Boston Celtics Larry Bird. Además, por los diferentes rincones del bar podemos encontrar distribuidos de forma más o menos aleatoria elementos decorativos de lo más variopintos como cubos de Rubik, un juego Simon, unos cuantos pares de zapatillas Converse con los escudos de Los Angeles Lakers o los Boston Celtics y hasta un secador de manos en el lavabo pintado como si de un fantasma de legendario videojuego Pac-Man se tratase.

Además de ser un bar estéticamente atractivo donde se puede entrar a tomar una cerveza y a charlar tranquilamente, en La Tapadera se pueden seguir cada semana los partidos de fútbol del Barça, y es muy habitual que los fines de semana se programen sesiones de DJ's con repertorios basados en la música de los 80's e incluso proyecciones de películas de aquella misma época en formato VHS.

Si creciste en los 80 y eres de Barcelona, en algún momento has de pasar por La Tapadera porque estoy seguro que, cómo mínimo, te vas a reír un rato.

La Tapadera
http://www.myspace.com/barlatapadera
C/Finlandia Nº 18
Metro: Plaça de Sants

Buried Alive: Live in Maryland (New Barbarians) 2006

2010-09-12T20:07:00.011+02:00

En el año 2006 la compañía discográfica Wooden Records, propiedad de Ron Wood (ex-guitarrista de los Faces y guitarrista de los Rolling Stones), sacaba a la luz este doble álbum en directo de los New Barbarians registrado durante una actuación celebrada en Maryland en el año 1979. Alguno quizá ya lo sepa, pero muchos de los que lean esta reseña seguramente se estarán preguntando: “¿Y quién demonios son los New Barbarians?”. Pues ahora os lo voy a explicar, no os pongáis así, joder.

Los New Barbarians no fueron otra cosa que una banda de músicos reclutados por Ron Wood con el fin de promocionar su disco en solitario “Gimme some neck”, la cual estaba compuesta por el propio Ron Wood (guitarra y voz principal), Keith Richards (guitarra y segunda voz), Stanley Clarke (bajo), Joseph Zigaboo Modeliste (batería), Ian MacLagan (teclados) y Bobby Keys (saxofón). Los New Barbarians debutaron en Oshawa (Canadá) donde actuaron en dos conciertos benéficos impuestos por los juzgados canadienses a Keith Richards como parte de su condena tras haber sido detenido años atrás en Toronto por posesión de heroína. Posteriormente, los New Barbarians realizaron una gira de dieciocho conciertos más a lo largo de los Estados Unidos, uno de los cuales, concretamente el celebrado en el Capital Center Arena de Largo (Meryland), quedó grabado y veintisiete años más tarde fue publicado como álbum doble bajo el título de “Buried Alive: Live in Maryland”.

“Buried Alive: Live in Maryland” está compuesto por veinte temas dentro de los cuales se pueden encontrar algunos títulos pertenecientes a los discos en solitario de Ron Wood como “Buried Alive”, “F.U.C. Her”, “Mystifies me” o “I can feel the fire”; algunos clásicos del blues, del rock and roll y del rythm and blues como “Sweet little rock & roller” de Chuck Berry, “Rock me baby” popularizada por B.B. King, “Love in vain” de Robert Johnson o “Seven Days” de Bob Dylan entre otros; y algunos temas de los Rolling Stones como “Sure the one you need”, “Honkey tonk women”, “Before they make me run” y “Jumpin’ Jack Flash”.

Aparentemente, viendo semejante repertorio de clásicos y teniendo en cuenta la enorme calidad y espíritu rockero de todos los músicos que componían la formación, cualquiera puede pensar que se trata de todo un discazo. Sería así si no fuera porque es el mismo Ron Wood el que canta la mayor parte de las canciones. En los días de mi vida no he oído a alguien que sea considerado una estrella mundial cantar tan sumamente mal. En este disco Mister Woody nos obsequia con un catálogo tan amplio de gritos, berridos, gruñidos, gallos y desafines, que eclipsa completamente la maravillosa banda que lo acompaña, la excepcional selección de canciones y hasta su particular estilo de tocar la guitarra. Suerte que en alguno de los temas es Keith Richards el que lleva la voz cantante, pero tampoco es que Keith sea un ruiseñor que digamos. Pero es que además, parece como si las grabaciones ni siquiera se hubieran sometido a un mínimo proceso de preproducción o limpieza de ruido, de manera que da la sensación de estar escuchando un “bootleg” o una grabación casera.

“Buried Alive: Live in Maryland” tiene más valor sentimental, mitológico o a nivel de coleccionista fetichista por la época en la que se grabó, los músicos que actuaron y los pocos conciertos que hicieron los New Barbarians que valor musical propiamente dicho. Aún así, creo que cualquier amante del rock and roll que se precie debería escucharlo, sobre todo aquellos que canten en un grupo porque se le van a quitar todos los complejos en menos que canta un gallo (nunca mejor dicho).

El trabajo dignifica

2010-09-11T11:49:00.005+02:00

Señoras y señores, siento haber estado unos días sin entrar por aquí, pero es que desde que volví de vacaciones he estado muy ocupado practicando el noble arte del trabajar. Sí, porque como decía el maestro Pepe Rubianes (en paz descanse), el trabajo dignifica al hombre, el trabajo te honra, el trabajo te realiza y el trabajo te pule. Bueno, también decía muchas más cosas interesantes sobre el trabajo, pero eso dejo que lo escuchéis vosotros mismos a través del siguiente vídeo.

Mundotoro

2010-08-27T18:27:00.006+02:00

El pasado mes de Julio se llevó a cabo en el Parlament de Catalunya la aprobación del artículo 6 de la Ley de Protección de los Animales (Ley Antitaurina), la cual prohibirá las corridas de toros en dicha comunidad autónoma a partir del año 2012. La aprobación de esta Ley tuvo lugar gracias a los 68 votos a favor, 55 votos en contra y 9 abstenciones obtenidos en la votación parlamentaria. Desde el blog de El Artista Multimedia me gustaría recomendar a todos los lectores y visitantes una página web muy interesante llamada “Mundotoro”, cuya dirección es la siguiente: http://www.mundotoro.com

“Mundotoro” es un completo y bien estructurado portal donde cualquiera que lo visite podrá estar al corriente, informarse y documentarse a conciencia sobre cualquier aspecto referente al ancestral arte de la tauromaquia. Así pues, el visitante podrá consultar el calendario internacional de ferias y festejos taurinos, leer las crónicas o las noticias relacionadas con ellos y obtener toda la información sobre programas de televisión, radio, artículos de prensa y hasta datos sobre los periodistas dedicados al mundo del toro. Todo esto se complementa con una gran cantidad de vídeos con las mejores imágenes sobre la actualidad taurina.

Especialmente interesante es la sección de la web llamada “El Toreo”. En ella podemos encontrar una completísima base de datos de toreros, ganaderías, plazas, peñas taurinas, etc. de todos los países del mundo, además de una una serie de artículos divulgativos sobre el toro, su cría y el toreo en general.

No tengo ningún interes en la tauromaquia. No estoy en contra ni estoy a favor de ella ni de su prohibición. De hecho, nunca he ido a ver una corrida de toros y cuando en las fiestas de mi pueblo sueltan vaquillas nunca voy a verlas porque me aburren soberanamente. El motivo fundamental por el cual he escrito este artículo y recomiendo esta página web es, básicamente, tocar los cojones.

Mundotoro: http://www.mundotoro.com

Origen (Christopher Nolan) 2010

2010-08-25T02:05:00.014+02:00

Escrita y dirigida por Chistopher Nolan (director de “Batman Begins”, “El Caballero Oscuro”, “El truco final” y “Memento” entre otras), “Origen” trata sobre la habilidad de Dom Cobb (Leonardo DiCaprio), un arquitecto convertido en una especie de espía y ladrón que es capaz de penetrar en el subconsciente de las personas utilizando como puerta de acceso el mundo de los sueños con el fin de obtener información, datos, conocimiento o incluso hacer cambiar el curso de determinados acontecimientos políticos o empresariales. Para acceder a las mentes ajenas, Cobb y su equipo de especialistas en diferentes áreas como la arquitectura, la química o la charlatanería, consiguen provocar lo que denominan “sueños colectivos” (sueños en los que intervienen varias personas a la vez) o “sueños en varios niveles” (sueños en los que a su vez se sueña), con los cuales logran inducir a sus vícutimas de forma inconsciente a proporcionar cierta información o hacer que estas lleven a cabo determinadas acciones una vez despiertan.

La gracia principal de la película es la confusión entre realidad y sueño que se genera en la mente de los protagonistas o incluso en la del propio espectador, llegando en algunos puntos a no quedar demasiado claro si lo que éste está viendo es la vida real de los personajes o uno de sus sueños. Además, un mundo tan complejo, abstracto e irreal como es el de los sueños, ofrece unas posibilidades ilimitadas al director en cuanto a la libre utilización de los efectos especiales. Tanto es así que lo mismo podemos ver una ciudad boca abajo que un tren circulando por la calle, que un montón de gente flotando por los pasillos de un hotel. Eso sí, todos ellos de una brillante calidad técnica.

Además de a Leonardo DiCaprio, que de ser un actor para adolescentes ha pasado a ganarse un nombre en el mundo del cine a base de buenos papeles y buenas interpretaciones como es el caso de ésta; en el amplio reparto de “Origen” tenemos ocasión de ver tanto a nuevas promesas del cine como Cillian Murphy, Joseph Gordon-Levitt o Ellen Page; como a curtidos actores de la talla de Ken Watanabe, Michael Caine, Tom Berenger o Pete Postlethwaite.

No sé si será una sensación general o si es que yo lo he querido ver así, pero el dinamismo con el cual transcurre toda la trama, la banda sonora de Hans Zimmer y algunos de los actores que coincidieron en el reparto, a mí el estilo de “Origen” me ha recordado muchísimo al de las dos películas de Batman del mismo Chistopher Nolan.

Con la enorme repercusión mediática que está teniendo y las magníficas críticas que se está recibiendo, es más que probable que “Origen” sea nombrada película del año 2010 y que en la próxima edición de los Oscars ésta se lleve un buen puñado de ellos para casa.

La cabra tira al monte y El Artista Multimedia... a La Puebla de Híjar

2010-08-14T19:54:00.008+02:00

Desde que salimos del vientre de nuestra madre hasta el final de nuestros días, son innumerables los lugares por los que pasamos en nuestra vida y las personas que durante toda ella tenemos ocasión de conocer. En el parvulario, en el colegio, en el instituto, en la universidad, en las comunidades de vecinos donde residimos, en las diferentes empresas en las que trabajamos, en los grupos de amigos con los que salimos, en las academias o escuelas a las que nos apuntamos, en los lugares que visitamos y en un sinfín de contextos que sería incapaz de enumerar; nos toca convivir con personas y permanecer en sitios que, en la mayoría de ocasiones, pasado un tiempo jamás volveremos ni a acordarnos de ellos.

En mi caso particular, este hecho se ha ido repitiendo por allí por donde he pasado, salvo en uno: La Puebla de Híjar. No importan los años que pasen o los acontecimientos que sucedan, porque tengo la sensación de que La Puebla de Híjar es el único lugar del universo que permanece inmutable. Habrá más o menos gente, más o menos viviendas o más o menos ambiente lúdico y festivo, pero para mí el paisaje, las calles, la naturaleza, las costumbres y la gente de La Puebla de Híjar sigue siempre igual. Gran parte de mi forma de ser, de mi forma de hablar, de mi personalidad en general y, resumiendo, de mí, se la debo a La Puebla de Híjar. No en vano allí están mis raíces y, como en ocasiones digo, un árbol sin raíces no es más que un trozo de madera. Es por ello que de vez en cuando siento la necesidad casi biológica de pasar unos días al año por aquel lugar, y este año esos días se están acercando.

Autor: Daniel, el hermano del Artista.

Tattoos & Tequila (Vince Neil) 2010

2010-08-13T16:31:00.006+02:00

Vince Neil, el vocalista de la mítica banda angelina Mötley Crüe que uno nunca sabe si sigue en activo, si se separan definitivamente, ni la formación exacta que la compone, acaba de publicar su cuarto disco en solitario. Para sorpresa de todos y al igual que sus compañeros de banda Nikki Sixx y Tommy Lee, parece que Vince Neil también tiene sus proyectos paralelos más allá de cuajarse el cuerpo de tatuajes, rellenarse el careto de botox y ponerse de todo hasta el ojete. Si bien es cierto que Nikki Sixx (al frente de los grupos Brides of destruction y Sixx A.M.) y Tommy Lee (en Methods of Mayhem y Rock Star Supernova) no han parado de hacer cosas por su cuenta, lo único que ha hecho Vince a lo largo de su carrera fuera de Mötley Crüe han sido dos discos de estudio (“Exposed” en 1993 y “Carved in Stone” en 1995) y un disco en directo (“Live at the Whisky, one night only” en 2003). Este mismo verano acaba de salir a la luz “Tattoos & Tequila”, el nuevo disco al margen Mötley Crüe del oxigenado cantante californiano, el cual procedo a analizar sin más dilación.

Algunos por curiosidad y otros por verdadero interés y admiración, eran muchos los que estaban esperando el nuevo trabajo de Vince Neil, y más cuando antes de publicarlo éste ya llevó a cabo una gira de promoción por tierras latinoamericanas. Meses más tarde el disco salió a la venta y ¿qué nos encontramos?... Un disco compuesto por once temas de los cuales dos son nuevos y el resto versiones de otros artistas. Así es, después de quince años desde su último trabajo en solitario el tío Neil únicamente ha conseguido grabar dos temas nuevos que ni siquiera ha compuesto él y el resto son todo versiones de grupos como Cheap Trick, Sweet, Aerostmith, Sex Pistols, The Hollies, Scorpions, Credence Clearwater Revival, Elvis Presley, Elton John y ZZ Top. Vamos, que salvo Beatles, Stones y Led Zeppelin, el menda le ha pegado una fusilada general a todos los clásicos del rock and roll y se ha quedado tan ancho. Son buenos temas, todo hay que decirlo, pero vamos, que aquí lo que ha imperado ha sido la ley del mínimo esfuerzo está más que claro.

En cuanto a la calidad musical de las dos únicas canciones hasta el momento inéditas del disco, “Tattoos & Tequila” y “Another bad day”, no tengo absolutamente nada que objetar. El primero de ellos es un tema de claro corte hard rockero con ligeros toques industriales, y el segundo es una típica balada rock, ambos muy bien producidos por Marti Frederiksen y estupendamente instrumentados por Dana Strum (bajo), Jeff Blando (guitarra) y Zoltan Chaney (batería). En cuanto al resto de canciones, pues un poco lo mismo, todos han sido perfectamente ejecutados porque, la verdad sea dicha y ya sea fruto del estudio o no, Vince sigue conservando una voz magnífica con sus casi cincuenta años de edad.

Siendo justos tengo que decir que a mí me ha parecido un buen disco de hard rock americano, nada despreciable estando en pleno siglo XXI como estamos, pero un poco patillero, eso sí. No se puede estar tres lustros sin componer nada y cuando te decides únicamente conseguir hacer dos temas nuevos, pero bueno, los temas elegidos para el repertorio son buenos, así que la perrería musical de Vince Neil queda compensada.

Honky tonk women (The Rolling Stones)

2010-08-12T20:46:00.008+02:00

Han sido muchos los artículos que he escrito dando bola y haciendo autopromoción de mi grupo musical Miércoles bien. Con Miércoles bien he conseguido cumplir el sueño que andaba buscando desde hacía muchísimos años que no era otro que tener un grupo con el que ensayar periódicamente, grabar canciones y llegar a tocar en directo. Pues bien, ahora no sólo tengo un grupo sino que tengo dos. Dos años y medio frecuentando locales de ensayo, conociendo a gente del mundo de la música y compartiendo escenarios con otros grupos de diferentes estilos me han servido, entre otras muchas cosas, para encontrar un nuevo grupo con el que dar rienda suelta mi faceta más rockera. Se trata de una banda relativamente nueva que actualmente está compuesta por Sandra, Gali, Luismi y Pi (estos tres últimos miembros activos del grupo Jack Gasolina) y que muy amablemente me han aceptado en su formación como tercer guitarrista. Por el momento simplemente nos encontramos configurando un repertorio que poder defender en directo en un futuro no muy lejano, el cual está formado básicamente por temas de Fito & Fitipaldis, Los Rodríguez, Nacha Pop, Burning, U2, Ramones o The Rolling Stones.

De estos últimos es el vídeo que adjunto a continuación. Se trata de una grabación del tema “Honkey tonk women” registrado en el año 1969 en el Madison Square Garden de Nueva York. Espero que disfrutéis de él de igual forma que disfruto yo tocando semanalmente esta canción.

Anti-Karaoke (Sala Apolo 2)

2010-08-11T00:05:00.031+02:00

Por todos es sabido que el abanico de posibilidades ocio-culturales ofrecidas por la ciudad de Barcelona es de los más amplios y variados que uno puede encontrar a lo largo de la geografía española. No importa lo que uno busque ni el día en que lo busque porque a buen seguro lo va a encontrar. Pero si entre tanta oferta yo tuviera que destacar un evento por encima de todos los demás, por su originalidad y carácter único ese sería el Anti-Karaoke.

Celebrado cada lunes del año en la Sala Apolo 2 de Barcelona de 22:00h. a 01:00h., Anti-Karaoke podría definirse como una fiesta underground y bizarra, como una absoluta exaltación del frikismo rockero llevado a la máxima expresión. Es muy difícil describir con palabras lo que ocurre allí dentro pero, resumiendo, podríamos decir que Anti-Karaoke es un karaoke de temas clásicos de la historia del pop, del rock y del heavy metal en general, en el que cualquier asistente al evento puede subirse al escenario de la sala y cantar las canciones de una lista sobre una base musical pregrabada. Posiblemente esta breve descripción que acabo de hacer no diste mucho de la que podría haber hecho cualquier persona sobre un karaoke corriente y moliente, pero la principal diferencia con el resto de karaokes del universo es que, en Anti-Karaoke, la motivación y entrega de la gente que se sube al escenario a cantar es asombrosamente similar a las que cualquier artista reputado ofrecería en uno de sus conciertos. Pero además, la respuesta y el tratamiento que el público dá a los “cantantes” en cada una de sus interpretaciones hacen que uno tenga la sensación de estar asistiendo a un concierto de música en directo más que a un karaoke de tres al cuarto. Tanto es así que muchos de los personajes que cada semana suben al escenario (todos con sus respectivos nombres de guerra) ya son “famosos” entre el público. Es el caso de Barbarah, Lord Vader, Dani Metal, Duro de Oído, Ennio From Rome, Rocko o Fabri por nombrar únicamente a unos cuantos.

Nada de todo lo anteriormente comentado sería posible sin el inestimable papel de Rachel Arieff, una show-woman nacida en Milwaukee que, además de ser la creadora del evento, ejerce cada semana de maestra de ceremonias presentando a los participantes e interactuando con el público. No es extraño verla interpretando alguna que otra canción, parodiando a artistas de fama internacional como Axl Rose o Amy Winehouse, paseándose entre medio del público ofreciendo ganchitos a los asistentes o lanzando chorros de Jack Daniel’s entre las primeras filas; todo ello ataviada con sus plumas, sus chisteras, sus gorras de plato de charol y sus vestimentas extremas y provocativas.

Ni qué decir tiene que una imagen vale más que mil palabras, así que si un lunes por la noche estás por Barcelona y al día siguiente no tienes nada muy importante que hacer, no deberías dudar en acercarte a la sala Apolo 2 y pagar los 8 Euros de entrada (con tubo de cerveza incluido en el precio) porque no te vas a arrepentir y vas a querer repetir la experiencia.

Anti-Karaoke (Sala Apolo 2)
http://www.antikaraoke.com
C/Nou de la Rambla Nº 111
Metro: Paral•lel

A tomar por culo los formalismos

2010-08-10T10:57:00.011+02:00

Cuando creé este blog lo hice con la intención de mantener actualizados sus contenidos de forma más o menos periódica con una serie de secciones fijas con el fin de que el público se sintiese motivado a la hora de visitarlo regularmente sabiendo lo que podría encontrar cada mes. La verdad es que durante algo más de dos años conseguí mi objetivo con bastante éxito. Además de las crónicas de algún que otro concierto al que he tenido ocasión de asistir, las reseñas de algunos discos, películas, libros o DVD’s musicales que han llegado a mi poder, y otros tipos de artículos, desde Marzo de 2007 hasta hace relativamente poco, los meses en los que han faltado secciones como “Artista del mes”, “Enlace del mes”, “Vídeo del mes”, “Canción del mes” y “Foto del mes” han sido los menos.

Desgraciada o afortunadamente (depende de cómo se mire), en la actualidad me es totalmente imposible actualizar el blog de la forma que a mí me gustaría puesto que las cosas han cambiado bastante desde el año 2007 (gracias a Dios, esto sí) y cada vez tengo menos tiempo y más obligaciones, así que he decidido romper con los formalismos y empezar a publicar artículos cuando pueda y me de la real gana, sin tener el compromiso o la presión autoimpuesta de “tener” que escribir algo fijo cada mes. No sé si a estas alturas quedará alguien ya que siga este blog, pero sinceramente me da un poco igual porque la satisfacción que me produce el opinar, escribir y rajar sobre cualquier cosa en general, esa me la llevo yo.

Concierto de Miércoles bien (Sala Alfa, Barcelona 24/06/2010)

2010-06-28T11:56:00.000+02:00

Miércoles bien se despide de los escenarios en un día de Sant Joan inolvidable

Si existe un día realmente malo para celebrar un concierto en Barcelona, ese es el día de Sant Joan. La mayor parte del público potencial de un concierto, la noche previa ha estado celebrando la verbena hasta altas horas de la madrugada (muchos incluso se han acercado a la playa para ver amanecer) y ese día, festivo en tierras catalanas, lo aprovechan para recuperarse de la noche anterior y descansar de cara a la jornada laboral del día siguiente. Si además da la casualidad de que Sant Joan cae en jueves, es más que probable que mucha gente haya decidido guardar fiesta el viernes para alargar dos días el fin de semana y salir de puente fuera de la ciudad. Pero si a todo este cúmulo de circunstancias le sumamos que, casualmente, ese mismo día actúan Kiss en el Palau Sant Jordi y Bob Dylan en el Poble Espanyol, la pregunta es: ¿Qué grupo modesto querría actuar un día así?

La respuesta a la pregunta anterior es bien sencilla: Miércoles bien. Un grupo que se atrevió a debutar en directo con un bajista substituto, a viajar a Málaga para participar en un festival de rock alternativo celebrado en una finca privada de la localidad de Almayate, y a tocar en un bar musical sin escenario ni equipo de sonido apropiado, ¿por qué no iba a querer tocar un jueves día de Sant Joan en la ciudad de Barcelona sólo tres semanas después de su último concierto? Y es que hay que decir que la ocasión merecía la pena. Jose, guitarrista principal de Miércoles bien, uno de los miembros fundadores de la banda y pieza fundamental en el grupo por sus labores de composición y por su formación musical; ya hacía días que había comunicado a sus compañeros su inminente marcha a Bélgica por un tiempo indefinido. Con la salida de Jose de la formación, el resto de los integrantes habían tomado la decisión de no continuar como Miércoles bien, así que cuando el grupo recibió la propuesta de actuar en la Sala Alfa de Barcelona por segunda vez, lo de menos fue que la fecha fuese un jueves 24 de Junio y que hiciera muy poco desde su último concierto porque, ¿qué mejor manera de despedirse de Jose y de toda la gente que ha seguido a Miércoles bien a lo largo de su corta trayectoria que hacerlo sobre de un escenario?

Como era de esperar por todo lo comentado anteriormente, la afluencia de público no fue ni mucho menos la misma que en su anterior concierto celebrado en el bar musical Distrito Cinco. Si en aquella ocasión fueron más de cien personas las que se acercaron a ver a Miércoles bien en directo, esta vez fueron exactamente treinta y seis, y la verdad es que fue una lástima porque, ya en las pruebas de sonido, el grupo sonó de una forma extraordinaria debido a las propiedades acústicas de la Sala Alfa y a las labores técnicas de Juan Carlos, el técnico de sonido del local. Así que en esta ocasión el concierto fue menos multitudinario pero mucho más íntimo y de mucha mejor calidad musical.

A pesar de estar anunciado para las 22:45 h., fue a las 23:30 h. cuando Miércoles bien se subieron al escenario para dar comienzo a su actuación. El perfecto sonido, la magnífica respuesta de los asistentes y el saber que aquel iba a ser su último concierto, hizo que el grupo se sintiera muy cómodo sobre el escenario y que todos sus integrantes disfrutasen al máximo de su actuación. Tanto es así que las típicas equivocaciones propias del directo fueron tratadas con absoluta tranquilidad y sentido del humor.

El concierto se fue desarrollando con total normalidad, esta vez sin ninguna sorpresa, performance ni sorteo, hasta que llegó la parte final. Después del medley compuesto por “Funkytown”, “Sweet dreams are made of this” y “99 red balloons”, el grupo se despedía de los asistentes y, antes del bis y sin previo aviso a sus compañeros, Rubén, encargado en esta ocasión de las presentaciones, se dirigía al público para anunciar que Miércoles bien decía adiós aquella noche, agradeciendo a Jose su dedicación y entrega durante los algo más de dos años de trayectoria del grupo. Como despedida, Miércoles bien interpretaron una última canción, que no fue otra que “So lonely” de The Police, el primer tema que el grupo ensayó aquel día 16 de Abril de 2008 cuando de forma más o menos casual decidieron juntarse por primera vez en un local de ensayo.

Fue un día cargado de emociones y, sin lugar a dudas, el concierto de Miércoles bien del día de Sant Joan del 2010 siempre será recordado como una de las mejores actuaciones del grupo en directo y el mejor final posible para un grupo al que, ¿quién sabe?, quizás todavía le queden cosas por decir.

Próximo día 24 de Junio a partir de las 22:45 h., concierto de Miércoles bien en la Sala Alfa de Barcelona

2010-06-19T12:00:00.002+02:00

El próximo jueves día 24 de Junio, día de celebración de la festividad de San Juan, Miércoles bien volverán a actuar por segunda vez en su carrera en la Sala Alfa del barrio de Gracia de Barcelona.

Como ya ocurriera hace siete meses en la misma Sala Alfa en su concierto de debut, la actuación volverá a estar enmarcada dentro de las denominadas SOterrani Nights, las veladas musicales organizadas por los locales de ensayo SOterrani: www.soterrani.com. A diferencia de aquel primer concierto, en el cual el grupo compartió escenario con la banda de rock Jack Gasolina, en esta ocasión la actuación será exclusivamente de Miércoles bien.

El concierto dará comienzo sobre las 22:45 h. y la entrada tendrá un precio de 3 Euros. Os esperamos a todos porque promete ser una noche única.

Sala Alfa:
C/Gran de Gràcia Nº 36
Metro: L3: Fontana - L5/L3: Diagonal
MySpace: http://www.myspace.com/alfa_enviu

Concierto de Miércoles bien (Distrito Cinco, Barcelona 28/05/2010)

2010-06-15T11:42:00.002+02:00

Espectacular llenazo en el segundo concierto de Miércoles bien en Barcelona

Eran las 23:30 h. del día 28 de Mayo cuando en Distrito Cinco, un local abierto recientemente en el barrio de Gracia de Barcelona con el objetivo de ofrecer cada semana actuaciones en directo, ya no cabía ni un alma. Más de cien personas entre amigos y curiosos se habían congregado allí para presenciar el que iba a ser el segundo concierto de Miércoles bien en Barcelona. Sobre las 23:45 h., y con la efigie de Frank Sinatra a la espalda, el grupo salía a escena dando inicio a su repertorio clásico encabezado por “Boys don’t cry” de The Cure, “Perdido en mi cerebro” y “Hey” de Pixies. Durante estos primeros temas se produjeron algunos problemas técnicos que no permitieron que el propio grupo se escuchase a sí mismo con total claridad, pero esto no impidió que todos los asistentes respondieran de una forma magnífica en cada uno de los temas, llegando algún sector del público incluso a cantar la letra de “Perdido en mi cerebro”, el primer tema propio de Miércoles bien en sonar durante la noche.

Solventados parcialmente los problemas de sonido, el grupo prosiguió su actuación con dos temas propios más: “The last things” y la versión definitiva de “Sin letras”, una canción que con el paso del tiempo ha ido evolucionando a la vez que la banda y que en cada uno de los tres conciertos ha sido interpretada de una forma diferente. Llegados a este punto, Miércoles bien se dispuso a afrontar la parte más enérgica de su repertorio con la puesta en escena de dos clásicos de la historia del rock: “Roxanne” de The Police y su particular adaptación de “All along the watchtower”, el tema de Bob Dylan que en 1968 versionara Jimi Hendrix, el cual Miércoles bien estrenaban en directo en este concierto.

Debido a la gran afluencia de público que se esperaba tras la convocatoria masiva llevada a cabo a través de Internet, el grupo había preparado dos sorpresas que fueron reservadas para la parte final del concierto. La primera de ellas tuvo lugar justo en medio de la interpretación del medley compuesto por “Funkytown” y “99 red balloons”. Como ya hicieran en su concierto de Málaga del pasado mes de Febrero con “Hay que venir al sur” de Rafaella Carrá, en esta ocasión Miércoles bien encadenaron entre ambas canciones un fragmento de “Sweet dreams are made of this”, el tema que resultó más votado en la encuesta organizada meses atrás en esta misma página web, y en la cual se ofreció a sus seguidores la posibilidad de elegir la canción que les gustaría que el grupo versionara en su siguiente concierto. Con este guiño a toda la gente que sigue al grupo a través de Internet, Miércoles bien cumplía su compromiso. En cuanto a la segunda sorpresa, al inicio del mismo medley Archi pidió al público que hinchara los cien globos rojos que instantes antes del concierto el grupo había repartido entre los asistentes. Justo en mitad de “99 red balloons”, Archi volvió a dirigirse a la audiencia pidiendo una explosión colectiva de los globos para poder extraer el papel numerado que contenía cada uno de ellos y proceder al sorteo del megáfono utilizado por ella misma para la reproducción de determinados efectos en “Funkytown”.

Después de la locura general provocada por la “performance” de los globos rojos, de la cual minutos después todavía había gente que no se había acabado de recuperar y que continuaba explosionándolos y lanzándolos en todas las direcciones, Miércoles bien se despidió del público dándoles a todos las gracias por su asistencia y ofreciéndoles la interpretación de su siempre aclamada adaptación del tema de Tequila! “Quiero besarte”.

A pesar de que las condiciones acústicas del local no eran las idóneas para la celebración de un concierto de música en directo al no disponer de escenario ni de un equipo de sonido con los watios suficientes, Miércoles bien consiguieron realizar una notable actuación, provocando que su entregado público se lo pasara en grande durante la que fue una noche irrepetible.

Próximo día 28 de Mayo a las 23:00 h., concierto de Miércoles bien en el bar musical Distrito Cinco de Barcelona

2010-05-11T12:08:00.002+02:00

El próximo viernes día 28 de Mayo en la Sala Distrito Cinco de Barcelona, Miércoles bien actuará en directo por segunda vez en la Ciudad Condal. El concierto dará comienzo a las 23:00 h y la entrada será gratuita.

Distrito Cinco:
C/Vallirana Nº25-27, Plaza Mañe i Flaquè - (Barcelona)
Metro: L3: Fontana - L5/L3: Diagonal
Página web: http://www.distrito5.com

Marcalma a las puertas del Rock in Rio.

2010-03-29T11:29:00.006+02:00

Hace tiempo que os hablé de Marcalma, una banda de pop-rock de Logroño a la cual le auguré un futuro lleno de éxitos. Pues bien, el motivo de este mensaje es el de anunciar que el próximo 19 de Mayo a las 19:00 h, Marcalma actuarán en la Plaza Maestro Victoria de Madrid (Corte Inglés de Preciados) con motivo del concurso “LG te lleva”. La banda ganadora actuará en el Rock in Rio de Madrid... Hasta entonces puedes votar por ellos en la página web del concurso a través del siguiente enlace: http://www.lgtelleva.com/concurso. ¡Todos con Marcalma!

Miércoles bien

2010-03-27T10:53:00.003+01:00

Otra de las tareas que me ha mantenido ocupado durante los últimos meses ha sido el diseño y la construcción de la página web de Miércoles bien, así como la entrada de lleno del grupo en las redes sociales de Internet más importantes. Hoy en día ya no se lleva aquello de grabar maquetas en cintas de cassette e ir repartiéndolas por salas, bares y conocidos con el fin de hacer llegar tu música a los demás. Ahora todo circula y todo se difunde a través de Internet, y si no tienes página web, MySpace o no estás en YouTube, Facebook y Twitter, es como si no existieras. El enlace de este mes de Marzo del blog de El Artista Multimedia no es otro que el sitio web de Miércoles bien, el cual está disponible en la siguiente dirección: http://www.miercolesbien.com

¿Qué podéis encontrar en la página web de Miércoles bien? Pues todo lo necesario para conocer el origen, la actualidad y la música del grupo; además de otras secciones como un álbum de fotos con imágenes de algunos ensayos y actuaciones en directo, y una colección de enlaces donde se hace referencia a las páginas web de cualquier cosa que tenga que ver con el grupo, ya sea los locales de ensayo por los que han pasado, los actuales y antiguos componentes de la formación, las salas y lugares donde han tocado en directo, los grupos con los que han compartido cartel y toda la gente que, de algun modo u otro, ha ayudado o apoyado a la banda.

En la página principal se incluye un reproductor de audio mediante el cual podrán escucharse algunas grabaciones domésticas que el grupo ha hecho a lo largo de su carrera. Además, en la sección “Canciones” están disponibles todos los temas que componen el repertorio de Miércoles bien, ya sean sus temas propios como las versiones originales de los temas que versiona. Por cada una de estas canciones, el visitante de la web podrá, tanto escucharlas, como descargarse las letras en un documento PDF y conocer un poco más a fondo el artista al cual pertenece cada canción a través de enlaces directos a su ficha en Last.FM.

Por último, destacar que desde todas las secciones que componen la página web de Miércoles bien, se tiene acceso directo a todas las redes sociales en las que está metido el grupo (MySpace, YouTube, Facebook y Twitter) y a la ficha de la banda en Last.FM. Pulsando el icono correspondiente en la botonera ubicada en la parte superior derecha de cada una de las páginas, el usuario será redirigido a los espacios de los que dispone Miércoles bien en todos estos servicios externos.

Miércoles bien: http://www.miercolesbien.com

Las consecuencias (Enrique Bunbury) 2010

2010-03-25T14:01:00.017+01:00

Cada nueva publicación discográfica de Enrique Bunbury se convierte en todo un acontecimiento a nivel internacional. De igual forma que con la llegada de la primavera los animales del bosque salen de sus madrigueras, los almendros florecen y los ingleses borrachos invaden Lloret de Mar; con la edición de cada nuevo LP del hasta que se muera ex-cantante de Héroes del Silencio, los fans de todos los rincones del planeta se vuelven completamente locos e inundan desmesuradamente foros, blogs, páginas web, redes sociales y cuentas de correo electrónico ajenas con todo tipo de noticias, fotos, comentarios e impresiones relacionadas con el artista aragonés. Es justo esa la fase en la que actualmente nos encontramos tras la publicación el pasado mes de Febrero de “Las consecuencias”, el octavo disco en solitario de Bunbury.

Cuando Enrique Bunbury comenzó a promocionar el que iba a ser su futuro nuevo trabajo discográfico por programas de televisión, revistas de música y emisoras de radio, definiéndolo como “un disco de cámara”, yo personalmente me dije “¡Ay Dios!”. Tras volver a saborear las mieles del rock & roll con su regreso a Héroes del Silencio, y después de abandonar al Huracán Ambulante y reclutar a una nueva formación de corte claramente rockero para la publicación de “Hellville De Luxe”, parecía que Bunbury había vuelto a la senda que, en mi opinión, nunca debió haber abandonado. Pues no, ni por asomo. Si bien es cierto que parece que los tangos, los corridos, las influencias latinas y de la música tradicional han quedado atrás, en “Las consecuencias” cuesta verdadero trabajo encontrar un riff o un solo de guitarra eléctrica. Podría decirse que se trata de un disco acústico con influencias del folk americano y con algunas partes eléctricas muy puntuales. Tanto es así que recuerda más a un disco de su amigo Nacho Vegas (con el cual grabara “El tiempo de las cerezas”) que a uno de Enrique Bunbury. Aunque a decir verdad, llega un momento en que uno ya no sabe cómo suena realmente Enrique Bunbury.

“Las consecuencias” es un disco verdaderamente atípico dentro de su discografía. No sólo por el hecho de haber dado más importancia a las guitarras acústicas que a las eléctricas en su sonido sino porque, de los diez temas que componen el disco, la canción elegida como single para su promoción ha sido una versión del tema “Frente a frente” de Janette interpretada a dúo con Miren Iza, vocalista del grupo Tulsa. Bunbury ha grabado a lo largo de su carrera diversas versiones de John Lennon, Tequila, Santiago Auserón, José Alfredo Jiménez y un largo etcétera, pero siempre han sido publicadas como caras B de sus EP’s. Lo que nunca había hecho hasta ahora había sido publicar una versión de un tema de otro artista como single promocional y mucho menos cantado a dúo. Eso siempre y cuando “El hombre delgado que no flaqueará jamás” no sea considerada como una versión de Pedro Casariego, claro está. En cuanto a las letras de las canciones, pues como viene siendo habitual en él, estas hablan de una forma más o menos velada de él mismo, de su vida, de sus problemas, de su carácter y de sus relaciones personales. Nada nuevo en este aspecto.

Por lo que respecta a la voz, parece ser que se ha dado cuenta de que tiene una voz lo suficientemente buena y característica como para no tener que deformarla o tratar de cambiarla. En este disco ya no intenta imitar ni a Nick Cave, ni a Bob Dylan y ya no pone acentos latinoamericanos extraños en un tío de Zaragoza. Aquí Enrique Bunbury canta como Enrique Bunbury que es más que suficiente.

Como conclusión, podría decir que a mí “Las consecuencias” es un disco que me deja bastante indiferente, un disco que no me molesta escucharlo pero que no me aporta absolutamente nada y que en ciertos momentos incluso me aburre como una ostra. De él rescataría algunos temas que, aunque no sean nada del otro mundo, no están mal en los tiempos que corren. Estos son la versión de “Frente a frente” comentada anteriormente y los temas “Los habitantes”, “Es hora de hablar” y “Nunca se convence del todo a nadie de nada”, una canción cuya letra fue escrita para el grupo aragonés Niños del Brasil pero que ahora Enrique Bunbury ha grabado para él mismo. Muy propio de Enrique Bunbury esto de escribir letras para otros y luego grabárselas él. A eso le llamo yo reciclaje lírico.

Miércoles bien

2010-03-23T11:33:00.001+01:00

Si la sección “Artista del mes” siempre se la dedico al grupo o músico que más importancia ha tenido para mí durante un mes concreto, ya sea porque ha estrenado disco o porque su gira ha pasado por mi ciudad, este mes de Marzo me veo en la obligación de nombrar “Artista del mes” a mi propio grupo: Miércoles bien. Sí, lo sé, es un acto un poco egocéntrico (bueno, teniendo en cuenta que autodenominarse El Artista Multimedia también lo es, la verdad es que me importa muy poco) pero, como todas las secciones fijas de este mes de Marzo se las estoy dedicando al motivo por el cual me he pegado tanto tiempo sin actualizar el blog, si no lo hago este mes ya no lo haré. Así que para el que todavía no la conozca, damas y caballeros, el asrtista del mes de Marzo de 2010 del blog de El Artista Multimedia es: Miércoles bien.

Corría el mes de Abril del año 2008 cuando, a través una amiga común, se produjo el primer encuentro entre Archi Martínez y Rubén Salvador (El Artista Multimedia). Rubén hacía diez años que había formado parte del proyecto musical Canis Lupus, un grupo liderado por su hermano Daniel en el que Rubén se encargaba de la guitarra rítmica. Tras largas horas de composición y ensayos, Canis Lupus únicamente dieron como fruto una maqueta de ocho temas propios titulada “Rastro de dolor” antes de su disolución. Archi, por su parte, había militado en varias formaciones como Full time y Las infieles e insólitas amistades puercas en las labores de vocalista. Hacía algunos años que había abandonado su actividad musical y llevaba un tiempo intentando recuperarla. De aquella breve charla entre Archi y Rubén surgió la idea de retomar sendas carreras y empezar un nuevo proyecto conjunto que les permitiera volver a dar rienda suelta a sus inquietudes musicales. Archi adquirió el compromiso de intentar reclutar a alguno de sus antiguos compañeros de grupo, quedando Rubén a la espera de noticias suyas.

Pasaron muy pocos días hasta que Archi envió un correo electrónico a Jose Cisneros y a Héctor Tapia informándoles de su reunión con Rubén y de la idea de ambos de formar un nuevo grupo. Jose, todo un veterano de las salas de ensayo, contaba con una amplia experiencia como guitarrista principal en diferentes bandas como Los mustios y Las infieles e insólitas amistades puercas, en la cual tuvo la oportunidad de coincidir con Archi. Héctor también había pasado por diversos grupos, como por ejemplo Plagio, ejerciendo de vocalista y guitarrista, aunque en los últimos tiempos se había reciclado como batería. Tanto Héctor como Jose aceptaron muy ilusionados la propuesta de Archi e inmediatamente reservaron sala de ensayo para el miércoles día 16 de Abril de 2008. Tras aquella primera toma de contacto y después de volver a sentir la agradable sensación de tocar en grupo en un local, Archi, Rubén, Jose y Héctor decidieron repetir la experiencia cada miércoles, motivo por el cual más adelante decidirían llamarse Miércoles bien.

Los ensayos fueron sucediéndose cada semana y la compenetración y entendimiento entre los cuatro miembros del grupo cada vez iba siendo mayor. Aún así, se echaba en falta el acompañamiento de un bajo en su sonido. Al cabo de algunas semanas de ensayo Jose contactó con Carlos Núñez, un compañero de trabajo que no había podido incorporarse antes a la nueva formación al encontrarse en Mozambique por motivos laborales. Años atrás, Carlos había tocado el bajo en el grupo Aerofagia dónde entró substituyendo a su bajista original. Desde entonces Carlos decidió abandonar la guitarra para profundizar más en el estudio del bajo. Al encontrarse sin grupo en el momento de recibir la propuesta de Jose, Carlos la aceptó sin dudarlo incorporándose a los ensayos dos semanas después de su regreso de África. Con la entrada de Carlos en Miércoles bien el sonido del grupo ganó en contundencia adquiriendo mucha más personalidad.

Pero la incorporación de Carlos no sería la única alteración en la formación original de Miércoles bien. Tras las vacaciones estivales de ese mismo año, Héctor decidió abandonar el grupo para comenzar los estudios de un Master. Su baja provocó la urgente necesidad de encontrar a un nuevo batería que lo substituyera. Archi se puso en contacto con Yugo, un amigo de la infancia con el que había coincidido en el grupo Full time y que, tras su paso por el grupo Mojando bragas, en aquel momento militaba como guitarrista y compositor en los grupos Alarido y The Sugar Boy. Yugo, sin ser batería pero siendo todo un estudioso de la guitarra y poseedor de un talento innato para la música, aceptó el reto y con su incorporación el grupo dio un giro espectacular en la dinámica e intensidad de los ensayos.

Lamentablemente en el verano de 2009 Yugo tuvo dejar Barcelona para irse a vivir a la localidad tarraconense de El Vendrell y el grupo se vio obligado a buscar otro batería. Como no podía ser de otra forma, el elegido fue Octavi Navarro, un músico polifacético donde los haya (con experiencia en guitarra, teclado, batería e incluso violín) que, además de haber tocado con anterioridad en grupos como Conjunto vacío y Plagio (junto a Héctor Tapia), había sido batería de Las infieles e insólitas amistades puercas coincidiendo con Archi y Jose. Octavi no tardó ni un ensayo en adaptarse al grupo debido a su perfecto conocimiento de Archi y Jose, además de prácticamente la totalidad del repertorio de Miércoles bien.

Después de algo más de un año y medio de ensayos, el debut en directo de Miércoles bien se produjo el día 26 de Noviembre de 2009. El evento tuvo lugar en la sala Alfa del barrio de Gracia de Barcelona compartiendo escenario con la banda de rockabilly Jack Gasolina. Carlos no pudo actuar en este concierto al encontrarse nuevamente de viaje, esta vez en Latinoamérica, por lo que para esta actuación Miércoles bien tuvieron que contar con los servicios como bajista de Miguel Tomás, un virtuoso guitarrista amigo personal de Rubén que, después de únicamente tres ensayos con el grupo, hizo un magnífico papel sobre el escenario ante las cerca de cien personas congregadas en la sala.

Con el paso del tiempo la formación de Miércoles bien se ha estabilizado definitivamente con Archi Martínez (voz), Jose Cisneros (guitarra principal), Rubén Salvador (guitarra rírmica y coros), Carlos Núñez (bajo) y Octavi Navarro (batería). Por lo que respecta a su estilo musical, podría decirse que éste se ha ido consolidando en un pop-rock con claras influencias de la década de los ochenta, incluyendo en su repertorio algunas versiones de clásicos de esta época como son “Boys don’t cry” de The Cure, “Hey” de Pixies o “Roxanne” de The Police entre otros.

Página web oficial: http://www.miercolesbien.com

Concierto de Supersubmarina (Sala Apolo 2, Barcelona 19/03/2010)

2010-03-21T22:23:00.000+01:00

Invitados de excepción

Para ser fiel a carteles, tickets y anuncios del concierto, quizás debería haber titulado esta crónica como “Concierto de Miss Caffeina” porque Supersubmarina aquella noche no fueron el grupo principal sino los teloneros. El motivo por el cual a Miss Caffeina ni los voy a nombrar es porque ni siquiera me quedé a comprobar cómo suenan. Es la primera vez que compro la entrada de un concierto para ver al grupo invitado, pero en esta ocasión así fue. El caso es que no era yo un gran conocedor ni seguidor de la banda de Baeza hasta que mi amiga Archi me propuso la idea de ir con ella al concierto. Fue a raíz de saber que tendría la ocasión de verlos en directo cuando empecé a escucharlos detenidamente y he de decir que llevo un mes completamente enganchado a su primer larga duración titulado “Electroviral”, el cual actualmente se encuentran presentando por todo el país.

Las puertas de la Sala Apolo 2 de Barcelona, lugar mítico de la capital catalana por la celebración de la fiesta bizarra semanal Antikaraoke y por haber albergado conciertos de estrellas nacionales e internacionales dirigidos a públicos minoritarios y selectos, se abrieron a las 20:00 horas, y enseguida las primeras filas fueron ocupadas por jóvenes fans de edades comprendidas entre los 18 y los 20 años aproximadamente. Cumpliendo a la perfección con los horarios marcados, sobre las 21:00 horas y al son de “Magia electroviral”, la melodía que abre el disco, saltaban a escena Jose “El Chino” (voz y guitarra rítmica), Jay (guitarra principal y coros), Pope (bajo) y Juancho (batería) para acabar de configurar sus instrumentos y empezar la descarga de energía con la que obsequiaron esa noche a todos los asistentes al concierto interpretando su tema “Eléctrico”. Fue tanta la entrega de los jienenses en este primer tema que incluso “El Chino” rompió a mitad de la canción la correa de su Gibson Les Paul Custom y acabó el tema tocando en cuclillas. Toda una demostración de profesionalidad por parte de “El Chino”, un tipo que lo tiene todo para convertirse en uno de los frontman más importantes del panorama musical español a corto-medio plazo.

He de decir que nada más empezar me impresionó muy gratamente, no sólo la garra de la banda en general, sino muy particularmente el talento y la precisión de Jay, un joven discreto y de rostro angelical que permanecía en un rincón del escenario escondido bajo su flequillo pero que hacía saltar chispas a su Fender Telecaster en cada uno de los temas, dando además un color especial a todas las canciones con sus coros. Es posible que a la mayoría de los asistentes al concierto les pasase inadvertido este detalle pero a mí personalmente me pareció un elemento clave dentro del sonido del grupo en directo.

En la hora que duró el concierto, Supersubmarina tuvieron tiempo de interpretar la práctica totalidad de los temas que componen su recién estrenado disco “Electroviral” (a excepción de su versión del tema de Alex y Cristina “¡Chas! y aparezco a tu lado”), además de alguna canción publicada en sus anteriores EP's como el titulado “OCB”. Verdaderamente fue un tiempo corto pero intenso, y estoy convencido de que sólo fue una pequeña muestra de lo que esta banda salida de Baeza en el año 2005 nos ha de mostrar en un futuro, una banda que tiene todos los ingredientes necesarios para llegar a lo más alto: Talento, ganas y estilo.

Perro Chico

2010-03-15T11:28:00.002+01:00

La gente que lea todo lo anteriormente escrito podrá pensar: “¿Y quiénes son Perro Chico, los Perros Calientes y Miércoles bien?”. Para empezar resolveré las dos primeras cuestiones. Perro Chico es el alter ego del guitarrista, compositor y arreglista malagueño Saúl Miranda, un artista con una dilatada carrera musical a sus espaldas al frente de bandas míticas del panorama andaluz como son Zoe, Estación Paraíso o Radio Sésamo y que actualmente lidera el grupo de rock sinfónico Perro Chico y los Perros Calientes. Fue en Septiembre de 2001 cuando, de forma más o menos casual, conocí a este singular personaje a través de la red de redes y desde entonces siempre ha sido mi mayor punto de referencia y mi fuente de información instrumental más fiable cuando he necesitado consejo o ayuda a la hora de tomar alguna decisión sobre la adquisición de cualquier material musical.

El pasado mes de Febrero, nueve años después, tuve el enorme placer de conocer a Perro Chico en persona y de compartir escenario con él. Y es que Perro Chico fue el principal responsable de la organización y celebración del “Almayate Rock & Roll Circus”, festival del cual llevo hablando a lo largo de los diferentes artículos de este mes. Por este motivo me gustaría dedicarle la foto del mes de Marzo de 2009 del blog de El Artista Multimedia.

Autor: El Artista Multimedia, discípulo de Perro Chico.

Almayate Rock & Roll Circus (Almayate, Málaga 13/02/2010)

2010-03-13T13:40:00.005+01:00

El mal tiempo no consiguió aguar la fiesta del año

Eran las doce del medio día del sábado 13 de Febrero cuando la expedición catalana formada por Miércoles bien y un grupo de diecisiete amigos e incondicionales de la banda partía de la estación central de autobuses de Málaga hacia el término municipal de Almayate, lugar donde iba a celebrarse la tan esperada primera edición del festival alternativo “Almayate Rock & Roll Circus”. La noche anterior, Rubén de Miércoles bien y Saúl Miranda (guitarrista y líder de Perro Chico y los Perros Calientes) se habían reunido en la legendaria bodega “El Pimpi” de la capital malagueña para acabar de concretar los últimos detalles y horarios del evento del día siguiente. Con un frío helador y una lluvia suave pero incesante, a la una del medio día el autobús de la delegación de Barcelona llegaba al lugar de encuentro acordado, y a los pocos minutos pasaban a recogerles el propio Saúl y Juan Ramón, segundo guitarrista de Perro Chico y los Perros Calientes y propietario del lugar donde iba a desarrollarse el festival: El mítico Raymond's Palace.

En el Raymond's Palace esperaban el resto de Perro Chico y los Perros Calientes con la sala donde iban a llevarse a cabo las actuaciones ya preparada; una sala completamente insonorizada y perfectamente decorada con las paredes en terciopelo rosa y banderolas de grupos míticos de la historia del rock, a la cual no le faltaba ningún detalle: Dos baterías, dos columnas de voces, un bajo, dos teclados, una amplia variedad de guitarras e incluso dos cámaras de vídeo, una mesa de mezclas y un equipo de grabación con el que iba a ser registrado todo el “Almayate Rock & Roll Circus”. Fue una verdadera lástima que las cerca de setenta personas invitadas a la fiesta no pudieran aprovechar plenamente todo el espacio disponible en el Raymond's Palace debido a las condiciones meteorológicas adversas que afectaron al sur de la península durante toda la semana, pero gracias a la buena voluntad y a la impecable organización de Saúl y Juan Ramón, todos los planes siguieron su curso con total normalidad y los asistentes, procedentes de todos los rincones de la provincia de Málaga, de Barcelona, de Madrid e incluso de Santander, difrutaron de un agradable y abundante almuerzo.

Sobre las cuatro y media de la tarde, Rubén de Miércoles bien subía al escenario para dar la bienvenida a todos los asistentes al “Almayate Rock & Roll Circus” y presentar la actuación de Las Luciérnagas, un grupo compuesto por Cristina Gallego (guitarra principal y voz), Jimena Vera (trompeta), Elena Florido (guitarra rítmica), Paloma Muñoz (bajo) y Carmen Ríos y Alejandra Albarracín (baterías), todas ellas disfrazadas para la ocasión aprovechando la celebración del Carnaval. Las Luciérnagas debutaban en directo en el “Almayate Rock & Roll Circus” y en su primer concierto desplegaron un original repertorio envuelto en aires rock de la década de los sesenta. Con temas como “Paint it black” de The Rolling Stones o la versión de “Miserlou” de Dick Dale and his Del Tones perteneciente a la banda sonora de “Pulp Fiction” entre otros, combinados con una adaptación rock preciosa del tema clásico mexicano “Malagueña salerosa” o una performance de malabarismo, luz y sonido llevado a cabo por Jimena Vera, Las Luciérnagas realizaron una magnífica y original actuación, dejando claro que es un grupo muy a tener en cuenta a corto-medio plazo.

Tras unos instantes de decanso, cambio de instrumentos y pruebas y sonido, fueron Miércoles bien los que ocuparon el escenario. El del “Almayate Rock & Roll Circus” fue el segundo concierto de la carrera del grupo pero el primero de su bajista Carlos Núñez, el cual no pudo estar presente en el debut de la banda en Barcelona. Para esta ocasión, Miércoles bien habían preparado todos los temas de su repertorio clásico con dos nuevas y prácticamente improvisadas incorporaciones: un fragmento de “Hay que venir al sur” de Rafaella Carrá que hizo de puente en el medley compuesto por “Funkytown” y “99 red balloons”, y el tema “Quiero besarte” del grupo hispanoargentino Tequila! con el cual cerraron su actuación; una actuación que fue especialmente dedicada a Saúl y Juan Ramón de Perro Chico y los Perros Calientes por la organización del festival, y a Cristina Membrado, amiga de Miércoles bien y gran responsable del nacimiento del grupo.

Eran las seis y media de la tarde cuando Rafa (Perro Chiguagua) y Adri (Perro Peluca) se sentaban en los taburetes de sus respectivas baterías y comenzaban a marcar un ritmo vertiginoso y perfectamente compenetrado, al cual se le iban añadiendo de forma paulatina los efectos de sintetizador de Agu (Perro Toy) y las guitarras eléctricas de Juan Ramón (Perro Viejo) y Saúl (Perro Chico). Es complicado redactar el desarrollo de un concierto de Perro Chico y los Perros Calientes puesto que su repertorio se compone de unas suites instrumentales larguísimas ejecutadas de forma espectacular, y con una variación constante de ritmos, melodías y estilos musicales. Entre las piezas que se pueden disfrtuar en el set-list de Perro Chico y los Perros Calientes destacan algunos fragmentos arreglados y hechos propios de “Concierto de Aranjuez” del Maestro Rodrigo, bandas sonoras de “El bueno, el feo y el malo” y “El último Mohicano” (donde Perro Chico toca el bajo eléctrico y Perro Chiguagua la viola), “I'm the slime” de Frank Zappa, “Johnny B. Goode” de Chuck Berry o “Billy Jean” de Michael Jackson; todo ello interpretado en clave de rock sinfónico, funky, jazz y psicodelia pura.

Pero Perro Chico y los Perros Calientes no sólo son un grupo de música y un ejemplo de precisión instrumental, también son un claro exponente del humor andaluz. Entre los temas propios del grupo figuran una ficticia salida del armario narrada en la letra de “El niño mariquita” y una lección de sexología básica impartida a través de “Ale-manita”. Además, entre canción y canción, Saúl y Juan Ramón emulan conversaciones telefónicas de lo más ingeniosas que les sirven para presentar los siguientes temas, que perfectamente pueden ser versiones de bandas sonoras de dibujos animados como “Oliver y Benji”, “Los Diminutos” o “Don Quijote de la Mancha”.

Con la brillante actuación de Perro Chico y los Perros Calientes se llegó al final del “Almayate Rock & Roll Circus”, un evento que surgió de la nada pero que dejó a todos los asistentes y músicos participantes un agradable sabor de boca. Tanto es así que nada más finalizar la fiesta ya se llegó al compromiso de intentar hacer lo posible para que éste se convierta en un acontecimiento anual como ocurre con los principales festivales musicales que tienen lugar en nuestro país. Esperemos que así sea.

Fragmento de la actuación de Miércoles bien en el “Almayate Rock & Roll Circus”

2010-03-10T12:00:00.002+01:00

Uno de los motivos por los cuales durante varios meses he tenido el blog completamente abandonado ha sido la preparación del “Almayate Rock & Roll Circus”, un festival musical alternativo celebrado el día 13 de Febrero de 2010 en la localidad malagueña de Almayate, en el que Miércoles bien (el grupo al cual pertenezco) tuvo la suerte de actuar junto a otras bandas de la provincia de Málaga como Las Luciérnagas y Perro Chico y Los Perros Calientes. El “Almayate Rock & Roll Circus” fue un evento que salió de la nada pero que resultó ser inolvidable para todos los que tuvimos el placer de asistir, participar y organizarlo.

El vídeo del mes de Marzo de 2010 del blog de El Artista Multimedia es un fragmento del primer tema interpretado por Miércoles bien en el “Almayate Rock & Roll Circus”, el tema clásico de la banda británica The Cure “Boys don't cry”.

Cosmic egg (Wolfmother) 2009

2010-03-08T12:00:00.000+01:00

Tres años después de la publicación del aclamadísimo álbum de debut de Wolfmother, el pasado mes de Octubre del 2009 veía por fin la luz “Cosmic egg”, el segundo larga duración de la banda australiana. Han pasado tres años entre ambos discos, pero si tenemos en cuenta que en Agosto de 2008 el bajista Chris Ross y el batería Myles Heskett decidían abandonar la formación por diferencias irreconciliables con su lider, el cantante y guitarrista Andrew Stockdale, los amantes del rock and roll de los años 60 y 70 podemos estar más que contentos con la aparentemente definitiva resurrección de Wolfmother y con este nuevo lanzamiento.

Tras quedarse más solo que la una, para la grabación de este segundo disco Andrew Stockdale contó con los servicios de Aidan Nemeth en la guitarra, Ian Peres en el bajo y en los teclados, y Dave Atkins en la batería. A pesar de lo que pueda parecer, la completa renovación de la plantilla de Wolfmother no ha supuesto ni mucho menos un cambio estilístico en la música del grupo sino más bien todo lo contrario, una continuación de éste. Podría decirse que “Cosmic egg” es la evolución natural de “Wolfmother” porque la producción de éste ha sido mucho más cuidada y las canciones y melodías parecen estar mucho más elaboradas y mejor instrumentadas. Aún así, Wolfmother continúan sonando exactamente igual que en sus orígenes lo cual deja totalmente claro que el cerebro y corazón del grupo es indiscutiblemente Stockdale.

“Cosmic egg” consta de dieciséis temas de los cuales no he conseguido llegar a catalogar ninguno de ellos como “de relleno”. En él encontramos cañonazos hard rockeros como “California Queen” o “Cosmig egg”, canciones más melódicas como “In the morning” o “Caroline”, y alguna que otra experimentación psicodélica como “Far away” o “Pilgrim” por poner sólo unos ejemplos. Una vez más, y salvando todas las distancias salvables, la voz, las atmósferas de órgano rhodes, y el sonido, los riffs y los solos de guitarra de todas las canciones, siguen sin poder sonar más a Led Zeppelin. Ya lo comenté cuando reseñé su anterior trabajo pero, sin que sea esto considerado como una crítica ni mucho menos, para mí Wolfmother puede que sea la mejor banda clónica de Led Zeppelin del mundo. Sin tener la necesidad de interpretar temas de Led Zeppelin, Wolfmother consiguen con sus propias composiciones transmitir la misma energía y despertar sensaciones similares a las que despierta la música de la banda de Jimi Page y Robert Plant. No, no es ningún sacrilegio lo que estoy diciendo, en mi opinión es una gran suerte para todos que en pleno siglo XXI aparezca una banda, o un tipo como Andrew Stockdale, que pueda llegar a conseguir esto con su música.

Sin lugar a dudas, la publicación de “Cosmic egg” y el resurgir de Wolfmother como una de las bandas importantes del rock and roll internacional ha sido una de las mejores noticias musicales del año 2009 y una excepcional forma de comenzar la década de los 10 en lo que a música se refiere.

El Artista Multimedia sigue vivo

2010-03-07T13:50:00.008+01:00

Damas y caballeros, lo siento, El Artista Multimedia sigue vivo.

Finiquitados una serie de asuntos de incompatibilidad de horarios, obligaciones, aficiones y dedicaciones, este mes de Marzo voy a intentar recuperar mi actividad bloguera. Espero no volver a hacer de político y prometer cosas que luego no voy a cumplir, pero es cierto que desearía no volver a abandonar algo que realmente me satisface como es escribir y mantener al día el blog.

Muchas gracias por seguir ahí.

¡¡¡Feliz 2010!!!

2009-12-31T15:40:00.002+01:00

Estimados lectores del blog de El Artista Multimedia.

Os deseo a todos un magnífico 2010 y que el año nuevo venga para todos cargado de paz, salud y rock & roll. Creo que son ingredientes más que suficientes para ser felices.

Un fuerte abrazo a todos.

Noviembre de 2009: Otro mes en blanco para la colección

2009-11-30T15:20:00.015+01:00

Estimados lectores del blog de El Artista Multimedia.

Este pasado mes de Noviembre ha sido un mes de lo más estresante a la vez que emocionante para mí. Sin entrar en detalles sobre la gran cantidad de trabajo que he tenido (gracias a Dios, todo sea dicho), en Noviembre de 2009 mi agenda ha echado humo por lo que mis publicaciones periódicas en este blog han sido materialmente imposibles.

Entre las actividades más destacables que me han impedido mantener el blog actualizado han estado el debut en directo de Miércoles bien, el grupo de musical al cual pertenezco; los ensayos de preparación de este concierto; la campaña de promoción y difusión del grupo a través de MySpace, Facebook, YouTube y Last.fm; el inicio del diseño e implementación de la página web de Miércoles bien que muy pronto presentaremos; y la organización de un macro evento lúdico-festivo con antiguos compañeros de trabajo bautizado como “Anticena 2009”.

El próximo mes de Diciembre es el mes de la Navidad, mes de compras, cenas, preparativos y celebraciones varias, así que es más que probable que las publicaciones del blog también se vean reducidas. De todas formas esperaremos a ver cómo avanzan los acontecimientos.

Sin más, me despido hasta muy pronto dándoos a todos las gracias por vuestra atención.

Próximo día 26 de Noviembre a partir de las 23:45 h., concierto de Miércoles bien en la Sala Alfa de Barcelona

2009-11-12T21:59:00.004+01:00

El próximo Jueves día 26 de Noviembre de 2009 a partir de las 23:45 h., Miércoles bien debutará en directo en la Sala Alfa del Barrio de Gracia de Barcelona, compartiendo escenario con Jack Gasolina. Os esperamos.

Sala Alfa:
C/Gran de Gràcia Nº 36
Metro: L3: Fontana - L5/L3: Diagonal
MySpace: http://www.myspace.com/alfa_enviu

Brett Dennen

2009-10-26T11:40:00.004+01:00

Fue una tarde de principios del mes de Agosto cuando, estando en el bar El Brillante de La Puebla de Híjar con mis amigos tomando café y viendo la cadena 40TV, vimos aparecer en un videoclip rodado en una zapatería a un chaval pelirrojo con una cabeza de tamaño descomunal cantando y tocando la guitarra. A priori, lo primero que nos impactó fue el personaje en cuestión y su cabeza, pero escuchando la canción que estaba cantando, todos nos dimos cuenta de que ahí había algo que musicalmente nos atraía. Cuando aparecieron los títulos de crédito al final del videoclip, apunté rápidamente su nombre en mi móvil para más tarde poder investigar sobre quién era ese tipo y qué cosas había hecho a lo largo de su carrera. Su nombre era Brett Dennen. Ya en casa, mi hermano y yo comenzamos a buscar por Internet información sobre él, a ver vídeos en YouTube y finalmente a hacernos con sus tres discos de estudio. Ahora que ya conozco a la perfección a Brett Dennen puedo decir que en mi vida he descubierto a un artista de tanta calidad de una forma tan casual. Después de pegarme todo este mes escuchando su disco “Hope for the hopeless”, me gustaría nombrar a Brett Dennen artista del mes de Octubre de 2009.

Brett Dennen nació en 1979 en la localidad californiana de Oakdale. Desde bien pequeño ya se sintió atraído por la música y muy pronto empezó a aprender a tocar la guitarra inspirado por el folk americano y los sonidos acústicos. A pesar de escuchar a bandas como Pearl Jam o Rage Against The Machine y de formar parte de algunos grupos de rock juveniles, Brett enseguida se dio cuenta de que lo que realmente le llenaba era escribir letras, componer canciones y tocar la guitarra en solitario. A partir de entonces fue cuando comenzó a hacer sus primeras actuaciones en pequeños locales y cafés, hasta que en el año 2004 consiguió editar su primer disco de título “Brett Dennen”.

Con la publicación de su primer disco llegarían las primeras giras de conciertos en las cuales Brett comienza a tener su pequeña facción de seguidores. Más tarde comienza a entrar en los carteles de algunos festivales locales para posteriormente telonear en sus giras a otros músicos más importantes. En aproximadamente un año y a pesar de tener únicamente un disco autoproducido en el mercado, Brett Dennen llegó a ofrecer multitud de conciertos hasta que en 2006 regresa al estudio para registrar su segundo álbum.

Grabado en los estudios que el artista Jackson Brown posee en Santa Mónica, en Noviembre de 2006 veía la luz el segundo disco de Brett Dennen titulado “So much more”. Con este trabajo, Brett Dennen fue aclamado unánimemente por la crítica y sus temas fueron pinchados en emisoras de todos los Estados Unidos e incluso utilizados en las bandas sonoras de algunas series televisivas como “Scrubs”, “Anatomía de Grey” y “House”. Su sonido folk, sus letras ínimas y su cálida voz hicieron que “So much more” subiera a lo más alto de las listas de ventas del género, siendo calificado como “Artista revelación del folk”. Con “So much more” llegaría la consagración definitiva de Brett Dennen y su despegue como músico de directo, actuando junto a John Mayer, John Butler Trio, Colbie Caillat, Rodrigo y Gabriela y Ben Folds entre otros.

En Octubre de 2008 salía a la venta “Hope for the hopeless”, el último disco de estudio de Brett Dennen, el cual le conduciría definitivamente a la fama internacional. Brett presentó “Hope for the hopeless” por toda América, Europa e incluso Oceanía, acompañado por una banda de músicos de lo más selecto. Con temas como “Make you crazy” o “Heaven”, en este disco Brett Dennen da un acertado giro estilístico adentrándose un poco más en el pop melódico, eso sí, sin perder su característica vena folk.

Además de lo que hace referencia a lo puramente musical, Brett Dennen también colabora de forma muy activa en la asociación benéfica de San Francisco “The Mosaic Project”, una asociación que trabaja con niños de suburvios y barrios bajos con el único fin de darles una educación basada en la paz.

Página web oficial: http://www.brettdennen.net

Don Paco Martínez Soria

2009-10-24T22:56:00.009+02:00

Hoy en día está de moda hacer chistes sobre la pésima calidad del cine español: Que si todo lo que se hacen son películas de bajo presupuesto; que si en ellas no hay argumento y únicamente se habla de sexo y de drogas; que si todo son tacos, putas y maricones; y un largo etcétera de descalificativos de este tipo. Si bien es cierto que el cine que se viene haciendo en España durante los últimos veinte años cumple todas las premisas comentadas con anterioridad, el cine español es mucho más que eso y no hay que generalizar. No podemos olvidar que cine español también son aquellas películas de los años sesenta que tantas veces habremos visto y con las que tanto nos habremos reído, en las que Alfredo Landa, José Luis López Vázquez, Tonny Leblanc, Antonio Ozores, Pepe Isbert o Paco Martínez Soria interpretaban a ciudadanos de a pie, normales y corrientes, pero con un estilo particular de actuar gracias al cual consiguieron, y todavía consiguen, poner una sonrisa en el rostro del espectador. Personalmente, no tengo ninguna duda ni ninguna vergüenza al afirmar que Paco Martínez Soria concretamente fue, es y será uno de los mejores actores cómicos que ha dado nuestro país. Es por ello que el enlace del mes de Octubre de 2009 me gustaría dedicárselo a “Don Paco Martínez Soria”, una página web homenaje al popular actor turiasonense cuya dirección es la siguiente: http://www.donpacomartinezsoria.com

En “Don Paco Martínez Soria” podemos encontrar información sobre las películas, las obras de teatro, los discos, los libros, la vida, la muerte y absolutamente todo lo que deseemos saber sobre Paco Mártínez Soria. La sección estrella de la web es “Sus películas”, una auténtica base de datos donde por cada una de ellas se nos ofrece la ficha técnica, la sinopsis, el reparto, el cartel y, en algunos casos, incluso una galería fotográfica. Así, gracias a “Don Paco Martínez Soria”, los fans del actor podremos disfrutar de imágenes de películas míticas como “La ciudad no es para mí”, “Hay que educar a papá”, “Abuelo Made in Spain”, “¿Qué hacemos con nuestros hijos?” o “La tía de Carlos”, nada fáciles de encontrar en la red.

Siempre es agradable comprobar que los gustos o aficiones de uno son compartidas por otra gente, más que nada para autoconvencernos de que realmente no estamos locos. A juzgar por los comentarios vertidos en el libro de visitas de la web, ni soy el único fan de Paco Martínez Soria y ni tan siquiera son pocos los que existen hoy en día. Por allí pasan visitantes de todas las edades mostrando su admiración por el actor aragonés y su reconocimiento por el trabajo realizado en la web. Y es que realmente el trabajo realizado en “Don Paco Martínez Soria” es extraordinario a la vez que entrañable.

Don Paco Martínez Soria: http://www.donpacomartinezsoria.com

Double talkin' jive (Guns N' Roses)

2009-10-22T13:48:00.007+02:00

La canción de este mes me gustaría dedicársela a todos los jodidos empresarios que montan sus negocios y que cuando todo va bien se llenan los bolsillos a costa del trabajo de sus empleados; pero que cuando las cosas se tuercen, ya sea por la situación económica mundial o por su completa incompetencia a la hora gestionar su capital, pretenden cerrar el chiringuito mandando a los trabajadores a la puta calle sin pagarles un duro, yéndose de rositas como si no pasara nada. La canción elegida para todos estos hijos de puta es “Double talkin' jive” de Guns N' Roses, un tema cuyo significado real no tengo ni idea de cuál es, pero que su estribillo y el odio que desprende me parece muy adecuado para dedicárselo a todos estos mal nacidos de los que estoy hablando.

Posiblemente “Double talkin' jive” no sea el mejor tema del repertorio de Guns N' Roses ni muchísimo menos. Entre que la estructura de la canción es bastante simple y repetitiva, y que la voz principal de la versión original registrada en el álbum “Use your illusion I” no es la de Axl Rose sino la de Izzy Stradlin', podríamos decir que se trata de una de las canciones más sosas del grupo californiano si no fuera por el solo final de Slash, un solo que ocupa prácticamente la mitad de la pista y que a medida que va avanzando se va “aflamencando”, si es que a eso se le puede llamar flamenco.

Pudiendo parecer un tema de relleno entre tantos hits como tenían los Guns N' Roses de los 90's, en las últimas giras del grupo (ya con Izzy Stradlin' fuera de la formación) no faltó en ninguno de sus conciertos la interpretación de “Double talkin' jive” con el clásico discurso previo de Axl Rose, un discurso que siempre tenía a alguien en particular como blanco de sus “simpáticas” dedicatorias. Yo no soy Axl Rose (ni ganas que tengo, la verdad sea dicha) pero, al igual que él, voy a utilizar “Double talkin' jive” para mandar mi mensaje particular a todos aquellos cabrones que lean esto y que se puedan sentir aludidos por mis palabras. Va por vosotros, cerdos.

Ficha Técnica:
· Título: Double talkin' jive
· Álbum: Use your illusion I
· Año: 1991
· Intérprete: Guns N' Roses
· Autor: Izzy Stradlin

Escucha un fragmento:

“Mentiroso traidor, saca el dinero, hijo de puta, porque ya no tengo paciencia”

Gorges de Carança

2009-10-19T21:15:00.013+02:00

Los pasados días 16, 17 y 18 de Octubre tuve la ocasión de disfrutar de un fantástico fin de semana de montaña, aire puro, aventura y surrealismo a raudales. Sin más organización que una hoja Excel, un par de búsquedas en Google, un par de correos electrónicos y una llamada de teléfono, La Comunidad de la Soto nos plantamos sin comerlo ni beberlo en el deshabitado camping “Le P'Tit Bonheur”, un espacio natural custodiado por el singular Jean Galindo y su terrorífico perro, situado en una pequeña localidad del Pirineo Oriental francés llamada Escaro. El objetivo de este improvisado viaje fue el de realizar la famosa excursión por les Gorges de Carança, un paraje natural plagado de desfiladeros, ríos, valles y todo tipo de vegetación y accidentes orográficos típicos de la zona. Hay que decir que si la excursión fue realmente gratificante, la pre y la post excursión no lo fueron menos gracias a la estancia en el propio camping, las peripecias nocturnas por carretera con retención policial incluida y, sobre todo, por la compañía. Fue una lástima no haber tenido tiempo de asistir a la fiesta de la castaña organizada por el propio Jean Galindo, pero no se puede tener todo en esta vida.

Como recuerdo de aquel plan sacado de la manga del mismísimo Coronel John Hannibal Sotomith, me gustaría nombrar foto del mes de Octubre del 2009 del blog de El Artista Multimedia esta bella estampa del “chalet” número 20 del camping “Le P'Tit Bonheur” donde tantas cosas extrañas se pudieron presenciar en tan poco tiempo.

Autor: El Artista Multimedia, niño burbuja.

El hombre de negro (Loquillo, Jaime Urrutia, Andrés Calamaro y Enrique Bunbury)

2009-10-08T10:36:00.005+02:00

Corría el año 1993 cuando Loquillo y Trogloditas grababan en su disco “Mientras respiremos” esta adaptación al castellano del tema “Man in black” de Johnny Cash rebautizada como “El hombre de negro”. Esta misma semana, dieciséis años después de aquella primera versión, el Loco ha vuelto a reeditar su “El hombre de negro” en esta ocasión acompañado por sus grandes amigos Jaime Urrutia, Andrés Calamaro y Enrique Bunbury. El tema y su videoclip no son más que un anticipo de lo que será el nuevo pack conmemorativo de los treinta años de carrera de Loquillo que verá la luz el próximo mes de Noviembre y que incluirá un resumen de su trayectoria musical y una serie de material musical y gráfico todavía inédito.

Como siempre es un placer escuchar a estos tres elementos cantando juntos (ya lo hicieron en el “Donde estás” de Jaime Urruitia allá por el año 2002) y mucho más verlos haciendo el gilipollas en un videoclip, me gustaría declarar vídeo del mes de Octubre de 2009 este documento audiovisual dirigido por Daniel Etura y rodado entre las ciudades de Madrid y Valencia.

Wind of change (Scorpions)

2009-09-28T20:56:00.004+02:00

Ya hace algunos meses que abandoné el puerto donde llevaba anclado un lustro, adentrándome de esta forma en mares desconocidos y hostiles. Después de haber pasado tiempo varado mi embarcación no se encontraba en muy buen estado, y la verdad es que no ha sido fácil mantenerse a flote sin perder el rumbo. Tras mucho tiempo aguantando temporales y luchando contra las adversidades como buenamente he podido, finalmente he conseguido encontrar una ruta que me ha llevado nuevamente a tierra firme. Como bien dice el dicho popular, después de la tormenta siempre llega la calma, y parece que poco a poco están comenzando a soplar vientos de cambio. Debido a esta analogía cutremetafórica de cuarenta duros y a que durante este último mes he escuchado, he cantado, he silbado e incluso he regalado esta canción, quisiera nombrar “Wind of change” canción del mes de Septiembre de 2009 del blog de El Artista Multimedia.

Sin ningún tipo de dudas, “Wind of change” es la mejor balada de Scorpions y quizás una de las mejores baladas de la historia del rock. Somos muchos los que no podemos evitar que se nos pongan los pelos de punta y las lágrimas se nos muevan en los ojos cada vez que escuchamos este tema. La melodía silbada del inicio, las atmósferas sonoras, los altibajos en la voz de Klaus Meine, los arpegios y solo de guitarra de Rudolf Schenker, la contundente entrada de la batería a mitad de la canción y el emocionante estribillo con unos juegos de voces en los coros impecables, convierten a esta canción en todo un himno y en toda una oda a la tristeza.

A cualquiera que la escuche seguro le invade una sensación de añoranza del pasado, de recuerdos de tiempos mejores o vivencias lejanas, pero cuando uno se para a traducir la letra resulta que “Wind of change” habla de guerra, de soldados soviéticos y de muertes en combate, o sea, nada que ver con una canción de amor como puede parecer a priori. De todas formas soy de la opinión que las canciones van de lo que uno siente cuando las escucha, así que, sin más, invito a todos los lectores de este blog a escuchar “Wind of change” y que cada uno se deje llevar con lo que particularmente sienta.

Ficha Técnica:
· Título: Wind of change
· Álbum: Crazy world
· Año: 1990
· Intérprete: Scorpions
· Autor: Klaus Meine

Escucha un fragmento:

“Llévame a la magia del momento en una noche de gloria”

Este año despegamos

2009-09-24T20:35:00.004+02:00

Algo grande está a punto de suceder en el mundo del deporte catalán. Tras conseguir el ascenso a la Primera División de la liga “Nos Movemos”, el equipo “R.C.F. SAMBA” fue disuelto por sus propios integrantes y, en su lugar, un nuevo colectivo balompédico acaba de nacer. Estoy hablando de “Este año despegamos”, el equipo de fútbol sala donde, junto a otras estrellas futbolísticas, milita El Artista Multimedia (a.k.a. AM9) y que la próxima semana debutará en competición oficial.

La foto del mes de Septiembre de 2009 va dedicada a lo que todavía está por llegar, a un equipo que está dispuesto a “dar la campanada” y que a buen seguro pasará a los anales de la historia del fútbol sala.

Kiosko

2009-09-11T20:05:00.002+02:00

No cabe duda de que el ritual de manipular un periódico con las manos, chuparse la yema de los dedos para pasar sus páginas, oler el olor rancio del papel y la tinta, y pringarse las manos al doblarlo por la mitad, es algo totalmente incomparable a hacer una serie de “clicks” de ratón en una página web y leer su contenido. Si bien es cierto que no tiene el mismo encanto, la aparición de la prensa diaria publicada en formato digital y gratuita a través de Internet ha facilitado mucho el acceso a la información para todos aquellos a los que nos gusta estar informados diariamente de lo que pasa en el mundo y, por qué no decirlo, ha hacerlo sin gastarnos un Euro. Este mes voy a recomendar un enlace que seguro que hará las delicias de cualquier Internauta al que le guste estar al tanto sobre política, economía, sociedad o deporte, sea del continente, país o región que sea. Estoy hablando de una página web llamada “Kiosko” y que podremos encontrar en la siguiente dirección de Internet: http://www.kiosko.net

La idea de “Kiosko” es bien sencilla. Se trata de una especie de escaparate donde, nada más entrar, el visitante podrá ver las portadas del día de los periódicos más importantes de todo el mundo clasificadas inicialmente por continente. Navegando por el menú superior de la página, también será posible ir consultando las portadas de los periódicos clasificadas por país, comunidad autónoma o región, ciudad y temática. Poniendo un ejemplo, cualquiera podrá consultar la portada del diario Sport accediendo a los menús de Europa, España, Cataluña y Deportes.

Además de leer las portadas del día, “Kiosko” también permite ver todas las portadas de la semana de cualquiera de los periódicos y, quizás lo más interesante, acceder a la página web de la publicación. Así pues, siguiendo con el ejemplo anterior, una persona que haya accedido a consultar la portada del diario Sport podrá también consultar las portadas de todos los diarios Sport de la semana y acceder de forma directa a la página web del propio diario.

“Kiosko” es una página web muy sencilla pero muy práctica. En mi opinión, se trata de un claro ejemplo de idea simple aunque sin duda brillante. Estoy seguro de que para muchos de los lectores del blog de El Artista Multimedia a partir de ahora “Kiosko” se va a convertir en una de las páginas web más visitadas del día.

Kiosko: http://www.kiosko.net

Slap Chop

2009-09-05T17:00:00.008+02:00

En las últimas semanas he tenido la gran suerte de descubrir a un personaje que, de forma totalmente inexplicable, ha entrado en mi vida y en la de unas cuantas personas más. Se trata de Vince Offer, un tío nacido en Haiffa (Israel) el 25 de Abril de 1965 que se ha hecho mundialmente conocido por ser la imagen de dos productos estrella: El trinchador de comida Slap Chop y las toallas absorbentes Sham Wow. Su particular forma de vender los productos que anuncia en televisión, y más concretamente su forma de hacerlo en lengua castellana, ha hecho que Vince Offer se convierta en el personaje revelación de este mes de Septiembre y en todo un ejemplo de comercial que cualquier empresa mataría por tener en su plantilla.

Como supongo que muchos de los que estén leyendo esto estarán flipando en colores, ¿qué mejor forma de explicarlo que declarar vídeo del mes de Septiembre de 2009 del blog de El Artista Multimedia la presentación del maravilloso Slap Chop? Os aseguro que váis a quedar fascinados.

Agosto de 2009: Mes de calor y sequía creativa

2009-08-31T14:29:00.001+02:00

Este mes de Agosto ha sido un mes repugnantemente asqueroso. El asfixiante calor que ha hecho en toda la Península, las obligaciones y responsabilidades particulares que me han impedido disfrutar de unas vacaciones como Dios manda, y la enorme pereza que me ha dado ponerme a escribir en mi tiempo libre, me han hecho tener el blog completamente abandonado. Pero ya está, a partir de mañana empezamos un año nuevo (para mí el año empieza en Septiembre, no en Enero) lleno de ilusiones y buenas intenciones, así que intentaré volver un poco a la normalidad en lo que a publicaciones mensuales se refiere.

Damas y Caballeros, abróchense los cinturones porque el blog de El Artista Multimedia arranca de nuevo.

El Cantante (Andrés Calamaro) 2004

2009-07-27T11:56:00.008+02:00

Siempre he creído que todos los músicos deberían hacer en algún momento de su carrera un disco homenaje a las bandas, artistas o estilos que les han influenciado musicalmente. En su día ya lo hicieron Guns N’ Roses con “The Spaghtti Incident?”, Metallica con uno de los discos de “Garage Inc.” o Aerosmith con “Honkin' on bobo” (por nombrar a tres de los grandes), y a mí particularmente me gusta descubrir artistas que no conocía a través de mis grupos favoritos. Es el caso de este disco de Andrés Calamaro titulado “El Cantante”, que sin ser nuevo ni mucho menos, quisiera rescatar a raíz de un debate mantenido en los últimos días sobre la idoneidad o no de la publicación de discos de versiones por parte de artistas consagrados.

La carrera musical de Andrés Calamaro es tan extensa y los palos que ha tocado son tantos y tan variados que posiblemente necesitaría otro quíntuple LP para hacer un disco de versiones de sus máximas influencias. Con “El Cantante”, disco que supuso la antesala de su regreso al mundo de los vivos, Andrés Calamaro quiso homenajear sólo a una pequeña parte de sus raíces musicales: la música de Latinoamérica. Como en todos los discos de versiones, unos temas fueron mejorados dándoles su tan característico toque personal y otros no, pero en el cómputo global, se trata de un auténtico disco tributo del cual todos los autores originales podrían estar muy orgullosos si lo escuchasen. Además, el disco también incluye uno de los temas más corerados en los conciertos del argentino como es “Estadio Azteca”, compuesto por su amigo Cuino Skornik.

Que nadie espere versiones rockeras, versiones tecnológicas como la que en su día hiciera del tema de Bob Marley “No woman no cry”, ni nada por el estilo. Por lo general Andrés fue bastante fiel a la estructura de las canciones originales limitándose a cantar con su propia voz (obviamente) los temas, lo cual ya es más que suficiente para hacérselos propios. En “El Cantante”, además de las virtudes como vocalista de Andrés Calamaro (que no las voy a descubrir yo aquí ahora), cabe destacar también a ese diamante en bruto que le acompaña a la guitarra española llamado Niño Josele, que además de grabar con él en este y otros discos, también le acompañó durante alguna gira por teatros que hizo posteriormente.

Puede que “El Cantante” no sea el mejor disco de Calamaro. Puede que Calamaro no sea el mismo desde que es padre y vive con su amada Daniela. Puede que Calamaro ya jamás vuelva a ser el canalla que en tiempos fue. Lo que está claro es que siempre es un placer escuchar cantar a Calamaro, ya sea en disco propio o haciendo versiones, porque haga lo que haga el resultado final va a ser siempre de una altísima calidad. Por mucho que su personalidad cambie con los años, su voz siempre será una de las mejores voces del panorama musical hispano.

Moments like this (Reamonn)

2009-07-25T17:31:00.014+02:00

A decir verdad, hasta hace poco no tenía ni idea de quienes eran Reamonn y en sus casi diez años de carrera no había escuchado absolutamente nada de ellos. Para mí eran unos completos desconocidos, pero resulta su tema “Moments like this” es una especie de himno personal para una amiga mía que le acompañó durante unos momentos difíciles que finalmente pudo superar y con creces. Se trata de un tema pop-rock cargado de energía y con un claro mensaje de optimismo que invita al que lo escucha a plantarle cara a los problemas e intentar superarse para alcanzar un objetivo. Por este motivo, y a modo de terapia, voy a nombrar canción del mes de Julio de 2009 del blog de El Artista Multimedia este tema de los para mí desconocidos Reamonn a ver si se me pega algo.

Investigando un poco por páginas web y Wikipedias varias, he podido averiguar que Raemmon es un grupo alemán compuesto por Reamonn Garvey (voz y guitarra acústica), Uwe Bossert (guitarra principal), Sebi Padotzke (saxo y teclados) Mike Gommeringer (batería) y Philipp Ruenbusch (bajo). Fue fundado a finales de los noventa y en la actualidad poseen cinco discos de estudio y uno en directo en su haber. “Moments like this”, el tema que nos ocupa, es el último single del último álbum de la banda titulado “Reamonn”, que fue publicado el pasado año 2008 y que está siendo todo un éxito en Alemania y parte de Europa central.

En esta sección me gusta ir recuperando mis canciones preferidas de todos los tiempos pero también dedicar temas a personas, recuerdos o momentos particulares que por algún u otro motivo están relacionados con la canción elegida. Por la forma como llegué a ella y por cómo me fue recomandada, dentro de mi cabeza “Moments like this” siempre estará asociada a una época, un lugar, una persona y un mensaje, y siempre que la escuche me acordaré de todo ello. Espero que dentro de no demasiado tiempo todo este recuerdo también esté asociado a una sonrisa.

Ficha Técnica:
· Título: Moments like this
· Álbum: Reamonn
· Año: 2008
· Intérprete: Reamonn
· Autor: Reamonn Garvey

Escucha un fragmento:

“Lo que no te mata te hace más fuerte”

El luchador (Darren Aronofsky) 2008

2009-07-23T20:00:00.003+02:00

“El luchador” cuenta la historia de Randy “The Ram” Robinson, una leyenda del “wrestling” de los ochenta venida a menos que, veinte años después de su etapa gloriosa, continúa arrastrándose por gimnasios y cuadriláteros de tercera y cuarta división, aceptando peleas en condiciones lamentables con el único fin de poder seguir luchando. La película no sólo se centra en la vida y en las miserias de un luchador en particular sino que es un claro reflejo de todo lo que el público de la lucha libre no ve pero que muchos siempre nos hemos imaginado: que los combates están totalmente amañados y guionizados, el consumo de anabolizantes e incluso drogas por parte de los luchadores, y todas las consecuencias que al cabo de los años tienen para la salud de los propios luchadores los golpes recibidos y los excesos de todas las substancias comentadas con anterioridad.

Mickey Rourke es el responsable de encarnar a “The Ram”, el personaje principal y prácticamente único de esta historia. Su interpretación de un deportista que en su día fue alguien importante pero que en la actualidad está acabado y malvive como buenamente puede, alejado de la familia y negándose a asumir que su época ya ha terminado, es sencillamente brillante. Su aspecto físico, su edad y su propia historia personal le vienen a Rourke como anillo al dedo y, desde el principio hasta el final de la película, consigue que el personaje sea totalmente creíble provocando perfectamente la compasión y la lástima que se pretende provocar. Además, se nota que se ha puesto las pilas en el dominio de las llaves y las técnicas de la lucha libre porque me atrevería a decir que en la mayor parte de las escenas de combate no le ha sido necesario ningún extra.

En cuanto a la banda sonora, ésta está compuesta básicamente por temas de grupos clásicos del hard rock americano de la década de los ochenta como pueden ser Guns N’ Roses, Quiet Rot o Cinderella, que suenan cuando Randy se desplaza con su furgoneta, cuando los diferentes luchadores saltan al ring, o incluso en el interior de bares y locales de “streeptease”. Sin duda alguna es toda una exaltación de la contracultura y la música de los años ochenta.

“El luchador” es una magnífica película que ha supuesto la resurrección definitiva de Mickey Rourke en el mundo del cine tras su anterior éxito en Sin City, que deja muy en entre dicho todo lo que rodea al mundo del “wrestling”. Que nadie se espere una película únicamente de mamporros porque es bastante más que eso.

El mariachi

2009-07-22T11:55:00.003+02:00

El pasado sábado día 18 de Julio se casó una de las personas más singulares que he conocido en los últimos cinco años, un tipo que en todo este tiempo ha sido mi colega, mi mentor, mi jefe, mi compañero de conciertos, pero que sobre todas las cosas me ha demostrado que es y espero que sea siempre un grandísimo amigo. Como mexicano de pura cepa que es, era de esperar que en la fiesta posterior a su boda actuase un mariachi, y por supuesto que así fue.

La foto del mes de Julio de 2009 del blog de El Artista Multimedia es un extracto de aquel día tan lleno de sorpresas y emociones, y me gustaría dedicársela a mi querido amigo Jesús. Te deseo que seas muy feliz en tu nueva vida, “wey”.

Autor: El “pinche” Artista.

Concierto de Metallica (Sonisphere Festival - Parc del Fòrum, Barcelona 11/07/2009)

2009-07-16T13:38:00.015+02:00

Fin de fiesta histórico en la edición catalana del Sonisphere

Hacía seis años que Metallica no pisaban la capital catalana. Las últimas veces que habían actuado en España lo habían hecho en ciudades como Zaragoza, Bilbao o Getafe, y próximamente lo iban a hacer en Madrid, así que cuando me enteré del regreso de los de San Francisco a Barcelona no quise perderme la oportunidad de verlos en directo. Daba igual que su actuación estuviese enmarcada dentro del festival itinerante Sonisphere compartiendo cartel con grupos como Gojira, The Eyes, Soziedad Alkoholika, Lamb of God, Mastodon, Down, Machine Head o Slipknot y que la entrada costase ochenta euros del ala, Metallica venían a mi ciudad y yo debía estar ahí.

El recinto del Fòrum abría sus puertas a las 15:00 horas aproximadamente y la actuación de Metallica estaba previsto que comenzase sobre las 00:00 horas. Como poco seguidor que soy del heavy metal, trash metal, death metal y todos esos géneros, subgéneros y subsubgéneros que llevan la palabra “metal” en su nombre, me importaban un carajo todos los grupos que formaban el cartel del Sonisphere, así que llegué sobre las 20:00 horas al Parc del Fòrum coincidiendo con el inicio de la actuación de Machine Head. Ruido, berridos, voces guturales, ganancia a punta de pala en los amplificadores y muy poco más que comentar. Tras pasear por los chiringuitos de merchandising metalero, hacer cola en un puesto de bocadillos durante más de media hora (he visto gente más rápida en algunos hospitales) y tomar alguna cerveza, hice el tiempo suficiente para presenciar el concierto de Slipknot, banda que no conozco pero a la cual tenía curiosidad por ver.

Más que de música, hablar de Slipknot es hablar de espectáculo circense. Además de que todos los componentes del grupo llevan sus características máscaras, siendo con esto la banda totalmente susceptible de cambiar de formación sin que sus fans se den ni cuenta, todo el juego de plataformas elevadizas, proyección de imágenes confusas e inquietantes en las pantallas colocadas en el escenario y las percusiones sobre barriles de cerveza, hacen que en las actuaciones de Slipknot lo de menos sean las canciones. En la recta final del show, siendo guiado por un auténtico profesional en el arte de colarse hasta las primeras filas de los conciertos independientemente de la hora de llegada, fui penetrando entre las masas de seguidores de la banda enmascarada para poder conseguir una buena ubicación y presenciar el concierto de Metallica lo más cerca posible del grupo. A unos cincuenta o sesenta metros del escenario tuve la oportunidad de disfrutar del clásico momento de catarsis de todos los conciertos de Slipknot, el momento del solo de batería en el que la plataforma que la soporta se eleva hasta lo más alto para posteriormente inclinarse por completo, ponerse totalmente en posición vertical y comenzar a girar. Todo un espectáculo, más propio de una atracción de Port Aventura que de un concierto de rock, que hizo las delicias de los miles de fans del grupo congregados esa noche en la explanada del Fòrum.

En el descanso, y aprovechando el movimiento del personal, fui avanzando posiciones hasta colocarme a menos de veinte metros del escenario, un escenario que poco a poco iba configurándose de la forma que últimamente se viene haciendo en los conciertos de Metallica: telón rasgado de color negro al fondo y pasarela plateada con dos rampas en los laterales bajo la cual los técnicos de “backline” guardan los instrumentos y donde el grupo se refugia durante los descansos. Sobre las 00:20 horas se apagaron las luces del escenario y por las pantallas gigantes comenzó la proyección de las imágenes del film de Sergio Leone “El bueno, el feo y el malo” en las que Elli Wallace (encarnando a Tuco Benedicto Pacífico Juan María Ramírez) recorre el cementerio en busca de la tumba Bill Carson donde se esconde un suculento botín mientras suena el tema “The ecstasi of gold” de Ennio Morricone. Coincidiendo con el final de estas imágenes, James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo invadían el escenario dando las buenas noches a Barcelona e invitando a las 70.000 personas allí presentes a sentirse bien. Por mi parte nada más lejos de la realidad. En cuanto sonó la primera nota de “Fight fire with fire”, tema con el que se abrió el concierto, en las primeras filas se desató una auténtica batalla de empujones, codazos y apretujones, normal para el público auténticamente heavy pero demasiado peligroso para el que escribe. He ido a muchos conciertos en mi vida pero he de reconocer que jamás he pasado tanto miedo. La situación de violencia incontrolada y el pánico a caer al suelo entre semejante muchedumbre fuera de sí, hicieron que, mientras sonaba “Creeping death”, segundo tema del “set-list”, decidiera retirarme a una posición más cómoda y segura.

Un poco más lejos, tanto de Metallica como de la muerte, pude disfrutar mucho más de todo el resto del concierto, un concierto que estuvo cerca de la suspensión debido a unos problemas de espalda que James Hetfield arrastraba desde antes del concierto anterior celebrado en Lisboa. Según el propio James, gracias a los médicos, a los curanderos y a la fuerza que le da el público, Metallica pudo estar esa noche allí para darlo todo, y no cabe duda de que así lo hicieron. Dicho esto, el concierto prosiguió con una serie de temas clásicos de la banda como “No remorse”, “Of wolf and man” y la siempre emocionante “Fade to black”, para a continuación dar paso a “Broken, beat and scarred” y “My apocalypse”, dos de los pocos temas que interpretarían esa noche de “Death magnetic”, último disco de la banda que supuestamente están presentando durante esta gira.

Me encantaría saber qué médicos y qué curanderos visitan al bueno de Hetfield porque si estaba lesionado de la espalda y, según él, veinticuatro horas antes estaba sentado en una silla de ruedas, no se le notaba ni lo más mínimo. Con sus paseos de lado a lado y de arriba abajo del escenario recorriendo los ocho micrófonos dispuestos estratégicamente para poderse dirigir al público desde todos los lugares, verdaderamente disimulaba perfectamente su lesión. En cuanto al resto de la banda, todos muy en su línea. Lars Ulrich y Kirk Hammett todo un ejemplo de profesionalidad y precisión, y Robert Trujillo un espectáculo él solo. A pesar de ser el último miembro de Metallica en aterrizar en la formación, Trujillo se ha sabido ganar un lugar en la banda con su talento en las cuatro (o cinco o seis) cuerdas, y verlo en el escenario con su traje de baloncesto, agitando las melenas y martilleando con sus dedazos el bajo prácticamente en posición vertical, es un auténtico placer para la vista y los oídos.

Con el ambiente ya caldeado y con el público completamente en el bolsillo, Metallica se dispusieron a afrontar la parte central del concierto que comenzó con el tema “Sad but true” iniciado “a capella” por un James Hetfield únicamente acompañado por un ritmo de guitarra marcado por él mismo con las cuerdas de la guitarra muteadas. Tras una brillante puesta en escena coreada por el público, el grupo se retiraba y el escenario era víctima de una simulación de bombardeo con explosiones, llamaradas y juegos pirotécnicos que precedían al sobrecogedor “One”. A este par de clásicos le siguieron los dos últimos temas de “Death magnetic” en sonar en toda la noche, “All nightmare long” y “The day that never comes”.

Entre algunas canciones el grupo se retiraba hacia el “backstage”, momento durante el cual sonaba la introducción del siguiente tema extraída del propio LP y que inmediatamente era interrumpida por los propios Metallica tocando el resto del tema en riguroso directo. Un detalle curioso que jamás había visto en un concierto y que no acabó de gustarme demasiado puesto que puede hacer dudar a los menos atentos sobre la existencia o no de “playback”. Fue el caso, entre otros, de “Master of puppets”, tema que supuso otro de los momentos álgidos de la noche y con el que se encarriló la recta final del concierto compuesta por ésta y tres canciones más: “Blackened”, “Nothing else matters” y “Enter sandman”. La ejecución de las tres fue impecable y la entrega del público inmejorable.

Pese a que el grupo se despidió de la audiencia, todos sabemos que no hay concierto sin al menos un bis. Dicho y hecho. Mientras el público entonaba el clásico cántico futbolero de “Oé, oeoeoé... oé, oé”, Hetfield aparecía de nuevo en escena puntenado esa misma melodía en su guitarra ESP Explorer blanca. Después de agradecer el ambiente, la energía, las sensacones positivas transmitidas al grupo por parte del público y de llamarnos a todos en numerosas ocasiones “gran familia”, Metallica rindieron su particular homenaje a los míticos Queen con el tema “Stone cold crazy” publicado en su álbum “Garage Inc.” y que el propio James Hetfield ya cantó con los mismos Queen durante el concierto homenaje a Freddy Mercury celebrado en Wembley en el año 1992.

Casi a las dos y media de la madrugada llegó la hora del final de la actuación de Metallica y del Festival Sonisphere. “Phantom Lord” y “Seek and destroy”, dos temas de su primer álbum “Kill ‘em all”, fueron las canciones elegidas, la última dedicada especialmente por Hetfield a todas las bandas que habían pasado por el festival. Fue un brillante colofón adornado con fuegos artificiales, fogonazos y por las vueltas sobre sí mismo de Robert Trujillo. Metallica y todos los allí presentes quedamos plenamente satisfechos con esta madrugada histórica, tanto que incluso los propios miembros del grupo (a excepción de Robert Trujillo que simplemente se limitó a gritar “Força Barça”) nos prometieron volver más a menudo a Barcelona. Tomaremos nota.