Feliz año nuevo y que vuestros deseos se hagan realidad

El 2007 llega a su fin. Como todos los años por estas fechas es momento de reflexionar, hacer balance del año que se va y prometer para el año próximo miles de cosas que jamás vamos a cumplir. Para el que escribe, el 2007 ha sido un año lleno de acontecimientos, encuentros, eventos, carambolas y casualidades varias que lo han hecho muy especial, muy positivo y sin duda alguna un año inolvidable.

Desde aquí me gustaría desearos a todos que tengáis un feliz año 2008 y que vuestros deseos se hagan realidad. Sobre todo nunca dejéis de soñar porque de vez en cuando los deseos se cumplen, aunque para ello sea necesaria alguna ayuda externa como la de la foto del mes de Diciembre del 2007 que os adjunto a continuación.

Autor: Marta ayudando desde la Fontana de Trevi a tres meses vista.

Still giving (The Smokers) 2007

Cualquiera que escuche este disco sin conocer a sus autores podrá pensar que se trata del nuevo álbum de una banda de hard rock surgida en los garajes de algún barrio de Los Ángeles (California) durante la segunda mitad de la década de los 80. La sorpresa viene al descubrir que The Smokers ni son de Los Ángeles, ni de California, ni de los Estados Unidos; The Smokers son españoles, andaluces para más señas, concretamente de la localidad malagueña de Estepona para ser exactos. Parece mentira que de la tierra del flamenquito y de Julián Muñoz pueda salir un sonido como el de este segundo disco de The Smokers, pero así es. Con “Still giving” queda totalmente demostrado que, aunque no salgan por televisión, en este país también se sabe hacer buen rock & roll.

Con un redoble de batería al más puro estilo “You could be mine” y un efecto “talk-box” de guitarra eléctrica con sabor a “Anything goes”, ambas de Guns N’ Roses, “Still giving” arranca con “This is rock & roll”, un tema que cumple a la perfección con todos los patrones estilísticos del hard rock angelino de mediados de los 80. A éste le siguen una colección de buenas canciones presididas todas ellas por un estremecedor sonido de Gibson Les Paul que pone los pelos de punta. A pesar de que la gran mayoría son excepcionales, de entre todas las canciones del disco yo destacaría “Rock star”, un tema muy en la línea de The Black Crowes con sonido de piano y voces femeninas en los coros, no por ser la mejor sino por ser la más diferente a las demás.

La principal influencia musical de The Smokers ya quedó clara en “Giving up”, su primer disco, y en “Still giving” no hace más que confirmarse: Guns N’ Roses. El guitarrista Javier “Lobo” Molina parece que sea el sobrino de Slash porque emula con total perfección el sonido, la garra y el espíritu de éste durante la época de “Appetite for destruction”. Por lo que respecta al vocalista Gaspar “Gunsmoker” Gil, no diré que canta como Axl Rose porque eso es imposible, pero sí que recuerda y mucho al Axl de voz más grave de “Mr. Brownstone”, “It’s so easy” o “Bad obsession”.

Absolutamente todo el disco en sí es una reivindicación de que en España también se puede hacer hard rock de calidad. Además de las letras y los títulos de canciones como “This is rock & roll” o “Rock star”, en el mismo digipack (de estética muy americana simulando una cajetilla de papel de fumar) pueden leerse frases como “Amazing Rock N’ Roll from the South of Spain”, “Pure R’N’R” o “Fans of Rock & Roll, Hard Rock and Sleazy”.

El único pero que se le puede poner a este disco y a The Smokers en general es lo excesivamente parecidos que resultan a otras bandas que hemos escuchado con anterioridad y la pésima pronunciación de la lengua inglesa de su vocalista. Por lo demás, tanto el sonido como la ejecución del grupo rozan la perfección. De todas formas, ¿desde cuando la falta de acento o la mala pronunciación es un problema en el país donde triunfan Eros Ramazzotti, Nek o Laura Pausini? Yo personalmente prefiero que canten en inglés antes que en castellano porque el hard rock si no es en inglés no parece hard rock.

Acabaré diciendo que considero a The Smokers un grupo muy a tener en cuenta para todos aquellos amantes de la buena música por mucho que sean de Estepona. ¿O es que sólo van a poder hacer rock los americanos y los escandinavos?

Led Zeppelin

El año 2007 ha sido un año plagado de regresos y reencuentros de bandas míticas del rock & roll. El último de ellos ha sido el de uno de los grupos más importantes e influyentes de la historia de este género musical: Led Zeppelin. La cita tuvo lugar el pasado día 10 de Diciembre en el estadio O2 Arena de Londres y considero que un evento de tal magnitud es motivo más que suficiente para que Led Zeppelin sean nombrados artistas del mes de Diciembre de 2007 en el blog de El Artista Multimedia.

Led Zeppelin se fundó en Inglaterra a finales de 1968 de una forma bastante casual. Tras la disolución de The Yardbirds, el guitarrista Jimmy Page y el bajista Chris Dreja se encontraban buscando músicos para completar una formación que les permitiera realizar la gira escandinava que The Yardbirds ya habían cerrado antes de su separación. El primer músico en ser reclutado fue Robert Plant, hasta entonces vocalista del grupo hippie Hobbstweedle, el cual no dudó en aceptar la oferta. En vistas de que el grupo aún no disponía de batería Plant recomendó la incorporación de su amigo John Bonham, con el que había coincidido en los grupos Crawling King Snakes y Band of Joy, y que en aquel momento trabajaba como batería mercenario de otros músicos. Poco después de la llegada de John Bonham a la formación, Chris Dreja abandona la banda y el mundo de la música para dedicarse a la fotografía, haciéndose necesaria la incorporación de un nuevo bajista en el grupo. El elegido para sustituir a Chris es John Paul Jones, un experimentado músico de estudio y viejo conocido de Jimmy Page.

Con Robert Plant en la voz, Jimmy Page en la guitarra, John Paul Jones en el bajo y los teclados, y John Bonham en la batería, la formación, inicialmente denominada The New Yardbirds, se cerró definitivamente pudiéndose cumplir así los compromisos adquiridos por los antiguos Yardbirds. Durante el periodo de preparación de la gira escandinava el cuarteto congenió a la perfección e incluso llegaron a componer la mayoría de los temas que formarían parte de su futuro primer LP. Una vez finalizada la gira el grupo decidió abandonar el nombre de The New Yardbirds para pasar a denominarse Led Zeppelin. Existen diferentes versiones sobre el origen del nombre, pero con él enseguida recibirían importantes ofertas de diferentes productores y casas discográficas para registrar su primer trabajo discográfico.

A principios del año 1969 y bajo la producción del propio Jimmy Page, Led Zeppelin publica su primer disco, titulado igual que la banda, el cual obtiene diferente grado de aceptación entre el público británico y el americano. Mientras que en su tierra natal no fue recibido con demasiado entusiasmo, en Estados Unidos Led Zeppelin tuvo un éxito absoluto. Desde entonces hasta 1971, el grupo publica su particular tetralogía musical formada por los discos “Led Zeppelin”, “Led Zeppelin II”, “Led Zeppelin III” y “Led Zeppelin IV”, dentro de los cuales se encuentran temas clásicos de la historia del rock & roll como son “Inmigrant song”, “Whole lotta love”, “Communication breakdown”, “Dazed and confused”, “Stairway to heaven”, “Black dog”, “Rock & roll” y un larguísimo etcétera.

El estilo musical de la banda es un rock & roll contundente con claras influencias del blues, de la psicodelia e incluso del folk y de la música étnica. Por lo que respecta a las letras, son muchas las referencias a la mitología nórdica y al mundo de J.R.R. Tolkien que Robert Plant utiliza en sus canciones. De Led Zeppelin se ha escrito que son los padres del hard rock o incluso del heavy metal.

Desde 1971 hasta su disolución en 1980 la carrera de Led Zeppelin se vio marcada más por sus mastodónticas giras con jet privado incluido, por sus escándalos, por sus excesos con las drogas y el alcohol, y por los destrozos ocasionados en las habitaciones de los hoteles por los que pasaban, que por sus discos y sus composiciones musicales. Durante estos nueve años únicamente publicaron “Houses of the holly”, “Physical Graffiti”, “Presence” y “In through the out door”, que sin ser malos discos no destacan como sí lo hicieron los cuatro primeros trabajos de la banda.

El 25 de Septiembre de 1980 John Bonham fue encontrado muerto en una habitación de la mansión de Jimmy Page, ahogado en su propio vómito debido al consumo excesivo de alcohol. Tras el fallecimiento de John Bonham el resto de la banda optó por la disolución definitiva de Led Zeppelin, siguiendo cada uno de ellos su propio camino musical por separado.

Desde 1980 hasta el pasado día 10 de Diciembre, Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones nunca volvieron a subirse juntos a un escenario bajo el nombre de Led Zeppelin. Veintisiete años después el sueño de volver a escuchar en directo los temas legendarios de Led Zeppelin interpretados por ellos mismos pudo hacerse realidad. El músico elegido para sustituir a John Bonham en la batería durante esta cita tan especial fue su hijo Jason Bonham. Visto lo visto y después de haber leído las críticas de la prensa especializada, no cabe duda de que la elección no pudo ser más acertada.

Es una incógnita si Led Zeppelin acabaran aceptando las ofertas recibidas para realizar una gira mundial o si por el contrario su regreso simplemente fue una anécdota. Mientras se lo piensan y no, nosotros seguiremos disfrutando de su música y de las múltiples imágenes en DVD de su época gloriosa que afortunadamente existen en la actualidad.

Página web oficial: http://www.ledzeppelin.com

Ahora piden tu cabeza (Ariel Rot) 2005

Octavo y último disco de la carrera en solitario de Ariel Rot antes de la edición de “Etiqueta Negra”, la caja especial conmemorativa de sus treinta años en el mundo de la música.

Fuimos muchos los que pensamos que tras “Hablando solo” y “Cenizas en el aire”, en “Lo siento, Frank”, su siguiente disco de estudio, Ariel se había relajado considerablemente. Para la grabación de “Hablando solo” Ariel se desplazó a los estudios “Du Manoir” del sur de Francia y contó con la colaboración de The Atractions (la banda que acompaña a Elvis Costello desde hace más de 25 años) y Joe Blaney (el productor que ha trabajado con Keith Richards, Prince, The Clash, Ramones, Los Rodríguez y Andrés Calamaro entre otros). “Cenizas en el aire” también se grabó en “Du Manoir” pero fue producido por el mismo Ariel con Joe Blaney haciendo las labores de ingeniero de sonido. Esta vez no se rodeó de veteranos músicos de estudio sino de la formación que le había acompañado en los conciertos de su anterior gira. En ambos trabajos el resultado fue magnífico ya que grandísimos temas fueron registrados de una forma exquisita y muy profesional, alcanzando prácticamente la perfección sonora. Sin embargo “Lo siento, Frank” olía a disco barato, poco trabajado y de escasos medios. Esta vez ni viajó a Francia ni contó con la ayuda de Joe Blaney, sino que lo grabó en los estudios “La Cabaña Sonora” con José Nortes en la producción. Pero al margen de este descenso cualitativo en el proceso de grabación, eran las letras y la música en sí lo que flojeaba en este disco con respecto a los otros. Mientras que sus anteriores trabajos estaban plagados de temas excelentes, en éste muy pocos llegaban al notable. Daba la sensación de que lo más interesante del disco era el estuche de cartón diseñado por el modisto y diseñador David Delfín y el elenco de colaboradores que le acompañaron (Andrés Calamaro, Germán Vilella, Dani Nel.lo, Jaime Urrutia, Andy Chango, etc.).

Sería injusto y falso decir que “Lo siento, Frank” fue un mal disco, el problema estuvo en que el mismo Ariel se puso el listón tan alto con “Hablando solo” y “Cenizas en el aire” que su relajación en todos los aspectos fue demasiado evidente y algo decepcionante para los que admiramos su música. Pero como rectificar es de sabios, Ariel Rot dejó atrás la simplicidad, la comodidad y el trabajo casero, y dos años más tarde volvió a la carga con “Ahora piden tu cabeza”.

“Ahora piden tu cabeza” es un álbum de Ariel Rot en estado puro. En él hay espacio para el rock, para el pop, para el swing, para el jazz, para el funky e incluso para el folklore argentino. El disco abre con “Ahora piden tu cabeza”, un tema pop cuyo mensaje viene a decir más o menos lo que acabo de explicar en el párrafo anterior, que un músico no puede relajarse nunca si no quiere dejar de estar en la cima. Justo después nos encontramos con “Los tipos duros no bailan”, un tema con clarísimas reminiscencias de las baladas de los Rolling Stones. Más adelante tenemos “Dulce y solitario”, un funky; “Swing”, un swing (valga la redundancia) con letra de Sergio Makaroff (es casi imposible concebir un disco de Ariel Rot sin una sola letra de Sergio Makaroff); “Adiós carnaval” y “Muñeca rota”, un par de baladas; “Ya no sé dónde estaría”, una chacarera argentina; y una colección de temas pop-rock como “Fakir”, “Como la cigarra”, “Promesas de ayer” e “Historia incompleta”, temas muy en la línea de lo que ha venido haciendo Ariel Rot desde que trabaja en solitario. En definitiva, son 40 minutos de buena música desde que empieza hasta que acaba.

Para la prensa cada disco que publica Ariel Rot es el disco más maduro o más adulto de su carrera. No sé si se refieren al mensaje de sus letras, si se refieren a su música o si lo dicen porque queda bien decirlo y llena líneas. A mí personalmente “Ahora piden tu cabeza” no me parece más maduro que “Hablando solo” ni que “Cenizas en el aire”. Está claro que la línea musical que ha elegido Ariel Rot desde que abandonó Los Rodríguez ha sido utilizar el rock como hilo conductor entre otros estilos, como por ejemplo el jazz o el funky, que le apasionan y que se nota que domina pero que en sus anteriores bandas no pudo desarrollar.

En mi opinión “Ahora piden tu cabeza” se aproxima mucho pero no supera a “Hablando solo” y “Cenizas en el aire”. Aún así, no cabe duda que fue la mejor manera de reivindicar que Ariel Rot es uno de los grandes músicos del panorama musical hispano y que en absoluto se le ha olvidado cómo se hacen canciones, cómo se toca la guitarra y cómo se graban buenos discos. Esperemos que vengan muchos más discos iguales o parecidos.

Wish you were here (Pink Floyd)

Un año más, como si dentro de un bucle infinito formado por 365 pasos nos encontrásemos inmersos, ya estamos en Navidad. En esta época del año a todas horas y a través de todos los medios de comunicación habidos y por haber no dejan de recordarnos la obligación que tenemos de ser felices durante sus dos semanas de duración. El resto del año nos pueden dar mucho por el culo a todos, pero en Navidad hay que ser felices por cojones. Supongo que a los señores publicistas y comunicadores varios se les escapará lo complicado que resulta ser feliz cuando alguien con el que has pasado y disfrutado estas fechas durante toda la vida ya no se encuentra entre nosotros.

La canción del mes de Diciembre de 2007 del blog de El Artista Multimedia es un pensamiento en voz alta que supongo que a muchos les vendrá a la mente cada vez que se acerca la Navidad. Se trata de “Wish you were here”, un tema bastante atípico aunque de los más conocidos dentro del repertorio de Pink Floyd, publicado allá por 1975 en su disco homónimo y cuyo título traducido al castellano vendría a significar “Ojalá estuvieras aquí”. Roger Waters pensó en su difunto padre cuando lo compuso y a mí, varias décadas después, me gustaría dedicárselo, allá donde estén, a todas las personas que nos dejaron y que ya no volverán pero que durante estos días desearíamos especialmente que estuvieran aquí.

Amigos lectores del blog de El Artista Multimedia, os deseo que paséis las Navidades lo mejor que podáis y que tengáis un feliz resto del año.

Ficha Técnica:
· Título: Wish you were here
· Álbum: Wish you were here
· Año: 1975
· Intérprete: Pink Floyd
· Autor: R. Waters, D. Gilmour

Escucha un fragmento:


“Como desearía que estuvieras aquí”

EnJoy (Jaime Urrutia) 2007

En época de sequía creativa todo artista consagrado tiene la posibilidad de publicar un álbum en directo, un recopilatorio de grandes éxitos o un disco de duetos con algunos de sus amigos y compañeros de profesión. De esta forma se consigue permanecer en las listas de ventas y en las emisoras de radio durante el tiempo suficiente como para que lleguen la inspiración y las ganas de grabar un nuevo disco con material fresco. El último disco de Jaime Urrutia es un perfecto ejemplo de todo lo anterior. Después de un éxito bastante relativo de “El muchacho eléctrico”, su segundo álbum en solitario publicado en el año 2005, el pasado mes de Abril veía la luz “EnJoy”, el primer disco en directo de la carrera de Jaime Urrutia, tanto en solitario como con Gabinete Caligari, grabado el 20 de Febrero en la sala Joy Eslava de Madrid. En él, además de repasar todos sus grandes éxitos de ayer y hoy en vivo y en directo, Urrutia contó con la inestimable colaboración de algunos de los artistas más “populares” del rock hispanohablante actual. Un gancho perfecto para que todos los medios de comunicación vuelvan a poner su punto de mira en un nuevo trabajo de Jaime Urrutia.

Como estandarte de ese género musical propio que dio en llamarse “Rock torero”, el disco comienza con el pasodoble “Gallito” sonando de fondo antes de que Urrutia y sus Corsarios se suban al escenario. Con una coordinación perfecta, el pasodoble del maestro Santiago Lope Gonzalo empalma con “Delirios de grandeza”, un tema descatalogado dentro de la obra de Gabinete Caligari que no puede encontrarse en el mercado dentro de ningún disco de la banda. Tras él vienen “Tócala Uli” y “¿Dónde estás?”, con la aparición por sorpresa en esta última de Loquillo recitando la famosa frase macarra de “Ey nena...”

A partir de aquí se van alternando temas interpretados sólo por Jaime Urrutia con otros para los cuales llama a escena a su elenco de colaboradores para interpretarlos junto a ellos. Este quizás sea el principal atractivo del disco. Así, Ivan Ferreriro, Pereza, Jorge Drexler, Enrique Bunbury, Ariel Rot y Amaral, van subiendo al escenario para cantar a dúo “Mentiras”, “Cuatro rosas”, “Pitusa”, “Al calor del amor en un bar”, “¡Qué barbaridad!” y “Camino Soria” respectivamente, en unos casos con puestas en escena más brillantes que en otros. Por ejemplo, Amaral, que a mi gusto cada vez canta mejor, hace uno de los mejores “Camino Soria” que jamás he escuchado; Ariel Rot arregla “¡Qué barbaridad!” a la perfección con sus solos de Telecaster; y Jorge Drexler hace la versión más distinta a la original de todas las registradas en el disco. Entre medio de todos estos temas Jaime alterna “Vestida para mí”, “Maribel”, “Suite nupcial”, “Completamente feliz” y “La culpa fue del cha-cha-chá”, tras la cual se despide del público de Madrid.

A modo de bis, después de la despedida Jaime Urrutia vuelve para interpretar con Loquillo “Caray”, el mítico tema de Gabinete Caligari que ya interpretara con él en aquel disco en directo del catalán titulado “Compañeros de viaje”. Tras éste viene la colaboración más incomprensible de todo el disco, la de Dani Martín de El canto del loco, para hacer o perpetrar su particular y lamentable versión de “La sangre de tu tristeza”. Finalmente “Nadie me va a añorar”, como los dos anteriores también de Gabinete, es el tema que cierra el concierto aunque no el disco, ya que tras él se adjunta como “bonus track” la canción hasta el momento inédita titulada “Tratando”, cantada a dúo por Jaime Urrutia y Andrés Calamaro. Al serle imposible estar presente en el concierto de Joy Eslava, Andrés grabó su voz desde Buenos Aires para posteriormente ser mezclada en el estudio junto al tema en sí.

Aunque la voz de Jaime Urrutia suene bastante cascada y en ocasiones hasta parezca afónica, tanto el repertorio como algunas de las colaboraciones especiales hacen de este disco un buen resumen de la carrera de este grande del rock español y un material histórico digno de guardar en un lugar preferente de nuestras estanterías de discos.

Musicovery

¿Estás cansado de poner la radio y no encontrar ninguna emisora que satisfaga por completo tus gustos musicales? ¿Has aborrecido los éxitos del momento a base de escucharlos una y otra vez sea cual sea la emisora que sintonices? ¿Te gustaría que existiera un programa musical cuya programación fuera siempre acorde con tu estado de ánimo? Probablemente no encuentres ninguna emisora ni ningún programa que cumpla todas estas condiciones por completo, pero para eso está Internet. El enlace del mes de Diciembre de 2007 del blog de El Artista Multimedia es "Musicovery", todo un universo musical en forma de web cuya dirección es la siguiente: http://www.musicovery.com

De apariencia muy sencilla pero de posibilidades ilimitadas, "Musicovery" es una página web de reproducción musical en la que los visitantes podrán elegir desde el género que desean escuchar hasta la década en la que fueron grabados los temas, pasando por el estado de ánimo en el que se encuentra el oyente o el grado de bailabilidad deseado para las canciones. Una vez realizada la selección, el propio sistema se encargará de recopilar los temas que van a sonar y de mostrarlos unidos entre sí como si de una constelación de estrellas se tratase, presentados cada uno de ellos con la carátula del álbum al que pertenecen y el nombre del músico y el tema. La lista de canciones que se van a reproducir podrá modificarse en cualquier momento de la reproducción haciendo un simple "click" de ratón sobre el control de selección de la página o sobre cualquiera de los temas de la lista. La calidad del audio no es la mejor del mundo pero la velocidad de reproducción es excelente no produciéndose ningún corte durante ésta.

Además de ser muy útil para escuchar la música deseada en el momento deseado, "Musicovery" es ideal para descubrir nuevas canciones, nuevos discos y nuevos artistas similares a otros que son de nuestro agrado pero que nunca habíamos tenido la oportunidad de escuchar. Pero no sólo eso, además de escuchar, "Musicovery" nos ofrece incluso la posibilidad de comprar los temas que están sonando a través de una de las tiendas musicales "on-line" con más garantías de toda la red.

Es posible que cuando llevemos una larga temporada haciendo uso de esta página empecemos a notar que las canciones se reptien, pero para esto habrán sido necesarias muchas horas de escucha, así que ¿por qué no váis empezando y lo comprobáis vosotros mismos?

Musicovery: http://www.musicovery.com

Concierto de Dream Theater (Pavelló Olímpic de Badalona, Badalona 02/11/2007)

Los reyes del metal progresivo se salen en la cancha de “La Penya”

El pasado día 2 de Noviembre, con motivo de la gira de presentación de su nuevo álbum “Systematic chaos”, aterrizaban en Barcelona los newyorkinos Dream Theater. Lo que me ha pasado con Dream Theater me ha pasado con muy pocos artistas. No hace ni un año que empecé a conocer a fondo su obra y cuando supe que su gira “Chaos in motion World Tour 2007” llegaba a Barcelona me faltó el tiempo para ir a comprar la entrada. Después de escuchar prácticamente toda su discografía, ver alguna que otra actuación en DVD y hablar largo y tendido sobre ellos con algunos amigos mucho más fans que yo, sólo me quedaba comprobar en vivo y en directo la sensación que transmite en sus conciertos una de las formaciones musicales con más talento en la composición de melodías y más precisión tocando sus instrumentos de todas las bandas de heavy metal que existen en la actualidad.

No soy demasiado fan de la faceta más metalera de Dream Theater. Personalmente me atraen mucho más sus discos más melódicos como “Metropolis Pt. 2”, “Octavarium”, “Images and words” o “Falling into infinity”, y para mí era una incógnita con qué Dream Theater me iba a encontrar en este concierto. Al llevar a Symphony X como teloneros y habiendo escuchado su último disco, todo parecía indicar que íbamos a presenciar más un derroche de watios que de sensibilidad melódica.

El recinto elegido para celebrar el concierto fue el Pavelló Olímpic de Badalona, el palacio de deportes donde acostumbra a jugar el Juventut de Badalona, equipo de baloncesto de la liga ACB. Los conciertos que tienen lugar en pabellones polideportivos se suelen caracterizar por su poca ventilación, por el ambiente ultra cargado que se respira (a pesar de que está prohibido fumar) y por su pésima acústica. Todo esto es comprensible ya que los palacios de deportes están diseñados para practicar deporte, no para celebrar espectáculos musicales, y si el técnico de sonido del grupo en cuestión no es muy bueno, en un concierto de estas características se corre el riesgo de no distinguir bien el sonido de un instrumento del de otro.

Fue precisamente eso lo que ocurrió durante la actuación de Symphony X, los teloneros de Dream Theater durante esta gira. En ocasiones no se escuchaba prácticamente más que ruido y no se sabía si estaba sonando el bajo o el bombo de la batería. Si a Dream Theater los conozco desde hace relativamente poco, a Symphony X directamente ni los conozco. Cuando segundos antes del inicio de su actuación se apagaron las luces y empezó a sonar una melodía entre épica y apocalíptica (tanto es así que no se sabía si quien iba a salir al escenario iba a ser una orda de orcos, Batman o una banda de rock), ya me imaginé un poco del palo que iban. Como no los conozco no voy a opinar sobre su show, pero después de verlos tocar y desde la ignorancia que me da el no haber escuchado absolutamente nada de ellos antes, la impresión que me llevé de Symphony X no es más que la de una banda de heavy metal con un guitarrista veloz y un vocalista chillón como las miles que hay en el panorama metalero actual. Mi actitud durante su actuación fue bastante indiferente al no saberme ninguna canción ni gustarme demasiado su estilo, pero hay que decir que, en general, el público de Badalona respondió muy bien y demostraron ser conocedores y admiradores de su trabajo.

A pesar de haber ofrecido un concierto que no sonó excesivamente bien, la actuación en Badalona de Symphony X será recordada por los siglos de los siglos gracias a las perlas verbales que soltó su cantante durante el concierto. Entre ellas podríamos destacar el saludo al público catalán con un “¡¡¡Hola España!!!”, su intento de animar a la audiencia con un “¿Dónde están cojones de España?” y su declaración de amor por nuestra tierra con un emotivo “¡¡¡Mucho tiempo sin venir a España es mierda!!!”.

Justo después de que Symphony X acabaran su actuación se encendía la luz roja del semáforo que permanecía colgado del techo del pabellón, similar al que preside la portada de “Systematic chaos”. Una señal de tráfico con el símbolo de la banda y un par de hormigas gigantes situadas en la parte frontal del escenario eran algunos de los elementos decorativos que hacían referencia a la portada del disco. Cuando los técnicos acabaron su montaje y se retiraron, el semáforo cambió de rojo a ámbar dando a entender que se aproximaba el inicio del concierto. Minutos más tarde las luces del Pavelló Olimpic de Badalona se apagaron, el semáforo se puso en verde y por las pantallas ubicadas en la parte trasera del escenario comenzó la proyección de un montaje audiovisual en el que se mezclaban efectos visuales con imágenes en directo grabadas durante diferentes etapas de la banda. Tras finalizar la proyección, Dream Theater saltaban a escena interpretando el fragmento de “Así habló Zarathustra” incluido en la banda sonora original de “2001: Odisea en el espacio” antes de descargar sobre el público de Badalona toda la potencia de “Constant motion”, el primer single de su nuevo disco “Systematic chaos”. Tras ésta vendrían “Strange deja vu” del álbum “Metrópoli Pt. 2” y “Blind faith” de “Six degrees of inner turbulence”, antes de que James LaBrie se dirigiera al público catalán por primera vez en toda la noche.

Durante estos primeros temas los allí presentes pudimos disfrutar de la contundencia rítmica de John Myung con su bajo de seis cuerdas y de Mike Portnoy con su doble batería, además de las más que conocidas velocidad y precisión de John Petrucci en la guitarra y de Jordan Rudess en los teclados. James LaBrie suele sufrir bastante de la garganta durante el transcurso de sus giras pero en Badalona supo estar a la altura de la impecabilidad de sus compañeros. En alguna ocasión desaparecía del escenario durante las partes instrumentales para darle un par de tragos a dos botellas que guardaba detrás de la batería. Por lo que a sonido se refiere, durante los primeros minutos de la actuación de Dream Theater ya quedó claro que el problema de Symphony X no fueron sólo las condiciones acústicas del recinto sino que algo tendría que ver el técnico o incluso los propios músicos en la algarabía sonora con la que nos habían obsequiado hacía unos instantes.

El concierto prosiguió con el tema “Surrounded”, publicado en su álbum “Images and words”, durante el cual alguien del público le lanzó un sombrero de paja a James LaBrie. Éste no dudó en calárselo y llevarlo puesto durante esta y parte de la siguiente canción, recordando al primo heavy de Don Pinpón. También fue especial en este tema el solo de guitarra de “Mother” de Pink Floyd que John Petrucci intercaló en la parte final. A continuación llegaría el turno de “The dark eternal night”, el segundo tema de “Systematic chaos” que sonaba en toda la noche. Este quizás fuera uno de los momentos más espectaculares de la noche aunque si nos hubieran puesto el CD no nos hubiéramos dado cuenta porque todo el mundo centró su mirada en las pantallas. El motivo era la proyección en perfecta sincronía con la música de “North American Dream Squad”, un corto de animación con las caricaturas de todos los miembros de Dream Theater como protagonistas en el que, haciendo uso de sus armas musicales, combatían contra todo tipo de seres monstruosos.

Después de semejante tormenta de decibelios llegaría el romanticismo de “The spirit carries on” incluida en “Metropolis Pt.2” y el dramatismo de “Forsaken” publicada en “Systematic chaos”, para acabar la primera parte del concierto con la energía de “Take the time” publicada en “Images and words” y las dos partes de “In the presence of the enemies”, de “Systematic chaos”, fusionadas en una única pieza. De esta forma concluía el primer bloque de canciones del concierto tras el cual la banda se retiraba a los camerinos y el semáforo volvía a ponerse rojo.

A Dream Theater siempre se les ha criticado lo estáticos que son encima del escenario. Si bien es cierto que John Petrucci y John Myung prácticamente no se mueven de la baldosa en todo el concierto, Mike Portnoy y Jordan Rudess por sí solos ya son un espectáculo. Ver tocar a Mike Portnoy el armatoste de batería que lleva mientras se pega puñetazos en la cabeza, hace girar sus baquetas en el aire o las hace rebotar y salir volando sin perder ni una sola vez el compás, es todo un show. En cuanto al teclista Jordan Rudess, éste cada vez va incorporando más elementos a su equipo. No le basta con los dos teclados y el ordenador portátil que lleva montados en su plataforma giratoria, ahora además utiliza un teclado colgado del hombro que le sirve para interactuar más directamente con el público y tocar mano a mano con John Petrucci en la parte frontal del escenario. James LaBrie por su parte se mantiene en un segundo plano durante todo el concierto, llegándose a retirar al “backstage” mientras sus compañeros ejecutan sus respectivos solos para dejarles a ellos todo el protagonismo.

Minutos más tarde la banda volvía al escenario para interpretar el único bis de todo el concierto con la sorpresa de Mike Portnoy portando la camiseta del F.C. Barcelona. Durante algo más de media hora, y sin apenas descanso, Dream Theater desplegaron un “medley” compuesto por fragmentos de algunos temas de todas sus etapas. “Trial of tears” de “Falling into infinity”, “Finally free” de “Metropolis Pt.2”, “In the name of God” de “Train of thought” y “Octavarium” del disco homónimo, fueron los temas cuyos fragmentos formaron este set final con el que los americano dijeron adiós a Badalona.

Aunque quizás resultara algo corto y, a mi gusto, sobrara la actuación de los teloneros, una vez disfrutado, asimilado y analizado desde la perspectiva del paso del tiempo, tengo que decir que Dream Theater no me defraudaron en absoluto. Tras haberles aprobado prácticamente toda su discografía y sin ser el concierto ni la banda de mi vida, para mí Dream Theater han pasado con sobresaliente la reválida que han de pasar todas las bandas de rock para que el que escribe pueda considerarlas buenas bandas de rock: el directo. Sin duda alguna esperaré su regreso a tierras catalanas para volver a disfrutar de otro recital de rock como el del pasado 2 de Noviembre. Esperemos que no tarden en volver porque mucho tiempo sin Dream Theater es mierda.

Homenaje a Jimi Hendrix

El pasado 17 de Septiembre se cumplieron 30 años de la muerte de Jimi Hendrix, uno de los profetas musicales del siglo XX y quizás el personaje que cambió la forma de entender el rock & roll. Muchas de las cosas que hoy consideramos rock seguramente serían inconcebibles si jamás hubiera existido Jimi Hendrix. Con su forma sucia, bronca, pero a la vez virtuosa de tocar, Jimi Hendrix revolucionó el sonido de la guitarra eléctrica descubriendo todo un universo de posibilidades que posteriormente han sido adaptadas por muchos otros guitarristas.

El último vídeo del mes del año 2007 es este fragmento de la legendaria actuación de Jimi Hendrix en el Monterey Pop Festival celebrada el día 18 de Junio de 1967, tres meses antes de su muerte. En ella podemos disfrutar de una particular versión del tema "Wild thing" de Chip Tylor, así como de toda una demostración de respeto por parte de Jimi Hendrix hacia su guitarra.

Que sirva este vídeo de homenaje al Dios de las seis cuerdas.

La lengua popular (Andrés Calamaro) 2007

Una de las buenas noticias musicales del año 2007 ha sido el retorno de Andrés Calamaro al camino que nunca debió abandonar, el del músico, compositor, letrista, intérprete, poeta, guitarrista, rockero y, en definitiva, el del artista con todas las letras que siempre ha sido. Desde la edición de “El salmón”, todo lo que había publicado Calamaro habían sido dos discos de versiones de clásicos de la música latinoamericana y de tangos, un disco de grandes éxitos grabados en directo, y un álbum de estilo inclasificable y calidad muy discutible junto al también argentino Litto Nebbia. Sinceramente, muchos de los seguidores de Andrés Calamaro no esperábamos que volviera a hacer ese estilo de música con el que nos encandiló a través de sus obras maestras “Alta suciedad”, “Honestidad brutal” y “El salmón”, más allá de alguna que otra gira de conciertos de uvas a peras para saciar su apetito rockero, pero finalmente lo ha hecho.

A mediados de 2007 nos sorprendió a todos con su participación en una gira de reivindicación del rock en castellano llevada a cabo conjuntamente con Fito & Fitipaldis, y mucho más con el anuncio de la publicación de su nuevo disco, “La lengua popular”, catalogado por toda la crítica como “El mejor disco de Calamaro desde El salmón”, lo cual tampoco es que sea muy difícil. Parece ser que Andrés Calamaro vuelve a tener ganas de salir del cascarón y, a juzgar por lo visto y escuchado, la verdad es que se encuentra en plena forma.

Producido por Cachorro López, el que fuera bajista y compañero de Andrés durante su etapa en “Los abuelos de la nada”, “La lengua popular” puede que no tenga ese aire mega profesional de “Alta suciedad”, pero tampoco ese toque antiguo y sucio tan característico de Javier Limón como ocurría en “El cantante” y “Tinta roja”, ni ese olor a disco casero grabado con un 8 pistas como “El salmón”. Si hubiera que hacer algún tipo de comparación con otro de sus trabajos discográficos quizás el disco al que más próximo estaría “La lengua popular” sería a “Honestidad brutal”, tanto por lo que respecta al sonido de la grabación como al contenido musical de éste. De igual forma que “Honestidad brutal”, “La lengua popular” es una compilación de canciones de estilos y ritmos de lo más variado en las que se utiliza el rock como hilo conductor, y donde se vuelve a cuidar mucho la calidad de la grabación no dejando lugar a desviaciones extrañas hacia lo bizarro. “La lengua popular” es un poco un resumen de lo que Calamaro venía haciendo antes de su baja voluntaria.

En esta ocasión Andrés Calamaro hace prácticamente de todo: compone, escribe, canta, se hace coros a sí mismo, toca la guitarra eléctrica, la guitarra acústica y los teclados. Lo mismo le da hacerlo en clave de rock como en “Los chicos” o “Sexy y barrigón”, que en clave de cumbia como en “5 minutos más (minibar)” o “Comedor piquetero”, que a través de una balada como en “Soy tuyo” o “Cada una de tus cosas”. Pero a pesar de ser un artista polifacético, en este disco no está solo. Además del ya mencionado Cachorro López que ejerce de productor y bajista, Andrés cuenta con la colaboración de otros músicos experimentados como los guitarristas Gringui Herrera, Juanchi Baleiron y Tito Losabio, el pianista Leo Sujatovich o el bajista Guillermo Vadalá entre otros.

Si lo analizamos con detenimiento, la verdad es que en "La lengua popular" hay muy pocas sorpresas ya que la mayoría de los temas recuerdan a otros que habíamos escuchado con anterioridad. Lejos de ser un defecto, este hecho es algo normal puesto que la discografía de Andrés Calamaro se compone de algo más de dos centenares de canciones y por fuerza ha de existir alguna similitud entre los temas de éste y de otros discos. Así pues, se podría decir que la novedad de “La lengua popular” está en que es el primer disco con sonido 100% Calamaro que publica Calamaro después de mucho tiempo.

Por lo que respecta a las letras, cualquiera que las escuche y conozca la discografía de Andrés Calamaro se dará cuenta de que algo ha pasado en la vida del argentino. Su recuperación de los problemas con las drogas, el haber encontrado una pareja con la que compartir su vida, su reciente paternidad y, en resumen, el haber encontrado de una vez por todas la felicidad, se ve reflejado no sólo en su aspecto físico y en su actitud ante los medios de comunicación sino también en las letras de su nuevo disco. Andrés ha pasado de escribir “Joder, ya no me quieres” a escribir “Joder, cuánto te quiero”. Personalmente me alegro mucho de que por fin haya vuelto al mundo de los vivos y de que actualmente estemos más pendientes de si publica un disco o sale de gira que de si sigue con vida, pero particularmente a mí me emocionaba mucho más su forma de transmitir el pesimismo, el derrotismo y la negatividad, que sus actuales versos edulcorados y sus declaraciones de amor eterno. Pero bueno, no hay mal que por bien no venga y para eso siempre nos quedarán sus anteriores discos que, por mucho que pasen los años, siempre serán un refugio al que acudir en determinados momentos de necesidad.

Ojo por ojo...

Los que escribimos de forma amateur porque nos gusta expresar públicamente nuestra opinión y nuestro punto de vista sobre las cosas, en ningún momento pretendemos obtener más beneficio que el de satisfacer nuestra necesidad creativa y el de ofrecer a todo aquel que pueda estar mínimamente interesado información, crítica y opinión sobre aquello que pasa por nuestros oídos, ojos y cerebro. Ni pretendemos lucrarnos ni utilizar nuestras plataformas de expresión como medio de autopublicidad, ya que la mayoría tenemos otras profesiones y esto lo hacemos por pura afición. Pero el hecho de que no nos ganemos la vida con esto no le da derecho a nadie a utilizar nuestros textos, nuestras opiniones y, en definitiva, nuestro trabajo con fines lucrativos y mucho menos sin nombrar la fuente de la cual han sido obtenidos. Eso es precisamente lo que ha ocurrido con alguno de los textos publicados en este blog.

El pasado mes de Septiembre declaré artista del mes al músico Gonzalo Valdivia por su reciente incorporación a la gira 2007 de Héroes del Silencio. Como hago con todos los artistas del mes, redacté sobre él una breve retrospectiva de su carrera musical basándome en los datos obtenidos tras varios años siguiendo su música y tras alguna conversación personal, tanto con él como con gente de su entorno. Una vez publicado mi artículo incluso recibí un mensaje de felicitación por su parte, el cual le agradezco infinitamente.

Pues bien, en Noviembre de este año el club de fans oficial de Pink Floyd en España editó un fanzine sobre la banda conmemorando el décimo aniversario de la creación del club de fans. Con este fanzine (un manojo de fotocopias encuadernadas valoradas en 16 euros del ala) se regalaba un CD en el que se recopilaban una serie de versiones de Pink Floyd grabadas por diferentes bandas tributo españolas. En él había temas de Syd Barretina, Pink Tones, The Brick, Uveros y Gonzalo Valdivia entre otros. Como admirador de la banda que soy encargué dicho fanzine y cuando me encontraba leyendo las biografías de las bandas que colaboran en el CD, ¡oh sorpresa!, la biografía de Gonzalo Valdivia era la misma que yo publiqué en el mes de Septiembre en este blog. Al principio me hizo gracia que el blog de El Artista Multimedia fuera tomado como referencia y como fuente de información, pero cuando acabé de leer el artículo me di cuenta de que mi nombre no aparecía ni como autor de éste ni dentro de los créditos de dicha publicación.

He intentado ponerme en contacto con el "autor" de la revista para que me diera alguna explicación sobre lo ocurrido pero lo que he obtenido ha sido el silencio por respuesta. Por lo tanto, como él ha utilizado mi trabajo sin pedirme permiso y sin tan siquiera mencionarme, mientras me planteo emprender medidas legales amparado por la ley de la propiedad intelectual y los derechos de autor (ya que este blog se encuentra protegido bajo un licencia Creative Commons), me veo en pleno derecho de publicar libremente ese CD tributo a Pink Floyd que tantos beneficios económicos le está reportando al club de fans, para que la gente a la que le interese no tenga que gastarse el dinero en unas fotocopias con material copiado. Así que aquí lo tenéis:

[Pigs on the wing (Pink Floyd Spanish Tribute)]

Desde aquí me gustaría lanzar un mensaje para todos aquellos que utilizan el trabajo de los demás sin autorización de su autor y con fines lucrativos... ¡¡¡Que os den por el culo!!!