Feliz año nuevo y que vuestros deseos se hagan realidad

El 2007 llega a su fin. Como todos los años por estas fechas es momento de reflexionar, hacer balance del año que se va y prometer para el año próximo miles de cosas que jamás vamos a cumplir. Para el que escribe, el 2007 ha sido un año lleno de acontecimientos, encuentros, eventos, carambolas y casualidades varias que lo han hecho muy especial, muy positivo y sin duda alguna un año inolvidable.

Desde aquí me gustaría desearos a todos que tengáis un feliz año 2008 y que vuestros deseos se hagan realidad. Sobre todo nunca dejéis de soñar porque de vez en cuando los deseos se cumplen, aunque para ello sea necesaria alguna ayuda externa como la de la foto del mes de Diciembre del 2007 que os adjunto a continuación.

Autor: Marta ayudando desde la Fontana de Trevi a tres meses vista.

Still giving (The Smokers) 2007

Cualquiera que escuche este disco sin conocer a sus autores podrá pensar que se trata del nuevo álbum de una banda de hard rock surgida en los garajes de algún barrio de Los Ángeles (California) durante la segunda mitad de la década de los 80. La sorpresa viene al descubrir que The Smokers ni son de Los Ángeles, ni de California, ni de los Estados Unidos; The Smokers son españoles, andaluces para más señas, concretamente de la localidad malagueña de Estepona para ser exactos. Parece mentira que de la tierra del flamenquito y de Julián Muñoz pueda salir un sonido como el de este segundo disco de The Smokers, pero así es. Con “Still giving” queda totalmente demostrado que, aunque no salgan por televisión, en este país también se sabe hacer buen rock & roll.

Con un redoble de batería al más puro estilo “You could be mine” y un efecto “talk-box” de guitarra eléctrica con sabor a “Anything goes”, ambas de Guns N’ Roses, “Still giving” arranca con “This is rock & roll”, un tema que cumple a la perfección con todos los patrones estilísticos del hard rock angelino de mediados de los 80. A éste le siguen una colección de buenas canciones presididas todas ellas por un estremecedor sonido de Gibson Les Paul que pone los pelos de punta. A pesar de que la gran mayoría son excepcionales, de entre todas las canciones del disco yo destacaría “Rock star”, un tema muy en la línea de The Black Crowes con sonido de piano y voces femeninas en los coros, no por ser la mejor sino por ser la más diferente a las demás.

La principal influencia musical de The Smokers ya quedó clara en “Giving up”, su primer disco, y en “Still giving” no hace más que confirmarse: Guns N’ Roses. El guitarrista Javier “Lobo” Molina parece que sea el sobrino de Slash porque emula con total perfección el sonido, la garra y el espíritu de éste durante la época de “Appetite for destruction”. Por lo que respecta al vocalista Gaspar “Gunsmoker” Gil, no diré que canta como Axl Rose porque eso es imposible, pero sí que recuerda y mucho al Axl de voz más grave de “Mr. Brownstone”, “It’s so easy” o “Bad obsession”.

Absolutamente todo el disco en sí es una reivindicación de que en España también se puede hacer hard rock de calidad. Además de las letras y los títulos de canciones como “This is rock & roll” o “Rock star”, en el mismo digipack (de estética muy americana simulando una cajetilla de papel de fumar) pueden leerse frases como “Amazing Rock N’ Roll from the South of Spain”, “Pure R’N’R” o “Fans of Rock & Roll, Hard Rock and Sleazy”.

El único pero que se le puede poner a este disco y a The Smokers en general es lo excesivamente parecidos que resultan a otras bandas que hemos escuchado con anterioridad y la pésima pronunciación de la lengua inglesa de su vocalista. Por lo demás, tanto el sonido como la ejecución del grupo rozan la perfección. De todas formas, ¿desde cuando la falta de acento o la mala pronunciación es un problema en el país donde triunfan Eros Ramazzotti, Nek o Laura Pausini? Yo personalmente prefiero que canten en inglés antes que en castellano porque el hard rock si no es en inglés no parece hard rock.

Acabaré diciendo que considero a The Smokers un grupo muy a tener en cuenta para todos aquellos amantes de la buena música por mucho que sean de Estepona. ¿O es que sólo van a poder hacer rock los americanos y los escandinavos?

Led Zeppelin

El año 2007 ha sido un año plagado de regresos y reencuentros de bandas míticas del rock & roll. El último de ellos ha sido el de uno de los grupos más importantes e influyentes de la historia de este género musical: Led Zeppelin. La cita tuvo lugar el pasado día 10 de Diciembre en el estadio O2 Arena de Londres y considero que un evento de tal magnitud es motivo más que suficiente para que Led Zeppelin sean nombrados artistas del mes de Diciembre de 2007 en el blog de El Artista Multimedia.

Led Zeppelin se fundó en Inglaterra a finales de 1968 de una forma bastante casual. Tras la disolución de The Yardbirds, el guitarrista Jimmy Page y el bajista Chris Dreja se encontraban buscando músicos para completar una formación que les permitiera realizar la gira escandinava que The Yardbirds ya habían cerrado antes de su separación. El primer músico en ser reclutado fue Robert Plant, hasta entonces vocalista del grupo hippie Hobbstweedle, el cual no dudó en aceptar la oferta. En vistas de que el grupo aún no disponía de batería Plant recomendó la incorporación de su amigo John Bonham, con el que había coincidido en los grupos Crawling King Snakes y Band of Joy, y que en aquel momento trabajaba como batería mercenario de otros músicos. Poco después de la llegada de John Bonham a la formación, Chris Dreja abandona la banda y el mundo de la música para dedicarse a la fotografía, haciéndose necesaria la incorporación de un nuevo bajista en el grupo. El elegido para sustituir a Chris es John Paul Jones, un experimentado músico de estudio y viejo conocido de Jimmy Page.

Con Robert Plant en la voz, Jimmy Page en la guitarra, John Paul Jones en el bajo y los teclados, y John Bonham en la batería, la formación, inicialmente denominada The New Yardbirds, se cerró definitivamente pudiéndose cumplir así los compromisos adquiridos por los antiguos Yardbirds. Durante el periodo de preparación de la gira escandinava el cuarteto congenió a la perfección e incluso llegaron a componer la mayoría de los temas que formarían parte de su futuro primer LP. Una vez finalizada la gira el grupo decidió abandonar el nombre de The New Yardbirds para pasar a denominarse Led Zeppelin. Existen diferentes versiones sobre el origen del nombre, pero con él enseguida recibirían importantes ofertas de diferentes productores y casas discográficas para registrar su primer trabajo discográfico.

A principios del año 1969 y bajo la producción del propio Jimmy Page, Led Zeppelin publica su primer disco, titulado igual que la banda, el cual obtiene diferente grado de aceptación entre el público británico y el americano. Mientras que en su tierra natal no fue recibido con demasiado entusiasmo, en Estados Unidos Led Zeppelin tuvo un éxito absoluto. Desde entonces hasta 1971, el grupo publica su particular tetralogía musical formada por los discos “Led Zeppelin”, “Led Zeppelin II”, “Led Zeppelin III” y “Led Zeppelin IV”, dentro de los cuales se encuentran temas clásicos de la historia del rock & roll como son “Inmigrant song”, “Whole lotta love”, “Communication breakdown”, “Dazed and confused”, “Stairway to heaven”, “Black dog”, “Rock & roll” y un larguísimo etcétera.

El estilo musical de la banda es un rock & roll contundente con claras influencias del blues, de la psicodelia e incluso del folk y de la música étnica. Por lo que respecta a las letras, son muchas las referencias a la mitología nórdica y al mundo de J.R.R. Tolkien que Robert Plant utiliza en sus canciones. De Led Zeppelin se ha escrito que son los padres del hard rock o incluso del heavy metal.

Desde 1971 hasta su disolución en 1980 la carrera de Led Zeppelin se vio marcada más por sus mastodónticas giras con jet privado incluido, por sus escándalos, por sus excesos con las drogas y el alcohol, y por los destrozos ocasionados en las habitaciones de los hoteles por los que pasaban, que por sus discos y sus composiciones musicales. Durante estos nueve años únicamente publicaron “Houses of the holly”, “Physical Graffiti”, “Presence” y “In through the out door”, que sin ser malos discos no destacan como sí lo hicieron los cuatro primeros trabajos de la banda.

El 25 de Septiembre de 1980 John Bonham fue encontrado muerto en una habitación de la mansión de Jimmy Page, ahogado en su propio vómito debido al consumo excesivo de alcohol. Tras el fallecimiento de John Bonham el resto de la banda optó por la disolución definitiva de Led Zeppelin, siguiendo cada uno de ellos su propio camino musical por separado.

Desde 1980 hasta el pasado día 10 de Diciembre, Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones nunca volvieron a subirse juntos a un escenario bajo el nombre de Led Zeppelin. Veintisiete años después el sueño de volver a escuchar en directo los temas legendarios de Led Zeppelin interpretados por ellos mismos pudo hacerse realidad. El músico elegido para sustituir a John Bonham en la batería durante esta cita tan especial fue su hijo Jason Bonham. Visto lo visto y después de haber leído las críticas de la prensa especializada, no cabe duda de que la elección no pudo ser más acertada.

Es una incógnita si Led Zeppelin acabaran aceptando las ofertas recibidas para realizar una gira mundial o si por el contrario su regreso simplemente fue una anécdota. Mientras se lo piensan y no, nosotros seguiremos disfrutando de su música y de las múltiples imágenes en DVD de su época gloriosa que afortunadamente existen en la actualidad.

Página web oficial: http://www.ledzeppelin.com

Ahora piden tu cabeza (Ariel Rot) 2005

Octavo y último disco de la carrera en solitario de Ariel Rot antes de la edición de “Etiqueta Negra”, la caja especial conmemorativa de sus treinta años en el mundo de la música.

Fuimos muchos los que pensamos que tras “Hablando solo” y “Cenizas en el aire”, en “Lo siento, Frank”, su siguiente disco de estudio, Ariel se había relajado considerablemente. Para la grabación de “Hablando solo” Ariel se desplazó a los estudios “Du Manoir” del sur de Francia y contó con la colaboración de The Atractions (la banda que acompaña a Elvis Costello desde hace más de 25 años) y Joe Blaney (el productor que ha trabajado con Keith Richards, Prince, The Clash, Ramones, Los Rodríguez y Andrés Calamaro entre otros). “Cenizas en el aire” también se grabó en “Du Manoir” pero fue producido por el mismo Ariel con Joe Blaney haciendo las labores de ingeniero de sonido. Esta vez no se rodeó de veteranos músicos de estudio sino de la formación que le había acompañado en los conciertos de su anterior gira. En ambos trabajos el resultado fue magnífico ya que grandísimos temas fueron registrados de una forma exquisita y muy profesional, alcanzando prácticamente la perfección sonora. Sin embargo “Lo siento, Frank” olía a disco barato, poco trabajado y de escasos medios. Esta vez ni viajó a Francia ni contó con la ayuda de Joe Blaney, sino que lo grabó en los estudios “La Cabaña Sonora” con José Nortes en la producción. Pero al margen de este descenso cualitativo en el proceso de grabación, eran las letras y la música en sí lo que flojeaba en este disco con respecto a los otros. Mientras que sus anteriores trabajos estaban plagados de temas excelentes, en éste muy pocos llegaban al notable. Daba la sensación de que lo más interesante del disco era el estuche de cartón diseñado por el modisto y diseñador David Delfín y el elenco de colaboradores que le acompañaron (Andrés Calamaro, Germán Vilella, Dani Nel.lo, Jaime Urrutia, Andy Chango, etc.).

Sería injusto y falso decir que “Lo siento, Frank” fue un mal disco, el problema estuvo en que el mismo Ariel se puso el listón tan alto con “Hablando solo” y “Cenizas en el aire” que su relajación en todos los aspectos fue demasiado evidente y algo decepcionante para los que admiramos su música. Pero como rectificar es de sabios, Ariel Rot dejó atrás la simplicidad, la comodidad y el trabajo casero, y dos años más tarde volvió a la carga con “Ahora piden tu cabeza”.

“Ahora piden tu cabeza” es un álbum de Ariel Rot en estado puro. En él hay espacio para el rock, para el pop, para el swing, para el jazz, para el funky e incluso para el folklore argentino. El disco abre con “Ahora piden tu cabeza”, un tema pop cuyo mensaje viene a decir más o menos lo que acabo de explicar en el párrafo anterior, que un músico no puede relajarse nunca si no quiere dejar de estar en la cima. Justo después nos encontramos con “Los tipos duros no bailan”, un tema con clarísimas reminiscencias de las baladas de los Rolling Stones. Más adelante tenemos “Dulce y solitario”, un funky; “Swing”, un swing (valga la redundancia) con letra de Sergio Makaroff (es casi imposible concebir un disco de Ariel Rot sin una sola letra de Sergio Makaroff); “Adiós carnaval” y “Muñeca rota”, un par de baladas; “Ya no sé dónde estaría”, una chacarera argentina; y una colección de temas pop-rock como “Fakir”, “Como la cigarra”, “Promesas de ayer” e “Historia incompleta”, temas muy en la línea de lo que ha venido haciendo Ariel Rot desde que trabaja en solitario. En definitiva, son 40 minutos de buena música desde que empieza hasta que acaba.

Para la prensa cada disco que publica Ariel Rot es el disco más maduro o más adulto de su carrera. No sé si se refieren al mensaje de sus letras, si se refieren a su música o si lo dicen porque queda bien decirlo y llena líneas. A mí personalmente “Ahora piden tu cabeza” no me parece más maduro que “Hablando solo” ni que “Cenizas en el aire”. Está claro que la línea musical que ha elegido Ariel Rot desde que abandonó Los Rodríguez ha sido utilizar el rock como hilo conductor entre otros estilos, como por ejemplo el jazz o el funky, que le apasionan y que se nota que domina pero que en sus anteriores bandas no pudo desarrollar.

En mi opinión “Ahora piden tu cabeza” se aproxima mucho pero no supera a “Hablando solo” y “Cenizas en el aire”. Aún así, no cabe duda que fue la mejor manera de reivindicar que Ariel Rot es uno de los grandes músicos del panorama musical hispano y que en absoluto se le ha olvidado cómo se hacen canciones, cómo se toca la guitarra y cómo se graban buenos discos. Esperemos que vengan muchos más discos iguales o parecidos.

Wish you were here (Pink Floyd)

Un año más, como si dentro de un bucle infinito formado por 365 pasos nos encontrásemos inmersos, ya estamos en Navidad. En esta época del año a todas horas y a través de todos los medios de comunicación habidos y por haber no dejan de recordarnos la obligación que tenemos de ser felices durante sus dos semanas de duración. El resto del año nos pueden dar mucho por el culo a todos, pero en Navidad hay que ser felices por cojones. Supongo que a los señores publicistas y comunicadores varios se les escapará lo complicado que resulta ser feliz cuando alguien con el que has pasado y disfrutado estas fechas durante toda la vida ya no se encuentra entre nosotros.

La canción del mes de Diciembre de 2007 del blog de El Artista Multimedia es un pensamiento en voz alta que supongo que a muchos les vendrá a la mente cada vez que se acerca la Navidad. Se trata de “Wish you were here”, un tema bastante atípico aunque de los más conocidos dentro del repertorio de Pink Floyd, publicado allá por 1975 en su disco homónimo y cuyo título traducido al castellano vendría a significar “Ojalá estuvieras aquí”. Roger Waters pensó en su difunto padre cuando lo compuso y a mí, varias décadas después, me gustaría dedicárselo, allá donde estén, a todas las personas que nos dejaron y que ya no volverán pero que durante estos días desearíamos especialmente que estuvieran aquí.

Amigos lectores del blog de El Artista Multimedia, os deseo que paséis las Navidades lo mejor que podáis y que tengáis un feliz resto del año.

Ficha Técnica:
· Título: Wish you were here
· Álbum: Wish you were here
· Año: 1975
· Intérprete: Pink Floyd
· Autor: R. Waters, D. Gilmour

Escucha un fragmento:


“Como desearía que estuvieras aquí”

EnJoy (Jaime Urrutia) 2007

En época de sequía creativa todo artista consagrado tiene la posibilidad de publicar un álbum en directo, un recopilatorio de grandes éxitos o un disco de duetos con algunos de sus amigos y compañeros de profesión. De esta forma se consigue permanecer en las listas de ventas y en las emisoras de radio durante el tiempo suficiente como para que lleguen la inspiración y las ganas de grabar un nuevo disco con material fresco. El último disco de Jaime Urrutia es un perfecto ejemplo de todo lo anterior. Después de un éxito bastante relativo de “El muchacho eléctrico”, su segundo álbum en solitario publicado en el año 2005, el pasado mes de Abril veía la luz “EnJoy”, el primer disco en directo de la carrera de Jaime Urrutia, tanto en solitario como con Gabinete Caligari, grabado el 20 de Febrero en la sala Joy Eslava de Madrid. En él, además de repasar todos sus grandes éxitos de ayer y hoy en vivo y en directo, Urrutia contó con la inestimable colaboración de algunos de los artistas más “populares” del rock hispanohablante actual. Un gancho perfecto para que todos los medios de comunicación vuelvan a poner su punto de mira en un nuevo trabajo de Jaime Urrutia.

Como estandarte de ese género musical propio que dio en llamarse “Rock torero”, el disco comienza con el pasodoble “Gallito” sonando de fondo antes de que Urrutia y sus Corsarios se suban al escenario. Con una coordinación perfecta, el pasodoble del maestro Santiago Lope Gonzalo empalma con “Delirios de grandeza”, un tema descatalogado dentro de la obra de Gabinete Caligari que no puede encontrarse en el mercado dentro de ningún disco de la banda. Tras él vienen “Tócala Uli” y “¿Dónde estás?”, con la aparición por sorpresa en esta última de Loquillo recitando la famosa frase macarra de “Ey nena...”

A partir de aquí se van alternando temas interpretados sólo por Jaime Urrutia con otros para los cuales llama a escena a su elenco de colaboradores para interpretarlos junto a ellos. Este quizás sea el principal atractivo del disco. Así, Ivan Ferreriro, Pereza, Jorge Drexler, Enrique Bunbury, Ariel Rot y Amaral, van subiendo al escenario para cantar a dúo “Mentiras”, “Cuatro rosas”, “Pitusa”, “Al calor del amor en un bar”, “¡Qué barbaridad!” y “Camino Soria” respectivamente, en unos casos con puestas en escena más brillantes que en otros. Por ejemplo, Amaral, que a mi gusto cada vez canta mejor, hace uno de los mejores “Camino Soria” que jamás he escuchado; Ariel Rot arregla “¡Qué barbaridad!” a la perfección con sus solos de Telecaster; y Jorge Drexler hace la versión más distinta a la original de todas las registradas en el disco. Entre medio de todos estos temas Jaime alterna “Vestida para mí”, “Maribel”, “Suite nupcial”, “Completamente feliz” y “La culpa fue del cha-cha-chá”, tras la cual se despide del público de Madrid.

A modo de bis, después de la despedida Jaime Urrutia vuelve para interpretar con Loquillo “Caray”, el mítico tema de Gabinete Caligari que ya interpretara con él en aquel disco en directo del catalán titulado “Compañeros de viaje”. Tras éste viene la colaboración más incomprensible de todo el disco, la de Dani Martín de El canto del loco, para hacer o perpetrar su particular y lamentable versión de “La sangre de tu tristeza”. Finalmente “Nadie me va a añorar”, como los dos anteriores también de Gabinete, es el tema que cierra el concierto aunque no el disco, ya que tras él se adjunta como “bonus track” la canción hasta el momento inédita titulada “Tratando”, cantada a dúo por Jaime Urrutia y Andrés Calamaro. Al serle imposible estar presente en el concierto de Joy Eslava, Andrés grabó su voz desde Buenos Aires para posteriormente ser mezclada en el estudio junto al tema en sí.

Aunque la voz de Jaime Urrutia suene bastante cascada y en ocasiones hasta parezca afónica, tanto el repertorio como algunas de las colaboraciones especiales hacen de este disco un buen resumen de la carrera de este grande del rock español y un material histórico digno de guardar en un lugar preferente de nuestras estanterías de discos.

Musicovery

¿Estás cansado de poner la radio y no encontrar ninguna emisora que satisfaga por completo tus gustos musicales? ¿Has aborrecido los éxitos del momento a base de escucharlos una y otra vez sea cual sea la emisora que sintonices? ¿Te gustaría que existiera un programa musical cuya programación fuera siempre acorde con tu estado de ánimo? Probablemente no encuentres ninguna emisora ni ningún programa que cumpla todas estas condiciones por completo, pero para eso está Internet. El enlace del mes de Diciembre de 2007 del blog de El Artista Multimedia es "Musicovery", todo un universo musical en forma de web cuya dirección es la siguiente: http://www.musicovery.com

De apariencia muy sencilla pero de posibilidades ilimitadas, "Musicovery" es una página web de reproducción musical en la que los visitantes podrán elegir desde el género que desean escuchar hasta la década en la que fueron grabados los temas, pasando por el estado de ánimo en el que se encuentra el oyente o el grado de bailabilidad deseado para las canciones. Una vez realizada la selección, el propio sistema se encargará de recopilar los temas que van a sonar y de mostrarlos unidos entre sí como si de una constelación de estrellas se tratase, presentados cada uno de ellos con la carátula del álbum al que pertenecen y el nombre del músico y el tema. La lista de canciones que se van a reproducir podrá modificarse en cualquier momento de la reproducción haciendo un simple "click" de ratón sobre el control de selección de la página o sobre cualquiera de los temas de la lista. La calidad del audio no es la mejor del mundo pero la velocidad de reproducción es excelente no produciéndose ningún corte durante ésta.

Además de ser muy útil para escuchar la música deseada en el momento deseado, "Musicovery" es ideal para descubrir nuevas canciones, nuevos discos y nuevos artistas similares a otros que son de nuestro agrado pero que nunca habíamos tenido la oportunidad de escuchar. Pero no sólo eso, además de escuchar, "Musicovery" nos ofrece incluso la posibilidad de comprar los temas que están sonando a través de una de las tiendas musicales "on-line" con más garantías de toda la red.

Es posible que cuando llevemos una larga temporada haciendo uso de esta página empecemos a notar que las canciones se reptien, pero para esto habrán sido necesarias muchas horas de escucha, así que ¿por qué no váis empezando y lo comprobáis vosotros mismos?

Musicovery: http://www.musicovery.com

Concierto de Dream Theater (Pavelló Olímpic de Badalona, Badalona 02/11/2007)

Los reyes del metal progresivo se salen en la cancha de “La Penya”

El pasado día 2 de Noviembre, con motivo de la gira de presentación de su nuevo álbum “Systematic chaos”, aterrizaban en Barcelona los newyorkinos Dream Theater. Lo que me ha pasado con Dream Theater me ha pasado con muy pocos artistas. No hace ni un año que empecé a conocer a fondo su obra y cuando supe que su gira “Chaos in motion World Tour 2007” llegaba a Barcelona me faltó el tiempo para ir a comprar la entrada. Después de escuchar prácticamente toda su discografía, ver alguna que otra actuación en DVD y hablar largo y tendido sobre ellos con algunos amigos mucho más fans que yo, sólo me quedaba comprobar en vivo y en directo la sensación que transmite en sus conciertos una de las formaciones musicales con más talento en la composición de melodías y más precisión tocando sus instrumentos de todas las bandas de heavy metal que existen en la actualidad.

No soy demasiado fan de la faceta más metalera de Dream Theater. Personalmente me atraen mucho más sus discos más melódicos como “Metropolis Pt. 2”, “Octavarium”, “Images and words” o “Falling into infinity”, y para mí era una incógnita con qué Dream Theater me iba a encontrar en este concierto. Al llevar a Symphony X como teloneros y habiendo escuchado su último disco, todo parecía indicar que íbamos a presenciar más un derroche de watios que de sensibilidad melódica.

El recinto elegido para celebrar el concierto fue el Pavelló Olímpic de Badalona, el palacio de deportes donde acostumbra a jugar el Juventut de Badalona, equipo de baloncesto de la liga ACB. Los conciertos que tienen lugar en pabellones polideportivos se suelen caracterizar por su poca ventilación, por el ambiente ultra cargado que se respira (a pesar de que está prohibido fumar) y por su pésima acústica. Todo esto es comprensible ya que los palacios de deportes están diseñados para practicar deporte, no para celebrar espectáculos musicales, y si el técnico de sonido del grupo en cuestión no es muy bueno, en un concierto de estas características se corre el riesgo de no distinguir bien el sonido de un instrumento del de otro.

Fue precisamente eso lo que ocurrió durante la actuación de Symphony X, los teloneros de Dream Theater durante esta gira. En ocasiones no se escuchaba prácticamente más que ruido y no se sabía si estaba sonando el bajo o el bombo de la batería. Si a Dream Theater los conozco desde hace relativamente poco, a Symphony X directamente ni los conozco. Cuando segundos antes del inicio de su actuación se apagaron las luces y empezó a sonar una melodía entre épica y apocalíptica (tanto es así que no se sabía si quien iba a salir al escenario iba a ser una orda de orcos, Batman o una banda de rock), ya me imaginé un poco del palo que iban. Como no los conozco no voy a opinar sobre su show, pero después de verlos tocar y desde la ignorancia que me da el no haber escuchado absolutamente nada de ellos antes, la impresión que me llevé de Symphony X no es más que la de una banda de heavy metal con un guitarrista veloz y un vocalista chillón como las miles que hay en el panorama metalero actual. Mi actitud durante su actuación fue bastante indiferente al no saberme ninguna canción ni gustarme demasiado su estilo, pero hay que decir que, en general, el público de Badalona respondió muy bien y demostraron ser conocedores y admiradores de su trabajo.

A pesar de haber ofrecido un concierto que no sonó excesivamente bien, la actuación en Badalona de Symphony X será recordada por los siglos de los siglos gracias a las perlas verbales que soltó su cantante durante el concierto. Entre ellas podríamos destacar el saludo al público catalán con un “¡¡¡Hola España!!!”, su intento de animar a la audiencia con un “¿Dónde están cojones de España?” y su declaración de amor por nuestra tierra con un emotivo “¡¡¡Mucho tiempo sin venir a España es mierda!!!”.

Justo después de que Symphony X acabaran su actuación se encendía la luz roja del semáforo que permanecía colgado del techo del pabellón, similar al que preside la portada de “Systematic chaos”. Una señal de tráfico con el símbolo de la banda y un par de hormigas gigantes situadas en la parte frontal del escenario eran algunos de los elementos decorativos que hacían referencia a la portada del disco. Cuando los técnicos acabaron su montaje y se retiraron, el semáforo cambió de rojo a ámbar dando a entender que se aproximaba el inicio del concierto. Minutos más tarde las luces del Pavelló Olimpic de Badalona se apagaron, el semáforo se puso en verde y por las pantallas ubicadas en la parte trasera del escenario comenzó la proyección de un montaje audiovisual en el que se mezclaban efectos visuales con imágenes en directo grabadas durante diferentes etapas de la banda. Tras finalizar la proyección, Dream Theater saltaban a escena interpretando el fragmento de “Así habló Zarathustra” incluido en la banda sonora original de “2001: Odisea en el espacio” antes de descargar sobre el público de Badalona toda la potencia de “Constant motion”, el primer single de su nuevo disco “Systematic chaos”. Tras ésta vendrían “Strange deja vu” del álbum “Metrópoli Pt. 2” y “Blind faith” de “Six degrees of inner turbulence”, antes de que James LaBrie se dirigiera al público catalán por primera vez en toda la noche.

Durante estos primeros temas los allí presentes pudimos disfrutar de la contundencia rítmica de John Myung con su bajo de seis cuerdas y de Mike Portnoy con su doble batería, además de las más que conocidas velocidad y precisión de John Petrucci en la guitarra y de Jordan Rudess en los teclados. James LaBrie suele sufrir bastante de la garganta durante el transcurso de sus giras pero en Badalona supo estar a la altura de la impecabilidad de sus compañeros. En alguna ocasión desaparecía del escenario durante las partes instrumentales para darle un par de tragos a dos botellas que guardaba detrás de la batería. Por lo que a sonido se refiere, durante los primeros minutos de la actuación de Dream Theater ya quedó claro que el problema de Symphony X no fueron sólo las condiciones acústicas del recinto sino que algo tendría que ver el técnico o incluso los propios músicos en la algarabía sonora con la que nos habían obsequiado hacía unos instantes.

El concierto prosiguió con el tema “Surrounded”, publicado en su álbum “Images and words”, durante el cual alguien del público le lanzó un sombrero de paja a James LaBrie. Éste no dudó en calárselo y llevarlo puesto durante esta y parte de la siguiente canción, recordando al primo heavy de Don Pinpón. También fue especial en este tema el solo de guitarra de “Mother” de Pink Floyd que John Petrucci intercaló en la parte final. A continuación llegaría el turno de “The dark eternal night”, el segundo tema de “Systematic chaos” que sonaba en toda la noche. Este quizás fuera uno de los momentos más espectaculares de la noche aunque si nos hubieran puesto el CD no nos hubiéramos dado cuenta porque todo el mundo centró su mirada en las pantallas. El motivo era la proyección en perfecta sincronía con la música de “North American Dream Squad”, un corto de animación con las caricaturas de todos los miembros de Dream Theater como protagonistas en el que, haciendo uso de sus armas musicales, combatían contra todo tipo de seres monstruosos.

Después de semejante tormenta de decibelios llegaría el romanticismo de “The spirit carries on” incluida en “Metropolis Pt.2” y el dramatismo de “Forsaken” publicada en “Systematic chaos”, para acabar la primera parte del concierto con la energía de “Take the time” publicada en “Images and words” y las dos partes de “In the presence of the enemies”, de “Systematic chaos”, fusionadas en una única pieza. De esta forma concluía el primer bloque de canciones del concierto tras el cual la banda se retiraba a los camerinos y el semáforo volvía a ponerse rojo.

A Dream Theater siempre se les ha criticado lo estáticos que son encima del escenario. Si bien es cierto que John Petrucci y John Myung prácticamente no se mueven de la baldosa en todo el concierto, Mike Portnoy y Jordan Rudess por sí solos ya son un espectáculo. Ver tocar a Mike Portnoy el armatoste de batería que lleva mientras se pega puñetazos en la cabeza, hace girar sus baquetas en el aire o las hace rebotar y salir volando sin perder ni una sola vez el compás, es todo un show. En cuanto al teclista Jordan Rudess, éste cada vez va incorporando más elementos a su equipo. No le basta con los dos teclados y el ordenador portátil que lleva montados en su plataforma giratoria, ahora además utiliza un teclado colgado del hombro que le sirve para interactuar más directamente con el público y tocar mano a mano con John Petrucci en la parte frontal del escenario. James LaBrie por su parte se mantiene en un segundo plano durante todo el concierto, llegándose a retirar al “backstage” mientras sus compañeros ejecutan sus respectivos solos para dejarles a ellos todo el protagonismo.

Minutos más tarde la banda volvía al escenario para interpretar el único bis de todo el concierto con la sorpresa de Mike Portnoy portando la camiseta del F.C. Barcelona. Durante algo más de media hora, y sin apenas descanso, Dream Theater desplegaron un “medley” compuesto por fragmentos de algunos temas de todas sus etapas. “Trial of tears” de “Falling into infinity”, “Finally free” de “Metropolis Pt.2”, “In the name of God” de “Train of thought” y “Octavarium” del disco homónimo, fueron los temas cuyos fragmentos formaron este set final con el que los americano dijeron adiós a Badalona.

Aunque quizás resultara algo corto y, a mi gusto, sobrara la actuación de los teloneros, una vez disfrutado, asimilado y analizado desde la perspectiva del paso del tiempo, tengo que decir que Dream Theater no me defraudaron en absoluto. Tras haberles aprobado prácticamente toda su discografía y sin ser el concierto ni la banda de mi vida, para mí Dream Theater han pasado con sobresaliente la reválida que han de pasar todas las bandas de rock para que el que escribe pueda considerarlas buenas bandas de rock: el directo. Sin duda alguna esperaré su regreso a tierras catalanas para volver a disfrutar de otro recital de rock como el del pasado 2 de Noviembre. Esperemos que no tarden en volver porque mucho tiempo sin Dream Theater es mierda.

Homenaje a Jimi Hendrix

El pasado 17 de Septiembre se cumplieron 30 años de la muerte de Jimi Hendrix, uno de los profetas musicales del siglo XX y quizás el personaje que cambió la forma de entender el rock & roll. Muchas de las cosas que hoy consideramos rock seguramente serían inconcebibles si jamás hubiera existido Jimi Hendrix. Con su forma sucia, bronca, pero a la vez virtuosa de tocar, Jimi Hendrix revolucionó el sonido de la guitarra eléctrica descubriendo todo un universo de posibilidades que posteriormente han sido adaptadas por muchos otros guitarristas.

El último vídeo del mes del año 2007 es este fragmento de la legendaria actuación de Jimi Hendrix en el Monterey Pop Festival celebrada el día 18 de Junio de 1967, tres meses antes de su muerte. En ella podemos disfrutar de una particular versión del tema "Wild thing" de Chip Tylor, así como de toda una demostración de respeto por parte de Jimi Hendrix hacia su guitarra.

Que sirva este vídeo de homenaje al Dios de las seis cuerdas.

La lengua popular (Andrés Calamaro) 2007

Una de las buenas noticias musicales del año 2007 ha sido el retorno de Andrés Calamaro al camino que nunca debió abandonar, el del músico, compositor, letrista, intérprete, poeta, guitarrista, rockero y, en definitiva, el del artista con todas las letras que siempre ha sido. Desde la edición de “El salmón”, todo lo que había publicado Calamaro habían sido dos discos de versiones de clásicos de la música latinoamericana y de tangos, un disco de grandes éxitos grabados en directo, y un álbum de estilo inclasificable y calidad muy discutible junto al también argentino Litto Nebbia. Sinceramente, muchos de los seguidores de Andrés Calamaro no esperábamos que volviera a hacer ese estilo de música con el que nos encandiló a través de sus obras maestras “Alta suciedad”, “Honestidad brutal” y “El salmón”, más allá de alguna que otra gira de conciertos de uvas a peras para saciar su apetito rockero, pero finalmente lo ha hecho.

A mediados de 2007 nos sorprendió a todos con su participación en una gira de reivindicación del rock en castellano llevada a cabo conjuntamente con Fito & Fitipaldis, y mucho más con el anuncio de la publicación de su nuevo disco, “La lengua popular”, catalogado por toda la crítica como “El mejor disco de Calamaro desde El salmón”, lo cual tampoco es que sea muy difícil. Parece ser que Andrés Calamaro vuelve a tener ganas de salir del cascarón y, a juzgar por lo visto y escuchado, la verdad es que se encuentra en plena forma.

Producido por Cachorro López, el que fuera bajista y compañero de Andrés durante su etapa en “Los abuelos de la nada”, “La lengua popular” puede que no tenga ese aire mega profesional de “Alta suciedad”, pero tampoco ese toque antiguo y sucio tan característico de Javier Limón como ocurría en “El cantante” y “Tinta roja”, ni ese olor a disco casero grabado con un 8 pistas como “El salmón”. Si hubiera que hacer algún tipo de comparación con otro de sus trabajos discográficos quizás el disco al que más próximo estaría “La lengua popular” sería a “Honestidad brutal”, tanto por lo que respecta al sonido de la grabación como al contenido musical de éste. De igual forma que “Honestidad brutal”, “La lengua popular” es una compilación de canciones de estilos y ritmos de lo más variado en las que se utiliza el rock como hilo conductor, y donde se vuelve a cuidar mucho la calidad de la grabación no dejando lugar a desviaciones extrañas hacia lo bizarro. “La lengua popular” es un poco un resumen de lo que Calamaro venía haciendo antes de su baja voluntaria.

En esta ocasión Andrés Calamaro hace prácticamente de todo: compone, escribe, canta, se hace coros a sí mismo, toca la guitarra eléctrica, la guitarra acústica y los teclados. Lo mismo le da hacerlo en clave de rock como en “Los chicos” o “Sexy y barrigón”, que en clave de cumbia como en “5 minutos más (minibar)” o “Comedor piquetero”, que a través de una balada como en “Soy tuyo” o “Cada una de tus cosas”. Pero a pesar de ser un artista polifacético, en este disco no está solo. Además del ya mencionado Cachorro López que ejerce de productor y bajista, Andrés cuenta con la colaboración de otros músicos experimentados como los guitarristas Gringui Herrera, Juanchi Baleiron y Tito Losabio, el pianista Leo Sujatovich o el bajista Guillermo Vadalá entre otros.

Si lo analizamos con detenimiento, la verdad es que en "La lengua popular" hay muy pocas sorpresas ya que la mayoría de los temas recuerdan a otros que habíamos escuchado con anterioridad. Lejos de ser un defecto, este hecho es algo normal puesto que la discografía de Andrés Calamaro se compone de algo más de dos centenares de canciones y por fuerza ha de existir alguna similitud entre los temas de éste y de otros discos. Así pues, se podría decir que la novedad de “La lengua popular” está en que es el primer disco con sonido 100% Calamaro que publica Calamaro después de mucho tiempo.

Por lo que respecta a las letras, cualquiera que las escuche y conozca la discografía de Andrés Calamaro se dará cuenta de que algo ha pasado en la vida del argentino. Su recuperación de los problemas con las drogas, el haber encontrado una pareja con la que compartir su vida, su reciente paternidad y, en resumen, el haber encontrado de una vez por todas la felicidad, se ve reflejado no sólo en su aspecto físico y en su actitud ante los medios de comunicación sino también en las letras de su nuevo disco. Andrés ha pasado de escribir “Joder, ya no me quieres” a escribir “Joder, cuánto te quiero”. Personalmente me alegro mucho de que por fin haya vuelto al mundo de los vivos y de que actualmente estemos más pendientes de si publica un disco o sale de gira que de si sigue con vida, pero particularmente a mí me emocionaba mucho más su forma de transmitir el pesimismo, el derrotismo y la negatividad, que sus actuales versos edulcorados y sus declaraciones de amor eterno. Pero bueno, no hay mal que por bien no venga y para eso siempre nos quedarán sus anteriores discos que, por mucho que pasen los años, siempre serán un refugio al que acudir en determinados momentos de necesidad.

Ojo por ojo...

Los que escribimos de forma amateur porque nos gusta expresar públicamente nuestra opinión y nuestro punto de vista sobre las cosas, en ningún momento pretendemos obtener más beneficio que el de satisfacer nuestra necesidad creativa y el de ofrecer a todo aquel que pueda estar mínimamente interesado información, crítica y opinión sobre aquello que pasa por nuestros oídos, ojos y cerebro. Ni pretendemos lucrarnos ni utilizar nuestras plataformas de expresión como medio de autopublicidad, ya que la mayoría tenemos otras profesiones y esto lo hacemos por pura afición. Pero el hecho de que no nos ganemos la vida con esto no le da derecho a nadie a utilizar nuestros textos, nuestras opiniones y, en definitiva, nuestro trabajo con fines lucrativos y mucho menos sin nombrar la fuente de la cual han sido obtenidos. Eso es precisamente lo que ha ocurrido con alguno de los textos publicados en este blog.

El pasado mes de Septiembre declaré artista del mes al músico Gonzalo Valdivia por su reciente incorporación a la gira 2007 de Héroes del Silencio. Como hago con todos los artistas del mes, redacté sobre él una breve retrospectiva de su carrera musical basándome en los datos obtenidos tras varios años siguiendo su música y tras alguna conversación personal, tanto con él como con gente de su entorno. Una vez publicado mi artículo incluso recibí un mensaje de felicitación por su parte, el cual le agradezco infinitamente.

Pues bien, en Noviembre de este año el club de fans oficial de Pink Floyd en España editó un fanzine sobre la banda conmemorando el décimo aniversario de la creación del club de fans. Con este fanzine (un manojo de fotocopias encuadernadas valoradas en 16 euros del ala) se regalaba un CD en el que se recopilaban una serie de versiones de Pink Floyd grabadas por diferentes bandas tributo españolas. En él había temas de Syd Barretina, Pink Tones, The Brick, Uveros y Gonzalo Valdivia entre otros. Como admirador de la banda que soy encargué dicho fanzine y cuando me encontraba leyendo las biografías de las bandas que colaboran en el CD, ¡oh sorpresa!, la biografía de Gonzalo Valdivia era la misma que yo publiqué en el mes de Septiembre en este blog. Al principio me hizo gracia que el blog de El Artista Multimedia fuera tomado como referencia y como fuente de información, pero cuando acabé de leer el artículo me di cuenta de que mi nombre no aparecía ni como autor de éste ni dentro de los créditos de dicha publicación.

He intentado ponerme en contacto con el "autor" de la revista para que me diera alguna explicación sobre lo ocurrido pero lo que he obtenido ha sido el silencio por respuesta. Por lo tanto, como él ha utilizado mi trabajo sin pedirme permiso y sin tan siquiera mencionarme, mientras me planteo emprender medidas legales amparado por la ley de la propiedad intelectual y los derechos de autor (ya que este blog se encuentra protegido bajo un licencia Creative Commons), me veo en pleno derecho de publicar libremente ese CD tributo a Pink Floyd que tantos beneficios económicos le está reportando al club de fans, para que la gente a la que le interese no tenga que gastarse el dinero en unas fotocopias con material copiado. Así que aquí lo tenéis:

[Pigs on the wing (Pink Floyd Spanish Tribute)]

Desde aquí me gustaría lanzar un mensaje para todos aquellos que utilizan el trabajo de los demás sin autorización de su autor y con fines lucrativos... ¡¡¡Que os den por el culo!!!

El tiempo de las cerezas (Enrique Bunbury)

Hay momentos en la vida en los que uno se da cuenta de que algo ha llegado a su fin y que es inútil continuar esforzándose en seguir adelante con la esperanza de que las cosas cambien y tomen el rumbo esperado. Aunque al principio sea la decisión más difícil y dolorosa, en estos casos la mejor opción siempre suele ser abandonar y emprender un nuevo camino con una nueva ilusión y con la esperanza de no repetir la experiencia del fracaso. La canción del mes de Noviembre de 2007 es “El tiempo de las cerezas” de Enrique Bunbury. Me sabe muy mal nombrar canción del mes una de Bunbury justo después del monográfico de Héroes del Silencio, y más cuando ya tenía en mente otros planes, pero este tema parece estar escrito para la ocasión, para este final de mes que ha sido clave para aclarar ideas y acabar de tomar algunas decisiones que debería haber tomado hace mucho tiempo.

“El tiempo de las cerezas” fue publicada el año 2006 en el doble LP homónimo editado conjuntamente por Enrique Bunbury y Nacho Vegas, un disco en el que cada uno compuso y cantó sus propias canciones pero para el cual compartieron banda, productor y estudio de grabación. En esta canción ni mucho menos tenemos la oportunidad de disfrutar de una de las mejores interpretaciones vocales de Enrique Bunbury, ni se trata de una canción excesivamente compleja musicalmente hablando al estar instrumentada únicamente con un par de guitarras acústicas y un discreto piano. A pesar de todo, para mí quizás sea la canción que más emociones me transmite de las últimas cincuenta que ha publicado Enrique Bunbury en solitario.

Sin más que decir porque la letra de “El tiempo de las cerezas” lo dice todo, os dejo que la escuchéis y quien quiera entender que entienda.

Ficha Técnica:
· Título: El tiempo de las cerezas
· Álbum: El tiempo de las cerezas
· Año: 2006
· Intérprete: E. Bunbury, X. Pereda, Copi
· Autor: E. Bunbury

Escucha un fragmento:


“Es momento de ir yéndose poco a poco, el tiempo de las cerezas nunca llega a Noviembre”

Actos inexplicables (Nacho Vegas) 2001

Primer disco en solitario del gijonés Nacho Vegas tras su paso por la formación Manta Ray. Desde la publicación de "Actos inexplicables" hasta aproximadamente el año 2005, Nacho Vegas consiguió ganarse un lugar preferente y una muy buena reputación dentro del círculo de la música independiente española, convirtiéndose en poco tiempo y sin tener demasiados discos en el mercado en un artista de culto para su pequeña aunque fiel parroquia de seguidores.

La situación anteriormente comentada cambió en el año 2005 tras su participación en los espectáculos circense-musicales de Enrique Bunbury denominados “Freak Show”, y mucho más con la publicación en el 2006 de “El tiempo de las cerezas”, un álbum grabado de forma conjunta con el mismo Enrique Bunbury. A partir de esta asociación, Nacho Vegas ha dejado de ser un músico minoritario seguido únicamente por un público selecto para pasar a estar en el punto de mira de páginas web, foros y publicaciones varias dedicadas a Bunbury y a todo lo que le rodea. Nada tiene que ver musicalmente el uno con el otro pero pocos son ya los fans de Bunbury que ahora no lo sean también de Nacho Vegas.

Si tengo que ser sincero, nunca me he sentido atraído por la música ni el estilo de Nacho Vegas a pesar de lo bien que siempre me han hablado de él. Lo que me ha llevado a investigar de una vez por todas su carrera en solitario ha sido la curiosidad por conocer a fondo el trabajo de ese tipo tímido, triste y taciturno que compartió discos y escenarios con Enrique Bunbury (artista al que sí sigo en solitario aunque no admiro), y de esta forma comprobar la coherencia de aquellos que admiran al uno y por consiguiente también al otro. He de decir que dicha coherencia vuelve a quedar en entredicho una vez más porque ambos tienen que ver entre sí lo mismo que un huevo y una castaña, pero bueno, dejemos al margen este tema y pasemos a analizar “Actos inexplicables” que para eso estamos aquí.

Cuando se escucha este disco desde un punto de vista objetivo y sin ningún tipo de intoxicación exterior, se tiene la sensación de estar escuchando una serie de cartas o extractos del diario de un tipo atormentado y maltratado por la vida leídos en voz alta y a los cuales se les ha puesto música. Las letras son tan íntimas y hablan de cosas tan supuestamente personales que en la mayoría de los casos resulta complicado sentirse identificado con ellas más allá de alguna frase o algún fragmento concreto. En sus canciones Nacho Vegas cuenta historias o vivencias personales, siempre hablando en primera persona o haciendo claras alusiones a terceros, como es el caso de su difunto padre Simón, su hermano Javier o algunos otros amigos y conocidos que van apareciendo a lo largo del disco. El denominador común de la práctica totalidad de sus letras es la complejidad de los textos, la ausencia de estribillos y la enorme crudeza y tristeza que transmiten, un poco siguiendo-calcando el estilo de Bob Dylan o Leonard Cohen.

Musicalmente es un disco inclasificable. Los temas, de instrumentación variada, oscilan entre el folk, el pop, el rock, la música porteña y arrabalera, e incluso en ocasiones recuerda hasta al grunge. Todos ellos están basados en la continua repetición de ritmos y melodías muy simples sobre las que se encajan las letras en algunos casos de forma más acertada que en otros. Da la sensación de que la música y la letra son algo totalmente independiente y que no costaría mucho esfuerzo intercambiarlas entre sí.

Para finalizar, únicamente decir que la voz de Nacho Vegas es absolutamente nula y carente de energía. Si Frank Sinatra era “La voz”, podríamos decir que Nacho Vegas es “La no-voz”. Con decir que la canción del disco que más me ha gustado ha sido la primera creo que ya estoy diciéndolo todo. Imagino que él es totalmente consciente de ello y que precisamente utiliza su carencia de voz como elemento característico y diferenciador de su estilo.

Tras escuchar “Actos inexplicables” unas cuantas veces, la idea general que me queda de Nacho Vegas es que se trata de ese tipo de artistas que serían capaces de escribir grandes ensayos o libros de poesía pero que por desgracia se dedican a grabar discos líricamente potentes pero musicalmente mediocres tirando a pobres. De todas formas creo que un disco no es suficiente para juzgar a un músico, así que seguiré intentándolo con el resto de trabajos del asturiano.

Camisetas para todos

Este mes se han cumplido cinco años desde la aparición en Internet de "Camisetas para todos", la página web no oficial más completa de todas las dedicadas al músico argentino Andrés Calamaro. Para celebrar este quinto aniversario, declaro enlace del mes de Noviembre de 2007 a "Camisetas para todos": http://www.camisetasparatodos.com.

"Camisetas para todos" tiene absolutamente todas las secciones que se pueden esperar de una página web dedicada a un músico: biografía, noticias, discografía, letras de canciones, álbum de fotos, foro y colección de enlaces relacionados con el artista. Todas ellas son muy completas y están perfectamente actualizadas, pero evidentemente esta información también puede encontrarse en la página web oficial de Andrés Calamaro y con bastante mejor presentación al haber sido realizada por un equipo profesional. Es precisamente lo que no puede encontrarse en la página oficial de Andrés Calamaro lo que llama la atención y lo verdaderamente atractivo de esta web. Entre todas su secciones, "Camisetas para todos" ofrece la posibilidad de descargar una amplísima colección de conciertos, rarezas, versiones, experimentos musicales y vídeos de Andrés Calamaro, de forma totalmente gratuita y abierta a todo el mundo. Lejos de lo que pueda parecer, con esto sus administradores no están incurriendo en ningún delito contra la propiedad intelectual ya que cuentan con el consentimiento y el apoyo del propio Andrés. Prueba de ello es que en los últimos discos del argentino aparece la dirección de "Camisetas para todos" en la misma contraportada junto a su página web oficial y la de la compañía discográfica.

Podríamos decir que los administradores de "Camisetas para todos" han cumplido el sueño de cualquiera de los webmasters que invertimos nuestro tiempo y nuestro esfuerzo en la realización de una página web dedicada a un músico que admiramos. Se trata de algo tan simple y tan sencillo como que nuestro trabajo sea reconocido por el propio músico. Por esta razón me gustaría darles mi más sincera enhorabuena por estos cinco años de trabajo cada vez mejor hecho, esperando que después de éste vengan muchos años más.

Camisetas para todos: http://www.camisetasparatodos.com

Libertad (Velvet Revolver) 2007

Ha costado pero ya tenemos aquí el tan esperado segundo disco de Velvet Revolver, posiblemente la banda más mediática del rock americano. Algunos empezamos a ver al fantasma de Axl Rose cuando Velvet Revolver cayeron del cartel del festival “Monsters of Rock” celebrado en Zaragoza el pasado mes de Junio y cuando la publicación de su disco se pospuso unos cuantos meses, pero finalmente ya está en el mercado el segundo larga duración de la banda formada por Scott Weiland, Slash, Duff McKagan, Matt Sorum y Dave Kushner.

Fuimos muchos los que, conociendo el potencial de los músicos que componen Velvet Revolver (¡ojo, que digo músicos!), no quedamos demasiado satisfechos con “Contraband”, su primer álbum, y esperábamos como agua de mayo este segundo disco para comprobar si se había producido algún cambio. La verdad es que los cambios han sido más bien pocos aunque haberlos los ha habido. Si “Contraband” sonaba a Stone Temple Pilots que mataba, “Libertad” suena algo menos grunge y un poco más rockanrolero, pero continúa teniendo ese puntillo machacón que caracterizaba a la anterior banda de Scott Weiland. Tanto es así que si no nos dicen que tocan tres ex-miembros de Guns N’ Roses ni nos enteramos por lo que a estilo musical se refiere.

En “Libertad” las guitarras rítmicas y el bajo suenan un poco más a instrumentos de cuerda y un poco menos a instrumentos de percusión como ocurría en “Contraband”, aunque no por ello sus temas han perdido esa contundencia en los ritmos ya característica de Velvet Revolver. Dicha contundencia se ve reflejada en temas como “She mine”, “Get out the door”, “For a brother” o “Spy”. Está claro que con el cambio de productor el grupo ha ganado en cuanto a limpieza y claridad del sonido de las guitarras y de la voz, en esta ocasión menos tratada digitalmente, pero a nivel compositivo Velvet Revolver continúan en su línea de hacer temas muy básicos, pesados y repetitivos, adornados con algún solo de guitarra de esos que Slash se saca de su chistera (nunca mejor dicho) para convertir en aceptable cualquier tema por malo que sea.

Cabría destacar algunas canciones como “Let it roll” con la que se abre el disco, “Builds quick machine”, “The last fight”, “American man” con sonido de castañuelas incluido, el homenaje a la esposa de Weiland “Mary, Mary” o “Just sixteen”, que sin matar demasiado se dejan escuchar. En esta ocasión también se cumple el cupo de las dos baladas de rigor con la versión del tema de la Electric Light Orchestra “Can’t get it out of my head” y con “Gravedancer”, esta última excesivamente parecida a “Fall to pieces”, tema publicado en su anterior disco.

En mi opinión el talento de Slash está totalmente desaprovechado dentro de este grupo. Quizás sea un virtuoso como arreglista de temas compuestos por otros, pero este estilo en el que ha entrado no le pega a un músico hard rockero con sangre de bluesman como él, cuyas máximas influencias son Jimmy Page, Jimi Hendrix o Joe Perry. El hecho de dejarse dominar de esta forma dice muy poco a favor de su capacidad de liderazgo y su peso dentro de Velvet Revolver.

En cuanto a la voz, pues es la que hay. Scott Weiland nos gustará más o nos gustará menos, podrá gritar más o podrá gritar menos, podrá arreglarse digitalmente la voz más o podrá hacerlo menos, pero a un cantante monorregistro y con voz de cazalla como él no se le pueden pedir grandes resultados más allá de que no desafine (que conociéndolo no es poco).

En resumidas cuentas, “Libertad” es un disco muy normal que si no fuera Slash el que toca la guitarra muchos ni nos pararíamos a escuchar.

Dream Theater

Dream Theater, la banda de metal progresivo más importante y con más talento de todas las que existen en la actualidad, actuaron el pasado día 2 de Noviembre en el Pabellón Olímpico de Badalona con motivo de su gira mundial "Chaos in motion", y yo tuve la suerte de asistir a la cita. Después de varios meses con Héroes del Silencio como protagonistas del blog de El Artista Multimedia, ¿qué mejor terapia de desintoxicación de la sobredosis "heroicosilenciosa" que declarar artistas del mes de Noviembre del 2007 a este grupo de virtuosos músicos formado por James LaBrie, John Petrucci, Mike Portnoy, John Myung y Jordan Rudess?

La formación de Dream Theater ha ido variando desde su fundación en el año 1985 hasta la actualidad. John Petrucci en la guitarra, Mike Portnoy en la batería y John Myung en el bajo, todos ellos estudiantes del "Berklee College of Music", son los únicos músicos que han permanecido en la banda desde el principio. El primer teclista de Dream Theater fue Kevin Moore y el primer vocalista Chris Collins. Sin haber grabado un solo disco con el grupo, éste último sería substituido al cabo de un año por Charlie Dominici.

Charlie Dominici sólo llegó a grabar "When dream and day unite", el álbum de debut de la banda publicado el año 1989, ya que dos años más tarde fue substituido por el canadiense James LaBrie, el cual se ha mantenido en la banda hasta el día de hoy. Con James LaBrie, John Petrucci, Mike Portnoy, John Myung y Kevin Moore en la formación, entre 1992 y 1994 Dream Theater saltarían a la fama internacional con los discos "Images and words" y "Awake".

En 1994 el teclista Kevin Moore fue reemplazado por Derek Sherinian, también estudiante de Berklee. Derek Sherinian únicamente permanecería en Dream Theater durante tres años, participando en la grabación de los discos "A change of seasons" y "Falling into infinity". Finalmente, en 1997 se configura la formación definitiva de lo que hoy conocemos como Dream Theater, cuando Derek Sherinian es substituido por el virtuoso teclista Jordan Rudess. Rudess, antiguo estudiante de la escuela de Juilliard, ya había trabajado con Petrucci y Portnoy en su proyecto paralelo "Liquid Tension Experiment", y con él la banda alcanzaría su máximo nivel de creatividad, éxito y reputación dentro del mundo del heavy metal.

En el año 1999 sale a la luz "Metropolis Pt.2: Scenes from a memory", el trabajo discográfico más importante de Dream Theater hasta la fecha, considerado por los entendidos como una obra maestra del rock progresivo. Se trata de un disco conceptual compuesto como continuación del tema "Metropolis Pt. 1" incluido en el álbum "Images and words", cuya gira de promoción se prolongó durante más de un año.

A partir de "Metropolis Pt.2: Scenes from a memory" y hasta el día de hoy, Dream Theater ha publicado cuatro discos de estudio: "Six degrees of inner turbulence" en 2002, "Train of thought" en 2003, "Octavarium" en 2005 y "Systematic chaos" este mismo año, que aunque hayan ido variando ligeramente el estilo musical de cada uno de ellos, en todos se ha mantenido un altísimo nivel compositivo.

A pesar de sus claras y reconocidas influencias de artistas de la talla de Pink Floyd, Frank Zappa, Metallica o King Crimson entre otros, Dream Theater ha sabido crear su propio sonido y su propia seña de identidad musical. Pero donde realmente se aprecia y se disfruta de la calidad como músicos de cada uno de los Dream Theater es en sus conciertos. Si te perdiste la reciente gira española del grupo, no te preocupes, tienes la posibilidad de comprobarlo a través de la multitud de actuaciones publicadas en formato DVD que tienes en el mercado. Te aseguro que no te defraudarán.

Página web oficial: http://www.dreamtheater.net

El camino del exceso llega a su fin

Es alucinante cómo pasa el tiempo. Después de ocho meses con una ilusión, con una serie de fechas marcadas en el calendario y con unas ganas tremendas de ver hecho realidad el sueño de volver a disfrutar de mis ídolos musicales juntos de nuevo sobre un escenario, finalmente todo ha vuelto a la situación en la que estaba y de nuevo nos hemos quedado sin Héroes del Silencio.

Si tuviera que elegir una palabra que defina la forma como he vivido estos ocho últimos meses, esa sería "exceso". Puede parecer un topicazo, pero no encuentro una palabra más apropiada. Han sido ocho meses de exceso de ganas y exceso de ilusión por la llegada del momento de ver a Héroes del Silencio en directo; de exceso de información sobre el acontecimiento leída, recibida y ofrecida a través de Internet; de exceso de dinero gastado en entradas, viajes, pre-conciertos, post-conciertos y merchandising oportunista salido a rebufo del regreso; de exceso de horas de espera y de vigilia; y de exceso de artículos sobre Héroes del Silencio publicados en este blog.

Lamentablemente todo ha llegado a su fin y todo vuevle a la normalidad. Ha sido muy bonito y muy divertido este tiempo dedicado a la que es y será la banda de mi vida pero, a menos que ocurra algo extraño e inesperado, probablemente tarde en volver a escribir aquí sobre Héroes del Silencio.

Para finalizar me gustaría dar las gracias a toda la gente que, de una forma u otra, me ha acompañado en este camino. Entre ellos quisiera dar las gracias a Noko y a Gonzalo por haberme demostrado su confianza; a Marta, Leticia, Brenda, Daniel, Alberto, Marta y Jordi por acompañarme durante los conciertos de Zaragoza y Valencia; a Noko y a Marta de nuevo por hacer posible una visión preferente de los hechos; a Juan por enchufarme en las fiestas post-concierto, aunque sólo llegara a asistir a una; y por último a Carlos por su interés, su fiel seguimiento y su continuo apoyo a mi humilde trabajo en este blog.

Así que, como ya dijera Roger Waters allá por 1979, "The show must go on", que no sólo de Héroes del Silencio vive El Artista Multimedia.

Concierto de Héroes del Silencio (Circuit de la Comunitat Valenciana Ricardo Tormo, Cheste 27/10/2007)

Héroes del Silencio encienden la traca final

Cuando el pasado 14 de Febrero se confirmaron los rumores del regreso de Héroes del Silencio, parecía que faltaba una eternidad para que llegara el momento de poder verlos en directo. Sin embargo, pronto se cumplirá un mes de la celebración del último concierto del grupo que tuvo lugar en el Circuit de la Comunitat Valenciana de Cheste. En principio yo no tenía ninguna intención de asistir a dicho concierto por ser en la provincia de Valencia, un lugar con el que no tengo absolutamente ningún vínculo ni ninguna relación. Sinceramente no me apetecía gastarme un dineral en viajes, entrada, alojamiento y estancia para ver un concierto, por mucho que se tratase de Héroes del Silencio. Fue a falta de un mes de la celebración de éste, y habiendo visto imágenes de los montajes y los conciertos de América, cuando finalmente me animé a comprar una entrada y a plantarme en Valencia en tren y sin alojamiento alguno, dispuesto a pasar la noche en vela a cambio de asistir al fin de fiesta de la gira de regreso de la banda que más me ha marcado musicalmente hablando. A pesar de todos los contratiempos sufridos he de decir que no me arrepiento en absoluto de la experiencia, sobre todo cuando, por casualidades del destino, pude conseguir una entrada preferente a ultimísima hora.

La operación “Traca final” no pudo empezar con peor pie. Varios días antes del fin de semana del 27 de Octubre, a causa de un incidente producido en las obras del tren de alta velocidad, RENFE había interrumpido el servicio de los trenes que realizan su entrada y su salida de Barcelona por la vía de Bellvitge. Casualmente el tren que debía llevarme a Valencia circulaba por esa vía, con lo que me vi obligado a viajar en autocar hasta Tarragona y desde allí tomar un tren hasta Valencia. La broma me costó una hora de retraso, llegando a la capital del Turia a las 16:00 h. en lugar de llegar a las 15:00 h. como estaba previsto. El concierto comenzaba a las 21:00 h., pero aún tenía que llegar al Circuito Ricardo Tormo de Cheste. Para ello, a las 17:00 h. aproximadamente, cogí un tren regional con parada en una zona próxima al circuito. Con tanquilidad y totalmente ajeno al caos circulatorio que se estaba formando en la carretera de acceso al circuito a falta de tres horas para el comienzo del concierto, sobre las 18:00 h. llegué al recinto y sólo me quedaba esperar a que comenzara el espectáculo.

La tarde era fría y durante el camino desde la estación de tren hasta la explanada donde se iba a celebrar el concierto empezaron a caer algunas gotas de lluvia que poco a poco se fueron intensificando. Una marea de gente con la mirada puesta en el majestuoso escenario ubicado en la parte alta de un montículo, nos íbamos encaminando hacia el aparcamiento del Circuito Ricardo Tormo, recordando aquellas escenas repetidas anualmente de miles de musulmanes peregrinando a la Meca. En el trayecto podían verse a lado y lado del camino infinidad de puestos de comida, bebida y venta de merchandising pirata, tantos que incluso llegaban a obstaculizar considerablemente el paso de la gente.

Una vez en el recinto, y habiendo superado los controles de acceso, la verdad es que me llevé una grata sorpresa con la organización y el despliegue de medios de la zona de recreo montada en las inmediaciones del escenario. Enormes barras de bar, diversos puntos de venta de merchandising oficial, gran cantidad de cabinas de urinarios públicos, algunas carpas de videojuegos, puestos de comida, gradas supletorias y hasta un toro mecánico, eran algunos de los servicios que se pusieron a disposición de las más de 80.000 personas que se esperaba que asistiesen al concierto, dejando a Zaragoza a la altura del betún. El caso es que sobre las 18:30 h. yo ya ocupaba la posición desde la cual iba a presenciar el show, que no era otra que la tercera fila de la zona preferente derecha. Haciendo uso de los transportes públicos y la zapatilla, y sin un minuto de atasco, dos horas y media antes del inicio del concierto ya tenía una ubicación envidiable.

A las 21:00 h., con la luna llena brillando sobre el cielo valenciano, se apagaban las luces del escenario e iniciaba el mismo ritual que he venido narrando en las dos crónicas anteriores: “Song to the siren” de This mortal coil sonando en la oscuridad. Esta vez la emoción que sentí ya no fue la de alguien que después de muchos años por fin ve realizado un sueño. La emoción era similar a la sentida cuando uno se despide para siempre de alguien o algo que sabe que no va a volver a ver. Pese a ser mi tercer concierto de Héroes del Silencio en menos de un mes, el primer RE menor de “El estanque” volvió a penetrar en mis sentidos y a erizar mi piel como ya me ocurriera el día 10 de Octubre en La Romareda. Después del mal sabor de boca que me quedó el día 12 de Octubre debido a mi pésima ubicación en la pista, en este concierto de Cheste traté de disfrutar al máximo y de prestar atención a todos los detalles posibles con la intención de llevarme para siempre el mejor recuerdo de la gira de regreso de Héroes del Silencio.

Como venía siendo habitual, después de “El estanque” vinieron “Deshacer el mundo” y “Mar adentro”, antes de la cual Enrique Bunbury saludó a Valencia desde el escenario central, e intentando divisar el horizonte exclamó: “¡Casi no veo al último!”. La verdad es que si uno echaba la vista atrás y se ponía de puntillas, el paisaje de un océano de más de 80.000 cabezas era sobrecogedor. Desde el principio se notó que Enrique Bunbury tenía la voz en perfectas condiciones y que ya estaba totalmente recuperado de su gripe. En cuanto al sonido, éste era espectacular con respecto al de La Romareda. No sé si será porque la acústica de un lugar abierto al aire libre es mejor que la de un estadio de fútbol rodeado por gradas y hundido en el suelo del centro de una ciudad, como lo es el de Zaragoza, pero el sonido desde la parte frontal del escenario era brutal. Supongo que los músicos también tendrían algo que ver en ello al estar mucho más rodados.

Después de “Mar adentro” la velada prosiguió de la misma forma que el día del Pilar, con un bloque de canciones formado por “La carta”, “Agosto”, “La sirena varada” y “Opio”, esta última con una equivocación en la entrada de la guitarra que fue motivo de broma entre los propios músicos. A continuación Enrique Bunbury se encaminó por última vez al mini escenario central para agradecer al público, y por extensión a todos los fans, el haber hecho posible que Héroes del Silencio hayan llegado a ser lo que actualmente son: la banda de rock más importante de España y parte de Europa. Tras la presentación habitual de los miembros del grupo por separado mientras estos se acercaban a él improvisando “La mala hora”, llegaba el momento del set más íntimo del concierto compuesto por “La herida”, “Despertar”, “Apuesta por el rock & roll” (con dedicatoria especial a Gabriel Sopeña y Mauricio Aznar del grupo zaragozano Más birras), “Héroe de leyenda”, “Con nombre de guerra” y “No más lágrimas”. Esta sería para mí la primera vez que escuchaba “Despertar”, uno de mis temas preferidos de “Senderos de traición”.

Con el sonido ensordecedor de las hélices proyectadas en las pantallas superiores, el grupo se dirigía hacia el escenario principal a través de la pasarela para poner en escena “Nuestros nombres”, con nuevos problemas en la entrada de la guitarra y un final en el que Enrique Bunbury se emocionó haciendo falsetes cuando la canción ya había terminado. Tras ésta vendrían “El mar no cesa”, “Entre dos tierras”, “Maldito duende”, “Iberia sumergida” y “Avalancha”, al final de la cual la banda se despidió de Valencia aunque no de forma definitiva. Tanto los que repetíamos como los que no, sabíamos que todavía faltaba la última parte del concierto. Efectivamente no sólo no había acabado sino que aún quedaban muchos temas, más que en cualquiera de las anteriores citas. Por ser el último de la gira, además de los temas fijos, Héroes del Silencio habían decidido interpretar la práctica totalidad de los temas que habían variado entre un concierto y otro. Así pues, con un Enrique Bunbury vestido con camisa negra brillante de manga larga en lugar de aquel chaleco que llevara en Zaragoza y que tan mal le había ido para su salud, el grupo volvía al escenario para tocar “Bendecida”, “Tumbas de sal” y “Oración” antes de volverse a retirar.

Después de unos minutos de descanso, el grupo volvía al escenario para dar las gracias a toda la gente que hizo posible la organización de la mastodóntica gira del milenio, y posteriormente interpretar “Tesoro”, “Fuente esperanza” y “La chispa adecuada”. Antes de ésta Enrique Bunbury volvió a solicitar al público su contribución en la iluminación mediante mecheros, móviles o linternas, creando un auténtico mar de puntos de luz en la explanada del aparcamiento del Circuito Ricardo Tormo de Cheste. Durante la lluvia de confetis plateados, Enrique Bunbury, visiblemente emocionado, se volvía a despedir de Valencia dando las gracias una y otra vez, recordando el nombre de la banda e insistiendo en que nunca les olvidásemos.

Mientras el público coreaba “¡Que no se retiren, que no se retiren!”, Héroes del Silencio volvían a escena una vez más, y esta sería la última, para tocar “Malas intenciones”. Tras ella, como en el resto de conciertos, Enrique Bunbury y Juan Valdivia se sentaban juntos en un escalón del escenario para iniciar “En brazos de la fiebre”, el último tema de la noche, de la gira y probablemente de la carrera de Héroes del Silencio. La emoción vivida durante este momento es inexplicable. La sensación de melancolía transmitida por la propia canción, sumada a la estampa de Enrique Bunbury y Juan Valdivia tocando juntos por última vez, al número final de Enrique alumbrando a Juan y al público, y al hecho de que, sin apenas darnos cuenta, la gira de reunión de Héroes del Silencio había llegado a su fin, hicieron de ese momento algo inolvidable. Incluso a los propios músicos, especialmente a Enrique Bunbury al que juraría haberle visto saltar las lágrimas, les costaba contener su emoción en el instante de la despedida. Como broche final, la organización del evento obsequió a la audiencia con un castillo de fuegos artificiales más grande de lo normal, muy apropiado para la región en la que estábamos, la tierra de las Fallas.

Así pues, definitivamente todo había acabado de una forma magnífica, digna de una banda tan grande como Héroes del Silencio. ¿Todo? No, aún quedaba salir del Circuito, llegar a Valencia y volver a casa, pero esa historia prefiero guardármela para mí. Tampoco lo voy a contar todo... ¿no?

Rarezas (Héroes del Silencio) 1998

Cuando la disolución de Héroes del Silencio estaba ya más que asumida por sus seguidores y Enrique Bunbury se encontraba inmerso en su recientemente estrenada y poco exitosa carrera en solitario, a finales de 1998 veía la luz un nuevo disco de Héroes del Silencio: “Rarezas”. Éste sería el primero de una auténtica marea de discos póstumos de la banda que vendrían años más tarde, aunque, como su propio nombre indica, “Rarezas” no es el típico álbum de grandes éxitos de Héroes del Silencio sino una recopilación de caras-b, temas inéditos y grabaciones en directo de difícil acceso hasta ese momento.

Todo el trabajo de selección de temas y posterior promoción por diferentes medios de comunicación fue llevado a cabo por Pedro Andreu y Joaquín Cardiel, los dos miembros de Héroes del Silencio más neutrales y con menor implicación en todos los problemas internos del grupo que motivaron su disolución. Juan Valdivia se desentendió absolutamente del disco y Enrique Bunbury, al estar tan ocupado con “Radical sonora”, apenas tuvo participación en el proyecto.

Aunque a priori pudiera parecer un disco artificial publicado únicamente para cumplir con las obligaciones contractuales firmadas con la casa discográfica (que puede ser que lo fuera), la verdad es que “Rarezas” no tiene desperdicio. Algunos temas, como “Apuesta por el rock & roll”, “Hologramas”, “El cuadro”, “Virus”, “Opio versión Ganges vals” y la remezcla de “Nuestros nombres” realizada por Noel Harris, ya habían sido incluidos como caras-b en diferentes singles del grupo. Otros, como “No más lágrimas” y “Héroes de leyenda”, pertenecían a antiguas grabaciones en directo publicadas en edición limitada. Pero lo que más interés despertó entre los fans de Héroes del Silencio fueron algunas de las maquetas del álbum “Avalancha” grabadas el año 1994 durante el retiro espiritual del grupo en el Hospital de Benasque. Entre ellas se encuentran el tema inédito “Babel” y las versiones de "Morir todavía”, “Parasiempre” (rebautizada como "... y para siempre”), “La chispa adecuada” y “Rueda fortuna” (con letra diferente y renombrada como “Medicina húmeda”).

Entre las canciones más destacables del disco podríamos nombrar “Babel” por ser hasta el momento un tema inédito, y Apuesta por el rock & roll”, un tema compuesto por Gabriel Sopeña y Mauricio Aznar del grupo Más birras, que sería la primera versión de otro grupo que Héroes del Silencio grababan de forma oficial en un álbum. En cuanto a las versiones de los temas de “Avalancha”, pese a ser mucho más contundentes que las versiones definitivas, verdaderamente no las mejoran en prácticamente nada.

Para el diseño y maquetación de la portada de “Rarezas” esta vez no se contó con ningún diseñador gráfico profesional ni con ninguna empresa de diseño experimentada. En esta ocasión se encargó del trabajo el mismo Joaquín Cardiel y el resultado no pudo ser más lamentable. La portada delantera e interior consistieron en una simple fotografía realizada a su colección particular de fotos, acreditaciones, portadas de álbumes y singles, y diferente tipo de artículos de coleccionista de Héroes del Silencio, esparcido todo ello sobre una alfombra de peluche que bien podría estar hecha con el pellejo del cadáver de Triki, el monstruo de las galletas. Por no haber no hay ni libreto.

“Rarezas” fue complementado con una cinta VHS en la que se recogían una serie de entrevistas al grupo realizadas en diferentes épocas y que por supuesto fue puesta a la venta de forma independiente al disco. El contenido de esa cinta recientemente ha sido publicado en formato DVD.

Álbum del concierto de Héroes del Silencio (Cheste, Valencia 27/10/2007)

Este mes nuevamente me voy a saltar el protocolo publicando otro álbum de fotos en lugar de una única foto. De la misma manera que el mes pasado, este Noviembre os ofrezco una selección de las mejores imágenes que pude captar durante el concierto de Héroes del Silencio celebrado el día 27 de Octubre en el Circuito Ricardo Tormo de la localidad valenciana de Cheste. Como se puede observar por las veces que aparece Juan Valdivia, las fotografías fueron tomadas desde las primeras filas de la parte derecha de la zona preferente.

En esta ocasión me gustaría dar las gracias a Marta, mi amiga y compañera de fatigas "heroicosilenciosas-calamarianas", por haber hecho posible cuando parecía imposible el que pudiera conseguir una entrada preferente, y sobre todo por hacerme más agradables las muchísimas horas de espera que hemos pasado estos días, sin duda unos días para el recuerdo.

Autor: El Artista Multimedia en tercera fila y sin atascos.

Parasiempre (Héroes del Silencio) 1996

Grabado durante su última gira española y publicado poco antes de la disolución del grupo, el día 28 de Septiembre de 1996 salía a la venta “Parasiempre”, un doble LP en directo que serviría como disco de despedida de Héroes del Silencio. Podría decirse que “Parasiempre” es el primer disco en directo de la carrera de Héroes del Silencio puesto que sus anteriores grabaciones oficiales en vivo, “En directo” y “Senda ‘91”, fueron dos mini discos publicados en edición limitada y con muy pocos temas en su interior. En esta ocasión el disco se editó a nivel internacional y con un total de diecinueve canciones, quedando así saldada la deuda con los fans menos madrugadores que no pudieron conseguir copias originales de “En directo” y “Senda ‘91”. Esta vez sólo se tuvo el detalle de regalar una cinta VHS con las 10.000 primeras copias del álbum, la cual contenía un breve documental sobre la gira “Avalancha”.

“Parasiempre” fue registrado a partir de la grabación de los conciertos celebrados los días 7 y 8 de Junio de 1996 en el Palacio de los Deportes de Madrid y en la Plaza de Toros de Zaragoza respectivamente. El disco es una muestra bastante fiel de lo que fue la última gira de Héroes del Silencio, una gira en la que, además de tocar gran parte de los temas de su último disco, el grupo obsequió a sus fans con un repertorio especial repasando los grandes éxitos de su carrera.

El primero de los discos comienza con un bloque de canciones del álbum “Avalancha” formado por “Deshacer el mundo”, “Iberia sumergida”, “Días de borrasca” y “Parasiempre”, y continúa con “El camino del exceso”, “La sirena varada”, “Maldito duende”, “La chispa adecuada”, “Oración” y una versión de “Nuestros nombres” con un final un tanto extenso que, además de minutos de relleno, no aporta gran cosa al tema original. El segundo disco comienza con “Hechizo”, “Entre dos tierras” y “Avalancha”, tras la cual Enrique Bunbury se despide del público con la expresión “Que os vaya bonito” recién adquirida en tierras mexicanas. A modo de bis, el disco sigue con un set acústico, que en los conciertos el grupo interpretaba sentados sobre taburetes en la parte frontal del escenario, compuesto por “Flor de loto”, “Flor venenosa” y “La herida”. Tras este momento íntimo y pseudomístico, el disco da sus últimos coletazos con “Mar adentro” y “Opio” versión “Ganges vals” con silbidos incluidos.

“Parasiempre” finaliza con una versión de “Decadencia” de once minutos de duración que, al más puro estilo “Dazed and Confused” de Led Zeppelin, se prolonga en un medley interminable compuesto por temas como “Hound Dog” de Elvis Presley, “La mala hora” de Radio Futura y una serie de estupideces poco originales que Enrique Bunbury va soltando quedándose tan ancho. Al final de la canción, Bunbury presenta a la banda y se despide de una forma premonitoria: “Nos vemos en la gira del próximo milenio”.

Como se habrá podido observar en lo escrito anteriormente, “Parasiempre” no es mi disco preferido de Héroes del Silencio ni mucho menos. Hay una serie de cosas que hacen que le tenga una especial manía y que no acabe de gustarme del todo. En primer lugar no entiendo cómo, si el disco está grabado a caballo entre Zaragoza y Madrid, la única referencia que hay a Zaragoza en todo el álbum es un discreto “Buenas noches Ciudad Inmortal” al principio de éste. Sin embargo, al final del segundo disco puede escucharse a Enrique Bunbury diciendo “Ustedes, Madrid, un público único”. ¿Es que todo el mundo ha de saber que Zaragoza es “La Ciudad Inmortal”? Escuchando el disco, cualquiera que no lo sepa puede llegar a pensar que éste se grabó íntegramente en Madrid, lo cual no sé si será premeditado por parte de la compañía discográfica. En segundo lugar no me gusta la producción realizada por Andy Jackson, el ingeniero de sonido del álbum “Avalancha”. A diferencia de “En directo” y “Senda ‘91”, en “Parasiempre” todo suena muy lejano y el público se escucha demasiado alto. Durante toda la grabación, la voz principal de Enrique Bunbury está al mismo nivel que los coros de Joaquín Cardiel y Alan Boguslavsky, y la guitarra de Juan Valdivia suena con el mismo volumen que la de Alan, ambas más bajas que la batería y el bajo. Vamos, un desastre.

Además, a estas alturas de la gira el estado de la muñeca izquierda de Juan Valdivia, aquejado de una grave tendinitis, ya era bastante precario, lo cual también queda reflejado en el disco. Escuchando con detenimiento es fácil darse cuenta que en algunas canciones (como por ejemplo “Deshacer el mundo”) donde debería sonar uno de esos solos de guitarra tan característicos de Juan, únicamente suena un breve punteo inicial y una sucesión de rasgueos rítmicos de guitarra. En otros temas con menos complejidad sí puede escucharse algún solo pero con mucha menos calidad de la que podría haber habido si Juan hubiera estado en plenitud de condiciones.

Por último, decir que en este disco hasta la portada es lamentable. En esta ocasión el trabajo de diseño y fotografía fue llevado a cabo por Joaquín Cardiel y Ana Ortiz de Landazúri, hermana de Enrique Bunbury. En la portada ni sale el grupo ni hay complejos símbolos como antaño, simplemente podemos ver una imagen tomada desde la platea del Teatro Ópera de México D.F., con la sombra de Enrique Bunbury agarrado a un micrófono proyectada sobre un fondo anaranjado. Todo un derroche de creatividad.

Avalancha (Zaragoza)

Con la proyección de una serie de ilustraciones diabólicas a través de las pantallas laterales, el uso de colores cálidos en la iluminación y la emanación de cinco columnas de fuego en la parte frontal del escenario, la puesta en escena de "Avalancha" puede que fuera una de las más espectaculares de todo el repertorio de Héroes del Silencio durante el pasado Tour 2007. Por esta razón, y para conmemorar la inclusión de este tema en el próximo Guitar Hero III de PlayStation, el vídeo del mes de Noviembre no es otro que una grabación de "Avalancha" realizada durante el concierto de Héroes del Silencio celebrado el pasado día 12 de Octubre en el estadio La Romareda de Zaragoza.

El vídeo es un fragmento de la filmación utilizada para la retransmisión en directo del concierto en diferentes salas de cine españolas. La manera como estas imágenes han llegado a la red de forma totalmente gratuita y con semejante calidad es digna de tebeo de Mortadelo y Filemón, y es una prueba más del ingenio que se despierta entre los fans cuando se trata de conseguir cualquier cosa que tenga que ver con Héroes del Silencio.

El monográfico de Héroes del Silencio se prolonga hasta mediados de Noviembre

Debido a mi asistencia imprevista al último concierto del Tour 2007 de Héroes del Silencio celebrado el pasado día 27 de Octubre en el Circuito Ricardo Tormo de la localidad valenciana de Cheste, debido a las magníficas fotografías que tuve ocasión de realizar durante aquel evento, debido a la cantidad de vídeos de excelente calidad que en los últimos días están saliendo a la luz pública a través de Internet y debido a que todavía me queda algún que otro disco del grupo por reseñar; tengo el placer de comunicar a todos los lectores del blog de El Artista Multimedia que el monográfico sobre Héroes del Silencio verá prolongada su duración hasta mediados del mes de Noviembre.

Sé que hay gente a la cual le repatea las tripas semejante brasa que estoy dando sobre un grupo que ni les va ni les viene, pero por las causas anteriormente comentadas y por lo importantes que son Héroes del Silencio para mí, no tengo más remedio que hacerlo de esta forma. Pero tranquilos, no os preocupéis, que ya falta poco. Además, no os quejéis tanto que os estoy dando toda la información sobre los discos de Héroes del Silencio que no da el diario EL PAÍS en sus famosos Libro-CDs coleccionables. Tanta telepromoción hortera y tanto anuncio hasta en la sopa sobre unos fascículos coleccionables dedicados a Héroes del Silencio para luego publicar el mojón encuadernado que están publicando. En fin, viva el oportunismo lucrativo a costa de los Héroes del Silencio.

Pues eso, que continuamos con el monográfico.

Héroes del Silencio

Pues sí, ya ha acabado la tan esperada gira de reunión de Héroes del Silencio e imagino que a nadie le va a venir de sorpresa que el artista del mes de Octubre del blog de El Artista Multimedia sean precisamente Héroes del Silencio.

En el pasado mes de Marzo, cuando este humilde blog empezaba a salir del cascarón, parecía que faltaba una eternidad hasta la llegada del ansiado reencuentro de la banda de rock más grande de la historia de la música española. Fueron meses de nervios, especulaciones, quejas y locuras varias a través de diferentes espacios de Internet dedicados a la banda aragonesa, hasta que definitivamente el día 15 de Septiembre Héroes del Silencio volvían a actuar juntos por primera vez en once años, concretamente en la Ciudad de Guatemala. Ciudad de Guatemala, Buenos Aires, Los Ángeles, Monterrey y México D.F. fueron los lugares donde Héroes del Silencio desplegaron su mastodóntico show antes de dembarcar en España a mediados del este mes de Octubre. Los días 10 y 12 en Zaragoza, el día 20 en Sevilla y el día 27 en Cheste (Valencia), fueron las cuatro únicas fechas en las que los españoles pudimos disfrutar del regreso y despedida de nuestra banda más internacional.

Unos Héroes del Silencio con una década más a sus espaldas y con la incorporación de Gonzalo Valdivia como guitarra de apoyo en sustitución del mexicano Alan Boguslavsky, han conseguido hacer felices durante algunos meses a millones de seguidores que esperaban su vuelta como agua de Mayo desde que, en el año 1996, decidieran separar sus caminos. Esta gira de reunión, denominada Tour 2007, ha consistido en una recopilación en directo de sus temas más legandarios interpretados durante diez únicas actuaciones ante audiencias multitudinarias, habiendo sido utilizado un macroescenario que ya quisieran para sí muchas grandes bandas de rock de fama internacional.

Es una incógnita si esta nueva despedida de Héroes del Silencio será definitiva o no. Mientras se vuelven a esperar acontecimientos, de momento el día 18 de Diciembre ya está prevista la publicación de un doble CD en directo y un DVD con lo mejor del Tour 2007, y Enrique Bunbury, Joaquín Cardiel y Pedro Andreu ya han anunciado la preparación de sus respectivos nuevos discos en solitario. Veremos a ver que nos depara el futuro.

Página web oficial: http://www.heroesdelsilencio.es

Avalancha (Héroes del Silencio) 1995

Los más de cuatro años seguidos encadenando grabaciones de discos y giras promocionales sin apenas descanso, acabaron por agotar física y mentalmente a Héroes del Silencio. Esto, sumado a los fallecimientos de dos personas muy cercanas al grupo, a los abusos con las drogas de algunos de sus miembros, a las crecientes discrepancias económicas y empresariales con la compañía discográfica, al abandono de su manager de toda la vida, y a alguna que otra diferencia entre Enrique Bunbury y Juan Valdivia, hicieron al grupo replantearse el futuro con únicamente dos opciones donde elegir: La disolución o la búsqueda de soluciones por parte de todos para seguir adelante. La opción elegida fue la segunda y, después de un breve periodo de vacaciones, Héroes del Silencio decidieron someterse a una especie de “retiro espiritual” aislándose de todo el mundo excepto de ellos mismos para intentar solucionar todos sus problemas y emprender con energía positiva la composición de un nuevo disco.

En Septiembre de ese mismo año, aprovechando la temporada baja del Pirineo aragonés, Héroes del Silencio se encerraron en el Hospital de Benasque, un hotel-albergue ubicado en Llanos del Hospital, dentro del Valle de Benasque, para permanecer durante unos meses e intentar solucionar sus conflictos, componer nuevas canciones y registrar las maquetas de su futuro disco. A principios de 1995 el grupo dejó Benasque para desplazarse a Londres, concretamente a High Wycombe, donde Phil Manzanera les consiguió unos apartamentos usados por algunos músicos durante la grabación de sus discos. Allí continuaron hasta el mes de Febrero perfilando sus temas y puliendo sus maquetas antes de iniciar la grabación.

Durante estos meses de aislamiento Héroes del Silencio cambiaron ciertos aspectos en su dinámica de trabajo. El primer cambio que se produjo fue la incorporación de Alan Boguslavsky, el guitarrista mexicano que acompañó a la banda como guitarrista de apoyo durante la gira “El camino del exceso”, en todo el proceso compositivo y de grabación de las maquetas y los temas. La segunda novedad, y una de las más importantes, fue el cambio de productor. La gran amistad que unía al grupo con Phil Manzanera hizo impensable que éste pudiera llevar a cabo las labores de producción del nuevo disco puesto que necesitaban a alguien que impusiera autoridad y disciplina, y que supiera canalizar la energía y el talento del grupo en una única dirección desde un punto de vista neutral. El elegido fue Bob Ezrin, productor entre otros de Pink Floyd, Peter Gabriel, Lou Reed o Alice Cooper.

Con Bob Ezrin como productor y Andrew Jackson como técnico de sonido, Héroes del Silencio viajaron a Los Ángeles para comenzar el proceso de grabación de su cuarto álbum de estudio. Bob Ezrin sugirió hacer un disco de rock & roll contundente, mucho más compacto, potente y con guitarras más agresivas que en los anteriores trabajos del grupo, al más puro estilo Led Zeppelin, Pearl Jam o The Cult, y así se hizo. El título elegido para el álbum fue “Avalancha”, un título que ya daba una idea del nuevo giro que había sufrido la música de Héroes del Silencio y de la necesidad de movimiento urgente que el grupo tenía.

El resultado fue un álbum de puro rock & roll rebosante de energía, claramente influenciado por bandas de Estados Unidos como Pearl Jam o Soundgarden, con unas guitarras duras, unas melodías brillantes y una base rítmica impecable. Desde el principio hasta el final del disco se nota la mano de Bob Ezrin. Se trata de un disco mucho más directo que “El espíritu del vino”, su anterior LP, el cual quedó demasiado recargado llegándose a perder la verdadera esencia de las canciones entre tanto sonido y tanta instrumentación.

Líricamente es un disco plagado textos confusos en los que se mezcla la temática de amor, sexo y drogas ya clásica del grupo, con algunas alusiones a la literatura que Enrique Bunbury estaba leyendo en aquel momento concreto, habiendo incluso citas literales de determinados fragmentos de libros de filosofía chamanista y oriental, así como a algunos versos de Pablo Neruda o Mario Benedetti. En esta ocasión se vuelve a ver cierta influencia de oriente, tanto en las letras como en el sonido de ciertas partes del disco, y por primera vez se introducen ligeros mensajes de rebeldía político-social

En “Avalancha” parece no haber ni un solo tema de relleno siendo todos y cada uno de ellos especial e imprescindible dentro de la globalidad del disco. Entre las canciones míticas de “Avalancha” que ya forman parte de la historia del grupo y del rock español figuran algunos de los temas más duros de toda la carrera del grupo como “Deshacer el mundo”, “Parasiempre”, “Rueda fortuna”, “Iberia sumergida” o “Avalancha”; y otros que conservan el espíritu original de Héroes del Silencio como “La chispa adecuada”, “En brazos de la fiebre”, “Opio” o “La espuma de Venus”.

Además de los cambios de productor y de manager, Héroes del Silencio también buscaron nuevo diseñador gráfico para la edición de la portada y el libreto de “Avalancha”, siéndole encargado el trabajo al colectivo Ipsum Planet. En esta ocasión el grupo volvió a aparecer en la portada del disco retomando de esta forma el concepto de "Senderos de traición". En el interior se volvieron a incluir las letras de las canciones en castellano y en inglés, todas ellas ilustradas con fotografías realizadas por el propio Joaquín Cardiel. De esta forma se abandonó toda la iconografía e imagen creada por Pedro Delgado basada en intensos y recargados motivos que ilustraron "Senda '91" y "El espíritu del vino". Aunque Alan Boguslavsky participó en la composición de todos los temas, éste no aparece en la portada del disco, únicamente es nombrado en el interior del libreto entre los créditos del disco, guardando cierta distancia con el resto del grupo. Con este detalle se hace evidente que, aunque el resto de la banda lo considerara como uno más, la compañía discográfica no opinaba lo mismo.

“Avalancha” fue publicado de forma simultánea en veintiséis países del mundo y fue el disco que consagró definitivamente a Héroes del Silencio como la banda de rock más importante de la historia de la música española. Con “Avalancha” Héroes del Silencio entrarían en el mercado latinoamericano y estadounidense, siendo el álbum con mayor repercusión mediática a nivel internacional del grupo aragonés.